Modern zamanların çağı, sanatın gelişmesinde en zor dönemdi. Bir yandan, devlet ideolojisinin değerlerini özür dileyerek teşvik eden resmi sanata yol açarken, diğer yandan sanatsal görüntülerin katı kanonikliğinin ötesine geçen bir şey arayışını kışkırttı. Ortaçağ döneminde sanat, alçakgönüllülükle dindarlığa boyun eğdi, Rönesans'ta kilisenin vesayetinden kurtulmaya çalıştı, insanın iradesine boyun eğdi.

Yeni Avrupa kültürü, insanın günlük yaşama bağımlılığını göstermiştir. İnsanın rasyonelliğine olan sınırsız inancın yerini, insan hayallerinin saflığı fikri aldı. Gerçek dünyadaki ilişkiler memnuniyet getirmez. Ve bir kişi, sanat çerçevesinde gerçek olmayan bir dünya yaratmak için yanılsamalar için çabalamaya başlar. 19. yüzyılın ilk yarısında sanatsal bir akım olarak romantizm ve 19. yüzyılın ikinci yarısında gerçekten var olduğuna inanarak öteki dünyayı tasvir etmeye çalıştı. sanat eserlerinin aldatıcı doğası açıkça kabul edilir ve daha sonra 20. yüzyılda sanatçılar bilinçli olarak sanatın nesnelliğinin tamamen soyut bir dünyasını yaratmaya çalışırlar, eserlerinin sanatsal gerçekliğini yaratırken tam bir özgürlük hissederler. Mimetik sanatın ilkelerinden bu tür bir özgürlük, tarihsel gelenekleri ve mimetik sanatın gelişimindeki sürekliliği kasten reddeden avangard sanatın karakteristiğidir.

avangard- "saf", "mutlak" ifadelerine dayanan, eski ile hiçbir bağlantısı olmayan tamamen yeni bir sanat yaratma hedefinin peşinden koşan 20.-21. yüzyıl deneysel sanat akımlarının genelleştirilmiş adıdır. dış dünyanın biçimlerini taklit etmeden. özel özellikler herhangi bir avangard sanat yönünün, ilk olarak, özel bir gizem halesinin yaratılmasında ifade edilen özel bir mitoloji, sanat eserlerinin etrafındaki gizem, genellikle yalnızca seçkinler tarafından anlaşıldığını iddia eder; ikincisi, bir sanat eserinin maddi yaratılışını ima etmeyen yaratıcılık eyleminin kendisinin mutlaklaştırılması, bir sanat eserinin yaratım alanının gerçekte maddi düzenlemesinin etkinliği olmaksızın sanatsal sürecin “kendi kendine yeterliliği”. avangart sanatçılar tarafından tasarım alanı olarak tek doğru kabul edilen eser; üçüncüsü, bir kişinin yaratıcılıkla gerekçelendirilmesi, asıl şeyin tasvir edildiği şey değil, aslında sanatın manevi anlamını karakterize eden nasıl yapıldığı, biçim uğruna içerikten özgürlük; dördüncüsü, teknik kolaj, sanallık vb. yöntemlerin kullanılması. sanatın gerçekliğinin manevi anlamı ile yaşam arasındaki çelişkiyi, dünyanın varlığının saçmalığını tasvir etmek için geleneksel olmayan malzemelere itirazla ilişkili olan figüratif sanattan ayrılma durumunda; beşinci olarak, enstalasyonlar, yani bir veya başka bir fikri izleyicinin zihnine sokmak için tasarlanmış renkli performanslar çerçevesinde farklı fenomenleri gösterme arzusu olarak eylemcilik; ve altıncısı, pragmatik bir şekilde, izleyicinin şok edici algıladığında, izleyicinin zihnini aktif ve agresif bir şekilde etkileyen skandal bir hile tarafından üretilen şok etkisinin bedelini ödemesi gerektiğini belirten ticari taraf, o da izleyicinin zihnini aktif ve agresif bir şekilde etkilemeye hazırdır. hemen ödeyin.

Avangard sanat, oldukça uzun tarihi boyunca, sanat eserlerinin yaratılmasına bütünsel bir yaklaşım oluşturamamıştır. Mimetik sanatın geleneklerinden tamamen koparak, görsel ve anlatımsal araçların kullanımında süreklilik sağlamaya çalışmaz. Avangard sanatın yaratıcı teknikleri, modern kültürün temel değerleri tarafından şekillendirilir: kendini her şeyden farklı ifade ettiğini iddia eden çoğulculuk, yaratıcılığın özgünlüğünü belirleyen sanatsal düşüncenin öznelliği ve onu belirleyen demokrasi. özgür kendini ifade etme kapsamı. Avangard sanat eserlerinin yaratılmasında ifade özgürlüğü, izleyici, okuyucu, dinleyici üzerinde her zaman otoriter ve saldırgan bir etkiye sahip olan, algısını aldatan, kasıtlı olarak yanıltıcı olan heterojen, derleme ve spekülasyon birleştirme yöntemlerinin kullanılmasına katkıda bulunur. Bir polis memuru, kendini ifade etmenin kamusal tehlike çerçevesine geçişinin sınırını görebilmeli ve sadece bu veya bu eylemin yasa dışılığını açıklayarak bu tür yasa dışı eylemleri durdurmakla kalmamalı, aynı zamanda önleyici çalışma yürütebilmelidir. vatandaşları sapkın ve bağımlılık yapan değerlerin bulunduğu alt kültürel alanlara dahil olmaktan korumak için.

Avangard sanat, gelişiminde dört yılı geride bıraktı. sahne: natüralizm, eklektizm ve izlenimcilik gibi sanatsal eğilimlerin geliştirildiği modernizm öncesi; sonra sembolizm, acmeizm, fütürizm, kübizm, fovizm, ilkelcilik, soyutlamacılık, süprematizm ve rayonizm ile karakterize edilen modernizm; varoluşçuluk, yapılandırmacılık, dadaizm, sürrealizm, dışavurumculuk, neo-soyutlamacılık ve bilinç akışı edebiyatının gelişimini karakterize eden daha fazla neomodernizm; ve son olarak, pop art, fotogerçekçilik, hipergerçekçilik, sonoristik, noktacılık, aleatorik, sots art, olaylar ve performans, kendi kendini yok eden sanat, kavramsalcılık ve çevre sanatı, kinetik ve peyzaj sanatının geliştirildiği postmodernizm.

Avangard fikirlerin ilk gelişme dönemi, figüratif sanattan avangard sanata yumuşak bir geçişin karakteristik özelliklerinin şekillendiği 19. yüzyılın ikinci yarısının modernizm öncesi dönemiydi. Modernizm öncesi önemli yönlerden biri, natüralizm 19. yüzyılın son üçte birinde şekillenen edebiyat ve sanatta sanatsal bir akım olarak. Avrupa ve ABD'de ve gözlemlenen gerçekliğin nesnel olarak doğru ve tarafsız bir şekilde yeniden üretilmesi için çabalıyor. İnsan karakteri, natüralizmin eserlerinde E. Zola, E. ve J. Goncourt, G. Hauptmann tarafından doğaya ve çevreye bağımlılığı içinde nesnelleştirildi ve bu doğrudan gündelik ve maddi çevre olarak anlaşıldı. Natüralizm eserlerinin sanatsal görüntüleri, görüntülerin gerçek öz doğruluğunu değil, yalnızca görünür, dışsalını yarattı. Natüralizmin sanatsal eserlerinde gerçekliği ideolojik olarak kavrama arzusu yoktur. Sanatsal bilgiyi bilimsel bilgiye benzetme fikrini sanatçılara dayatılan içerikten özgürlüğe dair avangard fikirler. Dar görüşlülük ve kutsal ahlak fikirlerine karşı mücadelede, yazarlar, örneğin S. Crane, F. Noris, mevcut gerçekliğin genelleştirilmesini ve eleştirel değerlendirmesini unuttular. Salon sanatının sayısız çeşidini yaratan natüralizm, 19. yüzyılın son üçte biri ile 20. yüzyılın başlarındaki, sanatsal gerçeklik vizyonu genel olarak kabul edilen figüratif sanat geleneklerinden farklı olan birkaç sanatçıyı etkiledi.

E. Manet veya E. Degas'ın resimlerinde gerçekliğin dışsal taklidine, bununla birlikte, içerik tarafı olmayan, ancak şok edici olduğu iddia edilen keskin bir yetersizlik duygusu eşlik etti. A. Toulouse-Lautrec, T. Steinlen ve C. Meunier, C. Kolvitz'in resmi, çözülemeyen bilmecelerle kaplandı. Yaratıcı edimin mutlaklaştırılmasındaki benzer deneyler, sanatta heterojen sanatsal unsurların bir araya gelmesine yol açtı. eklektizm formların mükemmelliği elde etmek, en iyisini düzenlemek ve diğer yandan, 20. yüzyılın başlarında avangardda aktif olarak somutlaşan birlik eksikliği ilkesinin oluşumuna kadar birleştirildiği yer. Eklektizm sanat eserleri, mimari planlarda simetri gibi davranmaz, seçkinler ve kitle arasındaki çelişkileri yumuşatmak için tasarlanmış, seçim özgürlüğünü karakterize eden bitmemiş iş unsurlarını kullanırlar.

Ancak avangart sanat algısındaki bu çelişkiler, 19. yüzyılın son üçte birinde oluşan sanatsal yön ile yoğunlaşmıştır. izlenimcilik, takipçileri mimetik sanatta akademisyenin reddedilmesiyle birleşti. 1874'te Paris'te, eserleri Salonun resmi sergisine kabul edilmeyen sözde "dışlanmış" sanatçıların bir sergisi düzenlendi. E. Degas, K. ve L. Pissarro, O. Renoir, P. Cezanne, A. Sisley'in eserleri arasında, adını belirtme gereği nedeniyle gün doğumu ile sisli bir manzarayı betimleyen C. Monet'in 1872 tarihli bir tablosu vardı. sergi kataloğundaki tablonun yazarı, “İzlenim” olarak adlandırdı. Gündoğumu. Nomen est omen", burada son sözler 224 olarak çevrilmiştir.

“İsim zaten anlamdır” ve bu nedenle gerçekliğin sanatsal yansıması için yeterlidir. “Dışlanmış” sanatçılara daha sonra izlenimciler adı verildi, çünkü “izlenim” kelimesi “izlenim” anlamına geliyor. G. Maupassant, K. Hamsun, G. Kellermann, G. von Hofmannsthal, A. Schnitzler, O. Wilde, A. Simons, B. Zaitsev'in eserlerinin sanatsal görüntüleri, hızla değişen modern yaşamın izlenimlerini ifade ediyor. Bu öznel deneyim, tam bir yeniden üretim olduğunu iddia etmez, ancak şimdiki zamanın parçalanmasında renk, ışık nüansları, uzay algısını yansıtmaya çalışır. İzlenimcilerin sanatsal görüntüleri bitmemiş, bazen özensiz, geleneksel çizim ve kompozisyonda figüratif sanat çerçevesinden ayrılma biçimiyle ilişkilendirildi. İzlenimdeki bir anı durdurma girişimi, herhangi bir özne bağlantısı tarafından aracılık edilmeden, anlamsalmış gibi görünmeden doğanın anlık durumunu yansıtma fırsatıydı. İzlenimciler, yalnızca gördüklerinin izlenimini tarafsız bir şekilde vurgulayarak, tabanı tasvir etmelerine izin verdiler. Prensip olarak, sosyal açıdan yararlı işlerle uğraşmayan insanları, ayyaşları, kart oyuncularını, fahişeleri betimleyen İzlenimciler, insanı çevreleyen hızla değişen modern yaşamda insana ilgi göstermeye çalıştılar.

İzlenimciler ilk kez gerçekliği doğadan boyamaya cesaret ettiler, atölyeleri açık havaya bıraktılar ve yalnızca tasvir edilenle doğrudan temas halinde yaratılabileceğini ilan ettiler. İzlenimciler, eşzamanlı kontrast ilkesini kullandıkları bir dizi çalışma ile gerçekliğin şimdiki anının değişkenliğini kaydettiler - yani birbirini güçlendiren ve belirli optik etkiler yaratan tamamlayıcı renkler: kırmızı ve yeşil, sarı ve mor, turuncu ve mavi. Yani kırmızıya bakarsak beyaza bakarız, ikincisi yeşilimsi görünecektir. İzlenimciler siyah ve kahverengiyi kullanmadılar, çünkü bunlar kendilerini bu tür yanılsamalara vermeyen renkler. İzlenimcilerin eşzamanlı tekniği, palet üzerinde karışmayan ayrı parlak renk vuruşlarının uygulanmasıyla da karakterize edilir. İzlenimciler, kromatizm yöntemini uygulayarak, uzayı görmeye alışık olduğumuz şekliyle tasvir etmeye çalışmadılar. Objektiflikten, tasvir edilenin nesnel maddi özelliklerinden uzaklaşan sanatçılar, resimdeki tasvir edilen gökyüzünün yeşil, çimen - mavi olabileceği, sınırsız yaratıcılık olasılığını mutlaklaştırarak içerikten özgürlüğe odaklandılar.

İzlenimciliğin yöntemleri kısa sürede tükendi ve gelişimi, sanatta ifade edilen yeni bir sanat pratiği tekniğini gerektirdi. izlenimcilik sonrası P. Gauguin ve W. Van Gogh, J. Seurat ve P. Signac'ın bölünmesinde. Post-izlenimciler, izlenimciliğin doğrudan yöntemlerini tasvir etmeye çalıştılar, ancak yine de deşifre edilmesi zor olan, genellikle sanatçının yalnızca parlak renklerin değil, aynı zamanda kullanılmasına yol açan kişisel deneyimleriyle ilişkili olan net bir anlamı vardı. toprak tonları. bölücüler Karmaşık renk tonlarını, net bir şekilde ayırt edilebilen bireysel vuruşlarla ve hatta noktalarla tuval üzerine sabitlenen, çalışmalarına soğuk, ölçülü ve sofistike bir ton veren, yine de teknikliği ile memnun eden saf renklere ayırmaya çalıştı.

Avangardın gelişiminde bir sonraki dönem, avangard sanat pratiğinin hazırlık sanatsal deneylerinin tamamlandığı ve avangardın ana özelliklerinin nihayet oluştuğu 20. yüzyılın başlarındaki modernizmdi. Modernist sanatın sanatsal görüntüleri, sanatsal etkinliğin kendi kendine değerli yenilenmesi ilkesine, eserin yeniliği ilkesine tabiydi. Bu dönemde çok yönlü avangard sanat hareketleri aktif olarak gelişti. En erken modernist sanat hareketi - modern fenomenlerin iç içe geçmesi açısından mükemmele odaklanır. M. Vrubel ve V. Vasnetsov'un melez görüntüleri, nesnellikten tam soyutlama ilkesini ilan ederek, ona kendi vizyonunu verir.

Erken modernist avangard sanatın çarpıcı bir sanatsal yönü, sembolizm XIX'in sonu - sağduyu normlarına bir tepki olarak ortaya çıkan XX yüzyılın başları, bilinmeyen her şeyi reddetme arzusu olarak pozitivizm. Sembolistler, günlük bilinçten gizlenen fenomenlerin anlamını anlamak olarak, yaşayan gerçekliğe değil, içgörü yardımıyla sembollere nüfuz ederek kavranabilen rüyalar dünyasına dikkat etmeyi önerdiler. "Ölüm", "aşk", "acı", "beklentiler" in sanatsal görüntüleri, aynı zamanda dünya uyumunun işaretleri olan gerçek ve duyular üstü dünyayı, banalliği ve sofistike fanteziyi birbirine bağlar. Alegorinin sanatsal yolunda, sembolistler G. Moreau, A. Becklin, X. Thomas, O. Redon, F. Rops, modernite fenomeninde geleceğin işaretlerini gösteriyor, geçmişin olaylarında bugün için önemli buluyorlar.

F. von Stuck, M. Klinger, G. Klimt, P. Gauthier, Chenier E Parny, mistik vizyonerin dini yüceltmeye dönüştüğü umutsuzca karamsar görüntülerin yanı sıra, F. Knopf, O. Beardsley, BEN. Torop, M. Ciurlionis, E. Bernard, L. Anquetin, D. Merezhkovsky, Z. Gippius. Çevreleyen gerçek hayat, inandırıcı ve otantik bir şekilde o kadar çirkin görünüyor ki, Sembolistlerin eserlerinde J. Ensor, E. Munch, A. Kubin, F. Hodler, C. Baudelaire, Mallarme'nin etkileyici kahramanca-destansı görüntüleri aracılığıyla aşikardır. , P. Verlaine, A. Rimbaud, M. Maeterlinck. Toplum tarihinde geçmişin ahlaki ve felsefi yorumu, K. Balmont, V. Bryusov, A. Blok, V. Borisov-Musatov, M. Vrubel, K.'nin eserlerinin "saf" sanatsal görüntülerinde ortaya çıktı. Petrov-Vodkin, A. Bely.

Erken modernizm için daha az önemli olmayan bir diğeri, sanatsal yöndür. akmeizm mükemmel ifadelerine getirilen sanatsal görüntülerin özel bir değer kazandığı yer. Belirsiz ve belirsiz, sembolik olarak ifade edilen sanatsal görüntüler yerine, N. Gumilyov, S. Gorodetsky, A. Akhmatova, O. Mandelstam, M. Zenkevich, birkaç kuraldan oluşan bir sistemle açıkça tanımlanan “zanaat olarak sanat” eserlerinin görüntülerini kullandı. Açıklık kriterleri, A. Bourdelle, A. Maillol'un arkitektonik formu, daha önceki sanatsal arayışların eklektizmine karşıydı, bilinmeyen tarafından boşuna götürüldü.

Böyle bir sanatsal hareketin takipçileri ilkelcilik, Orta Çağ'ın çocukların yaratıcılığı, ilkel sanatı, ikon resmi biçimlerine atıfta bulunur. W. Yeats, R. Frost, Conrad, D. Lawrence, P. White'ın ilkelciliğin basit sanatsal imgeleri duygusal olarak açıktır ve saf bir dünya görüşü olduklarını iddia ederler.

Erken modernizm için yapılan bu tür arayışlar, kelimenin tam anlamıyla avangard türden sanatsal hareketlerin oluşumunda doruğa ulaştı; burada dizginsiz özgürlük, yaratıcı hayal gücünün ana kaynağı olarak ilan edildi, mimetik sanatın gelenekleriyle sınırlı değil. ilk olarak fütürizmin sanatsal yönünde gerçekleşti. Fütürizm- bu, takipçileri geleceğin sanatını yaratmaya çalışan, yani gelecekte neyin beklediğini görsel olarak gösteren bu tür sanat eserleri olan 20. yüzyılın başlarındaki sanatsal bir yön. İtalyan fütürizmi (F. Marinetti, C. Carra, U. Boccioni) hareket yanılsamasına odaklandı. Sovyet Rusya'daki fütürizm (V. Khlebnikov, V. Tatlin) geleceği biraz farklı bir şekilde gösterdi, gelecekte bir insanı neyin çevreleyeceğini görsel ve net bir şekilde göstermeye çalıştı. Fütürizmin sanatsal imgeleri, diğer modernist sanat hareketlerinden farklı olarak, elit değil kitlesel estetik değerler yarattığını iddia etti ve çoğu zaman sıradan olmayanlar için anlaşılmaz oldu. Fütürizmin sanatsal görüntüleri, teknolojinin, kentsel yaşam tarzının kentsel kültür çerçevesindeki başarıları için bu şekilde özür diliyor. Resimde mimetik sanatının geleneklerini reddeden fütüristler, farklı bakış açılarını birleştirir, konturları çoğaltır, figürleri deforme eder, zıt renkler kullanır, metin parçalarını sanatsal bir tuvalin çerçevelerine yerleştirir. Fütüristik heykelin sanatsal görüntüleri, yığma ve tek yönlü kayma yardımıyla hareket yanılsamasını karakterize eder. Fütürist mimarlar "geleceğin şehirleri" projelerini sundular.

Fütürist sanatın nihilist doğasının sanatsal görüntüleri, sorumsuz bir kişinin konumunun oluşumuna katkıda bulundu, izin vermeyi teşvik etti. Bununla birlikte, kendi kaderleri trajedilere yol açan V. Lembroek, O. Dike, V. Mayakovsky, V. Kruchenykh'in sanat eserleri, sınırsız özgürlük ve cesaretin bireyselleştirilmiş görüntüleri ile doludur ve bu onları büyüleyici ve heyecan verici hale getirir. Fütüristik sanat, kendisi ve dış dünya ile uyumsuz olan dünya görüşünün bütünlüğünün, uyumun yıkımına tanıklık eder. Fütürizmin sanatsal görüntülerinde bir tür maneviyat eksikliği, fütürist sanatın bir araştırma, deney, diğer kültürlerin değerli deneyimlerinin çekiciliği, ödünç alma alanı haline gelmesine katkıda bulundu. Figüratif sanatın geleneklerine, kanunlarına ve klişelerine en radikal biçimde meyilli olanlar Fütüristlerdi. Yaşamın bir bütün olarak yeniden düzenlenmesiyle ilgili rüyalar, teknik uygarlığın ilerlemesi için aktif bir arzuyla ifade edilen sanatsal "yenilik" imgelerine yol açtı.

Geleneklerin çatışması aynı zamanda sanatsal yönü de gösterdi. kübizm ortaya çıkışı 1907'ye atfedilen 20. yüzyılın ilk çeyreği, P. Picasso halka, çağdaşlar için alışılmadık, grotesk bir formun sanatsal görüntülerinin deforme, kaba figürleri ifade ettiği “Avignon Kızları” resmini gösterdiğinde neredeyse tanınmaz, bir düzlemde ayrıştırılmış hacimlerin form kombinasyonları biçiminde chiaroscuro ve perspektif unsurları olmadan tasvir edilir. 1908'de L. Vaucelles, eserlerinde nesnel dünyanın tasviri nedeniyle P. Picasso, J. Braque, X. Gris, G. Apollinaire, G. Stein, kübizm gibi bir grup sanatçının çalışmalarını eleştirel olarak çağırdı. düzenli geometrik hacimlerin (küp, küre, silindir, koni) kombinasyonları şeklinde. Bu sanatçılar grubunda kübizmin temel ilkeleri gelişti ve tutarlı bir şekilde ifade edildi. Kübist sanat, 1911'de ortaya çıkan ve 1912'de Altın Kesit sergisinde (C.-A. Gleizes, J. Metsenger, J. Villon, A. Le Fauconnier, F) eserlerini sergileyen bir grup sanatçının eserlerinde biraz farklıydı. Leger, R. Delaunay, F. Kupka). Kübistlerin sanatsal görüntüleri, münzevi renklerle ifade edilir, ev eşyalarını ve ev eşyalarını tasvir eden basit formlar ve temel motifler kullanır. Resimde Kübistler, farklı bakış açılarından algıyı birleştirmeye, bir düzlemde üç boyutlu formlar oluşturmaya, geometrikleştirilmiş cisimleri parçalara ayırmaya, kaydırarak ve birbirini keserek birleştirmeye çalıştılar. Heykelde, geometrileştirme, formda, uzayda, bir düzlemde resimsel olmayan kompozisyonların ve asamblajların inşasına, örneğin, A. Laurent, R. Duchamp'ın eserlerinde, P. Picasso'nun heterojen malzemelerden yapılan heykellerinde, kaymalara yol açtı. -Villon, geometrikleştirilmiş kabartmalarda ve O. Zadkine, J. Lipschitz'in figürlerinde, içbükey karşı kabartmalar A. Archipenko.

Kübizm gelişiminde üç aşamadan geçti. Orijinalinde, 1907-1909 "Cezanne" dönemi. formların geometrikleştirilmesi, dünyanın istikrarını, nesnelliğini vurgulamayı amaçlıyordu. P. Picasso (“Üç Kadın”) veya J. Braque (“Estac”) tarafından yapılan sanat eserlerinde, tuvalin yüzeyine yoğun bir şekilde yerleştirilmiş ve bir tür kabartma oluşturan güçlü yönlü hacimler görünmektedir. Nesnenin tek tek yönlerini vurgulayan renk kombinasyonları, hacmi hem geliştirir hem de ezer. 1910-1912'nin bir sonraki "analitik" aşamasında. P. Picasso (“A. Vollard”), J. Braque (“J.S. Bach'ın onuruna”) tuvallerindeki nesneler parçalanır, birbirinden açıkça ayrılmış birçok küçük yüze ayrılır. Büyük ölçüde tanınabilir formlar bir düzlemde düzleşiyor gibi görünüyor. 1912-1914'ün son, "sentetik" aşamasında. P. Picasso'nun "Gitar ve Keman" ya da J. Braque'nin "Gitarlı Kadın" eserlerinin sanatsal görüntüleri dekoratif unsurlarla doldurulur ve tablolar rengarenk düzlemsel panolara dönüşür. Aynı zamanda, sanatçılar uçağın hacmini dokusal efektlerle tamamlar: çıkartmalar (kolaj), tozlar, tuval üzerindeki hacimsel yapılar. Kübizm, gelişiminin sonunda, gerçek uzayda kabartma malzeme konstrüksiyonları ile kompozisyonları telafi ederek, boşluk ve hacim imajını terk etmeye çalışır.

1914'e kadar görüntünün böyle bir reddi fikri, sanatsal arayışlarla sonuçlandı. soyut sanat ya da, sanatsal bir hareket olarak 1917'de post-empresyonist A. Lot'un “Soyutçuluk gerçekçidir” sözüyle şekillenen Fransızcada soyutculuk da denildiği gibi, avangard sanatın daha fazla anlam ifade etme yeteneğini ima eder. sanatçının çevredeki gerçekliğe karşı tutumunu dürüst ve doğru bir şekilde yansıtır. Örneğin, 1883'te A. Alfons, halka bir sedyeye gerilmiş saf beyaz kağıttan oluşan “Kar Altındaki Kızlar” resmini gösterdi - bu, kızların figürlerini kaplayan belirli bir beyaz kar görüntüsünü ifade etti. sanatçının bakış açısı. 1892-1893'te. A. Van de Velde, suluboya kullanarak, resimsel görüntülerin nesnelerin görünür biçiminin rastgele, önemsiz niteliklerinden soyutlanmasından oluşan soyutlamaya yönelik sanatsal düşünce eğilimlerini ifade etmeye çalıştı, yani: gerçek gerçeklikte tesadüfi aydınlatma, perspektif indirgemeleri, açılar , diğer küçük, sanatçı açısından önemsiz, sanatsal görüntünün algılanmasında önemli olmayan ayrıntılar. Açıkça ve tutarlı bir şekilde, soyutlamanın sanatsal pratiği, 1908'de W. Worringer'in soyutlama manifestosu rolünü oynayan "Soyutlama ve Empati" kitabında özetlendi.

Bir yandan sanatsal düşüncenin gelişimine yönelik analitik arayışlar ve diğer yandan sanatçının çevreleyen gerçeklikten yabancılaşma arzusu, iki ana soyutlama akımı oluşturdu: rasyonalist (Van Dusburg, R. Delaunay, F. Kupka, F. Picabia, A. . Nicholson) ve dışavurumcu (W. Kandinsky, F. Leger. X. Moore, A. Calder, G. Sutherland, N. de Stael, A. Yavlensky). Hem bunlar hem de diğerleri, doğası için olağandışı olan ifade araçlarını güzel sanatlara aktardı, sanatsal görüntüleri yoğun bir şekilde resmileştirdi, aşırı analitik olarak, nesnel gerçekliğe karşı kendi tutumlarını bir görüntü biçiminde rasyonel olarak ayrıştırmaya çalıştı. Böylece, soyutlamacılığın rasyonel akışının sanatçıları, yaratıcılığın mutlak değeri olan makrokozmosa ilişkin sezgisel kavrayışlarını basit geometrik formlarda somutlaştırırlar. Buna karşılık, soyut dışavurumcular sürekli olarak somuttan soyutlarlar.

ifade amaçlı izlenimler - kişinin içsel durumunun, kişinin duygularının ifadesi. Bu tür sanatsal görüntüler, görünür nesnel dünyayı reddeder ve nihayetinde, tasvir edilenin algılanması ve anlaşılması arasında bir bağlantı bulamayan izleyici tarafından çok az anlaşılır. Soyutlamacılığın elitizmi, sanatçıları 1920'lerden sonra mutlak yaratıcılığın sonsuzluğunun önsezisinin doğasında var olan değeri ifade etme fırsatına yönlendirdi. Süprematizm, Rayonizm ve 1950'lerde sanatsal uygulamalarla sonuçlandı. - tachisma.

sanatsal uygulama üstünlükçülük, K. Malevich tarafından icat edilen, en basit çok renkli geometrik şekillerin (dikdörtgenler, üçgenler, çizgiler) iç hareketle bir kombinasyonunu gösterir. L. Popova, O. Rozanov, I. Puni, N. Udaltsov'un asimetrik kompozisyonları, "... resim söz konusu değil, resmin modası çoktan geçti ve sanatçının kendisi geçmişin bir önyargısıdır." radyanlar M. Larionov, N. Goncharova, M. Matyushin, P. Filonov, nesneleri belirli noktalarda birleşen sabit ışınların toplamı, yani resmi karakterize eden renkli çizgiler olarak betimleyerek "nesnel olmamanın üçüncü yolunu" aradı. Savaş sonrası dönemde, kaos, düzensizlik, uyumsuzluk özrü, sanat pratiğinde nesnel olmayan sanata olan ilgiyi yeniden canlandırdı. tachisme, takipçileri G. Hoffman, A. Gorky, J. Pollock, Arp, L. Degan, M. Seifor, L. Venturi, J. Mathieu. Dış dünyanın nesnelliğinden soyutlanmış, sanatçıların faaliyetleri, örneğin J. Pollock'un tuval üzerine fırça kullanmadan damlayan boya sıçraması veya halka açık "yaratıcı oturumlar" biçiminde entelektüel eğlencenin skandal ve büyük ölçüde ticari doğasına sahipti. ", "Bouvine Savaşı" adlı tamamen arsa başlığı altında maskeli balo kıyafetleri ve müzik eşliğinde J. Mathieu.

Sanatsal yönden soyutlamacılığın farklı bir yönü gösterildi. fovizm, A. Matisse, A. Marquet, J. Rouault, P. Mondrian'a aitti. Fovizm'in sanatsal görüntüleri doğal olanı tasvir etti, ancak özel renk kontrast tekniklerinin yardımıyla, bu şekilde “saf plastisite saf gerçekliği yaratır”, yani bir düzlemde yoğun renkli sarı, kırmızı, mavi noktalar aracılığıyla, Fauvistler gerçek ve nesnel olarak somut bir duygusal gerçekliği ifade etmeye çalıştı. Dünyanın evrensel görüntüleri, örneğin birbirinden kalın siyah bir çizgiyle ayrılmış farklı renkteki dikdörtgenler, isimsiz kompozisyonlar ve ayrıca sayılar veya harflerle ifade edildi.

Böylece, modernist sanatın oldukça tutarlı bulduğu nesnel dünyadan uzaklaşma yöntemi, neomodernizm ve postmodernizm sanat pratiklerinde geliştirildi. Neomodernist sanat, gerçekliğin kasvetli bir şey olarak anlaşıldığı ve bir kişinin kaçmaya mahkum olduğu 20. yüzyılın avangard sanatsal uygulamalarının gelişmiş bir biçimidir. Birinci ve İkinci Dünya Savaşları arasındaki dönem ve savaş sonrası dönem, dünyanın baskılarına dayanamayan bir insanın karamsar ruh halini anlatıyordu. Neomodernizmin sanatsal imgeleri, avangart sanatın eylemcilik pratiğinin aktif kullanımı için bir alan olduğu ve enstalasyonlarda dünyada var olma olasılığının kişisel ifadesinin araçlarını gösteren neo-insanlık kavramını oluşturma eğilimindedir.

Bu tür ilk sanat yönetmenliği dadaizm, 1916'da Zürih'te Rumen şair T. Tzara'nın “Mr. Dadaizm, teknojenik kültürün değerlerine karşı bir protesto haline geldi, ancak içerik açısından zayıf bir şekilde resmileştirildi. Dadaizm'in sanatsal görüntüleri, bir kişiyi çevreleyen gerçekliğin saçmalığını yansıtmaya çalıştı, entelijansiyanın Birinci Dünya Savaşı'nın dehşetlerinden önce kafa karışıklığını ve o zamanlar göründüğü gibi yaklaşmakta olan kültür krizini karakterize etti. Yenilikçi resim, eylemcilik skandalları, sanatsal etkinliğin saçma dili, L. Aragon, M. Duchamp, X. Hartung'un maskeli balosu, anti-sanatı hedefleri olarak ilan etti, halkı programlı anti-estetikçilikle şok etti, burada ilkel sanatın taklidi , çocukların çizimi ve hastaların yaratıcılığı sanatsal bir pratik haline geliyor. Dadaizm çerçevesinde, sürrealizm ve tachisme'nin temeli haline gelen bilinçdışı, “otomatik yazı”, anlamsız delilik ilkesi icat edildi.

1924'te Dadaistler sanat pratiklerini gerçeküstücülük veya soyutlamacılık kavramlarıyla birleştirdiler. sürrealizm- bu, ideal bir varlığın zihinsel gerçekliği biçiminde var olan süper gerçek bir dünyayı gösterdiğini iddia eden 20. yüzyılın ortalarındaki sanatsal bir harekettir. L. Aragon, P. Eluard, A. Artaud, M. Ernst, S. Dali, insan ruhunun bilinçaltı süreçlerinin özgürleşmesini, düşüncenin komplekslerden özgürleşmesini sanatsal bir şekilde ifade etmeye çalıştı. İlkel sanatın özelliklerini, çocukların yaratıcılığını taklit eden, elle tutulur fantastik vizyonları natüralist bir şekilde yeniden üretmeye çalışan, kolaj tekniğini makine parçaları, mutfak eşyaları, gerçeküstücüler X. Arp, X. Miro, A. Masson, M. Rothko , X. Hartung, maddi dünyadan uzak bir insanı tasvir eden düşünce dünyasıdır. G. Apollinaire, A. Breton, F. Soupault, P. Valery, Yu. Mamleev, düşüncesizlik, hezeyan, rüyalar, dünyanın sezgisel kavrayışının gösterilmesi yoluyla insan davranışının etkili tarafını ifade etmeye çalışır. Meksikalı şair O. Paz, sürrealizm için sanatsal arayışı, rasyonalist kültürün kazanımlarını yeryüzünden silerek, evrensel öneme sahip değerleri yok etmeye çalışan bir kişinin yıkıcı etkinliğinin ilanı olarak tanımlar. Bize göre gerçeküstücülük, toplum açısından değerli, ancak birey açısından saçma olanı, bu haliyle süpergerçeklik biçiminde gösterir. Gerçeküstücülük, yararlı ve zararlı bir yığın olarak iyi ve kötü şeylerin bir koleksiyonunu değil, arzunun meyvesini, bir rüyanın görüntülerini, gerçekliği baltalamaya yol açabilecek genel olarak anlamlı olduğunu öne sürerek gerçeklik olarak kabul eder. Gerçeküstücülüğün sanatsal imgeleri, ahlak ve faydacılık fikirlerinden yabancılaştırılır ve bilinçaltında kök salmış koşulları göstererek, gerçeklikten kopmak için vizyonun yeniden uyarlanmasına katkıda bulunur.

Dışavurumculuk, sanatçının gerçekliği öznel yorumunu keskin bir şekilde gösteren başka bir sanatsal harekettir. DIŞAVURUMCULUK- bu, takipçilerinin insan çevresindeki dünyayı, doğaya ve insanlığa yaklaşan kıyamet felaketinden önce bir kriz fenomeni olarak gören 20. yüzyılın ortalarının sanatsal bir yönüdür. W. Van Gogh, E. Munch, dışavurumculuğun öncüleriydi. Ekspresyonistler E. Kirchner, E. Heckel, P. Klee züppece dünyanın "ilkel" özgür bir algısı için çabaladılar. F. Kafka'nın sanatsal görüntüleri, E. Toller, sanatçının kendini yüksek düzeyde ifade ettiğini, gerçekliği renk kontrastları ve yer değiştirmelerle grafiklerde öznel olarak yorumladığını gösterdi. B. Taut, E. Mendelsohn'un mimari yapılarında, gerçeğin görüntüsüne yakın, ancak birçok yönden sanatsal bir şekilde somutlaşan deneyimleri ifade eden sahte-doğal formlar yaratmaya çalıştılar.

Ayrıca, 20. yüzyılın ortası, takipçileri sanatçının bilinç akışını ifade etmeye çalışan iki sanatsal hareketle karakterize edildi. Yani, neo-soyutlamacılar(veya minimalistler) renkli gerçeklikten kopmanın sanatsal özgürlüğünü ve edebi bilinç akışı yönü- kelimede. Önemli olanın eserin kendisi değil, yaratılış süreci olduğu bu tür resim ve edebiyatın sanatsal imgeleri, bireyin dünyadan kopuşunun, gerçekliği "unutarak" psikolojik tutumlarını ifade eder. Böyle bir sanat eserinin kahramanının manevi dünyası, çevredeki gerçekliğin gerçekliği ile açık bir şekilde temas etmez. Psikolojik bilinç akışının tekniği ve ilkeleri, J. Joyce, W. Wolfe, W. Faulkner, M. Proust, N. Sarrott, A. Robbe-Grillet, M.'nin eserlerinin kahramanının iç monolog yaşamını gösterir. Ama Veya.

20. yüzyılın ortalarında biraz farklı bir şekilde sanatsal yön gelişir. varoluşçuluk aynı adı taşıyan felsefi okulda kök salmıştır. Edebi eserlerin sanatsal görüntüleri J.-P. Sartre, A. Camus, S. de Beauvoir, insanın varoluşu, bu dünyadaki yeri ve rolü hakkında felsefi kavramlar inşa eder. Özü dolaysız varoluşlarına getiren, gündelik yaşamı özgür anlamlarla dolduran varoluşçuluk yapıtlarının kahramanları, insan varoluşunun temelleri saçma olduğundan ve insan ölümlü olduğundan, eylemleri için insan sorumluluğunun gerçekleştirildiğini gösterirler. Tiyatro sanatında varoluşçuluk, genellikle halkla ilişkiler açısından temelden değersizleştirilmiş, yalnız bir aktör figürünün monologunda ifade edilir. Ve yalnızca gerçekten insan nitelikleri, bir insanın bir insanlık temsilcisi olarak değerini ifade eder. İnsan özgürlüğünün ve sorumluluğunun sanatsal imgeleri, oyuncuların birbirlerini "geçmiş" olarak konuştukları teatral performansların absürt içeriğini doyurur.

Ayrıca neomodernizm çerçevesinde sanatsal bir yön ortaya çıktı. yapılandırmacılık, birleştirici sanatçılar (örneğin, Rusça, I. Selvinsky, B. Agapov, V. Inber, N. Aduev, E. Bagritsky, I. Ehrenburg, E. Gabrilovich, K. Zelinsky, V. Lugovsky, D. Tumanny, A Chicherin), özellikle mimarlık ve tasarım alanında tasarım süreçleriyle ilgileniyor. Mimarlık alanında deneysel malzemeleri ve yenilikçi teknolojileri kullanan ilk mimar, Industrial City projesinin yazarı T. Garnier'dir. 1918'de Le Corbusier takma adıyla tanınan E. Jeanneret, A. Ozanfant ile birlikte bir yapılandırmacılık manifestosu yayınladı. Daha sonra, P. Behrens, 20. yüzyıl için, yüklere dayanma kabiliyetine dayanarak, betonarme gibi yeni bir malzemeyi kasıtlı olarak kullanmaya başladı. Betonarme kullanan mimari kompozisyonların etkileyici sanatsal görüntüleri, havada asılıymış gibi serbest hacim kombinasyonlarından oluşuyordu. Bu tür mimarinin izleyicileri için, formun içinde gizlenen güçlerin eylemi söylenmeden ve belirsiz kaldı. Konstrüktivist resim, insan figürlerini boru, uçak ve metal yapıların bir kombinasyonu şeklinde tasvir eder.

Rusya'da konstrüktivizmin sanatsal imgeleri hem siyasallaşma hem de saf bir gelecek vizyonuyla doluydu. Uçuşlar için oluşturulan projeler uçmadı, insan düşüncesinin olanaklarının bir göstergesi olarak müze alanına yerleştirildi. Ev, yaşamak için bir makine, sandalye ise oturmak için bir araç olarak sunuldu. Genellikle yaratılan projeler, tüm parlaklıkları için, bir kural olarak, malzemede gerçekleştirilemez, işlevsel değildi. Konstrüktivist komünal evler ifadesizdir, yaşamak için rahatsız edicidir: dikdörtgen kutulardan, hücrelerden ve bloklardan oluşurlar, zorunlu geometri kullanırlar, görsel vurgulardan yoksundurlar - bu tür yaşam alanlarının sanatsal görüntüleri sıkıcı ve çirkindir. Bu tür evler, aynı anda hem doğadan hem de insan faaliyetinden yabancılaşmış görünüyor, örneğin, Yekaterinburg'daki Vostochnaya Caddesi veya Lunacharsky Caddesi ile kesişme noktasında Lenin Caddesi boyunca bir dizi ev veya Moskova'da Kızıl Meydan'da V. Lenin'in 1924 tarihli Mozolesi tasarlanmış. A. Shchusev tarafından. Sanat pratiğini desteklemek için, yapılandırmacılar mimari projelerde renkli grafikler kullandılar, yani: posterler, fotomontajlar. Daha sonra, yapılandırmacılık fikirleri sanatsal yön tarafından alındı ​​​​ve geliştirildi. işlevselcilik, kullanım kolaylığı ve toplu tüketimin sanat formunun somutlaşması için ana ilkeler haline geldiği yerlerde.

Avangard sanatın gelişimindeki mevcut aşamaya postmodernizm denir ve 70'lere kadar uzanır. 20. yüzyıl Şimdiye kadar. Postmodernizm sanatı, herhangi bir sanatsal yön bununla bağlantılı olduğu için sadece zamanın sosyo-kültürel gelenekleriyle yakından bağlantılı değildir, aynı zamanda sosyo-ekonomik sistemdeki ilişkilerle bir bağlantı ile karakterize edilir. Neomodern sanattan farklı olarak, postmodernizm, sanatçının dünyadan kendini soyutlamasına yeni ve genellikle çok heterojen sanatsal etkinlik normları getirir. Aynı zamanda postmodernizm, insanların günlük tercihlerine, kitle bilincinin ruh haline odaklanır. Dolayısıyla postmodern sanat eklektiktir, gelenek ve yeniliği alışılmadık şekillerde birleştirir, sanatsal görüntüleri ironi ve grotesk ile ifade eden bir teatral ortam yaratmaya çalışır. Canlı bir şekilde postmodern sanat, mimaride, müzikte, görsel ve etkileyici tasarım araçlarında ifade edildi. Bugün, parlak renkli sütunları, pasajları olan, yeni malzemelerin sunulduğu, anotlanmış alüminyum, paslanmaz çelik, neon tüpler içeren kamu binaları olmadan hayatımızı hayal edemiyoruz. Bizi diğer kitlelerden ayıran ve dünya görüşümüzü ifade eden ev eşyalarına sahip olmak, aynı zamanda marka adının önemini gösterme arzusuyla birlikte almak istiyoruz. Radyo ve televizyon yayınlarından eğlence ve yenilik talep ediyoruz, modern hayatı hem dıştan hem de içten sıkıcı hale getiriyoruz. Böyle bir nesne-doğal sanatsal yaşam algısı, postmodern sanatın özlemlerini ayıran şeydir.

Postmodern sanatın öncüsü Pop sanat - 50-60'ların sanatsal yönü. XX yüzyıl, neomodernist sanatın seçkin değerlerine karşıtlık olarak çevreleyen dünyanın biçimlerinin nesnelliğini kullanıyor. Sıradan vatandaşı çevreleyen hayati gerçeklik, tasvir edilmiş bir gerçeklik haline gelir. Pop art, sanatsal imgelerini popüler, kamusal sanat olarak ilan ederken, yalnızca tüketim uğruna tüketimin reddedildiğini ilan eder. E. Warhol, R. Lichtenstein, belirli bir kişi için seri üretim değerlerinin önemini ortaya çıkarmaya çalışır. Sanatçılar, kelimenin tam anlamıyla modern kentsel yaşamın tipik nesnelerini, örneğin ev eşyaları, malların ambalajlanması, tek sanat eserlerinde yeniden üreterek, ortalama bir kişinin seçkin ve ulaşılmaz değil, günlük yaşam için değerli bir şey için arzusunun önemini ifade eder - bir öğle yemeğinde hamburger. Pop art'ın sanatsal yöntemleri, PR teknolojilerini kullanarak medya, televizyon, sinema, fotoğraf, çizgi roman diline geniş ölçüde nüfuz etmiştir. Sovyetler Birliği'nde, pop art'ın sanatsal pratiği, sosyalist gerçekliği eleştiren hicivsel bir biçimde Sots Art'ın sanat eserlerinde bir devam buldu.

Postmodern sanatta önemli bir eğilim, olay, 60'larda ortaya çıktı. tachisme sanat pratikleri çerçevesinde hareket etmiş ve 70'li yıllarda bağımsız bir fenomen haline gelmiştir. 20. yüzyıl Olayların sanatsal görüntüleri, çoğunlukla sanatçının ve izleyicinin eşzamanlı ve kendiliğinden katılımı için hesaplanan bir "sanatsal olay" veya "sanatsal süreç" in yaratıcı eyleminin gerçekleştirilmesinde ifade edilir. Tiyatro, müzik, resim, olayların unsurlarını keyfi olarak birleştirmek, insan etkinliğinin kendisinin yaratıcı bileşenine odaklanan, açıkça geliştirilmiş bir eylem programına dayanmaz. Örneğin, seyirci sahnede bir çocuğun oyun oynamasını izleyebilir ve performans ancak, yeterince oynadıktan sonra, kimse tarafından kontrol edilmeyen çocuk sahneden ayrıldığında sona erer. Bir kişinin mikro performans çerçevesindeki herhangi bir eylemi, örneğin bir piyanistin piyano çalmaya hazırlanma arzusu, çömelme sırasında avuçlarını tuşların üzerine atma veya elbisesinin kuyruğunu düzeltme arzusu gibi sanatsal bir nitelik kazanabilir. piyanonun önündeki taburede. Daha sonra, 80'lerde. XX yüzyılda, yaşananlar yeniden doğuyor verim, yaratıcı eylemleri yönetmek için bir yöntem ve “solo” bir sanatçının performansı fikri ile hala oldukça net program boşlukları kullanıyor. Sanatsal performans pratiği genellikle, örneğin popüler sanat tarzında veya insanların vücutlarından veya hareketli figürlerinden oluşan canlı kompozisyonlarda sahne kullanır. Bu uygulama, örneğin popüler stand-up şovu "Komedi Kulübü" nde televizyon ve radyoda aktif olarak kullanılmaktadır.

Postmodern sanatta müzik alanındaki yenilikler, öncüleri deneyler olan elektronik müzik ile ilişkilidir. sonoristik, Genel olarak tüm elektronik müziğin karakteristik özelliği olan tını tonları alanında deneyler kullanarak, aleatorik, müzik ve edebi okumayı birleştirmek ve rap veya RnB gibi resitatifleri kullanarak modern pop müziği önceden haber vermek ve noktacılık, tonlamalı görüntülerde duraklamalarla denemeler yapmak ve çeşitli varyasyonlarında minimal stilin gelişimini kışkırtmak.

Postmodern sanatın ilkelerini aktif olarak göstermek sanat yönüdür. kavramsalcılık, kendi içinde oldukça koşullu ve heterojendir. 60'larda doğdu. 20. yüzyılda, bu sanatsal yön, şu anda çeşitli sanatçıların sanat etkinliklerinde gerçekleştiriliyor ve geleneksel sanatın kanonlarının ikincisi tarafından tamamen reddedildiğini gösteriyor. Kavramsalcılığın temel sanatsal imgesi, malzemede cisimleşmeyen bir fikir olarak kavramdır. Spekülatif kavramlar, bir görüntüde değil, bir eser şeklinde verilen bir şey veya fenomen olarak sunulan nesne hakkında düşünme algısına dahil edilmesini gerektirir. Felsefe, dilbilim, estetik, matematik yöntemlerini birleştiren kavramsalcılar R. Bury, D. Graham, S. Le Witt, izleyicinin dikkatine, fikrin metin, fotoğraf, ansiklopedilerden alıntılar, çizimler şeklinde bir belgesel eşliğinde sunar. Sanatsal bir şekilde temsil edilen fenomeni yalnızca zihinsel olarak bağlamanın gerekli olduğu. Bu nedenle, böyle bir sanatsal yönün ana ayırt edici özelliği eylemciliktir - izleyicinin dikkatine tahmin edilmesi gerekeni sunan bir eylem.

Sanat eserlerini sergilerken eylemciliği aktif olarak kullanan bir başka sanatsal yön, kendini yok eden sanat Sanatsal doğruluğu temsil eden, eksik sanatsal görüntüleri sanatsal bir şekilde somutlaştırma eylemidir. Bu orkestrasız bir orkestra şefinin performansı, bunlar dakikalar içinde kaybolan boyayla boyanmış tablolar, bu çizgisiz bir kitap. Kendi bakış açısını empoze etmek istemeyen sanatçı, sanatsal görüntünün kendisini değil, sanat eserinin algısında aldatmamak, yanıltmamak isteyen sessizliği gösterir.

Ayrıca, eylemciliğin teknik ve taktiklerini kullanan sanatsal bir yön, çevre sanatı, sanatsal imgeleri, zamanımızın çevre sorunlarıyla bağlantılı canlı ve cansız madde ilişkisini etkin bir şekilde ifade etmeye çalışır. Örneğin, çevresel sanat enstalasyonlarındaki bilgisayar teknolojileri, ruhanileştirilmiş bir biçimde, kelimenin tam anlamıyla hareketli fiziksellik biçiminde sunulur. Sanat Yönetimi kinetik sanat, eylemciliği kullanarak, mekanik olanı bir kişi için canlı ve önemli olarak sunmaya çalışır. Sanat Yönetimi arazi sanatı Sanatsal bir bileşenin, yapay olarak işlenmiş biçimde yaşayan doğal gerçekliğe girişini temsil eder. Sanat Yönetimi op sanat süsleme ve kompozisyon parçalarının hareket yanılsamasını yaratan optik teknikleri kullanır.

Sanatçılar ayrıca gerçekliği şaşırtmak ve cansızı tinselleştirmekle suçlanıyor. hiperrealizm. Bu tür görüntüleri fotoğrafa çevirme uygulamasına fotogerçekçilik denir. Sanatçının kişisel el yazısını en aza indiren tekniklerin, saydamlara dayalı bir hazırlık çizimi şeklinde, bir airbrush ile uygulanan sıvı boyaların - resimde kullanılmasından oluşur; veya deri, saç taklit eden yapay malzemeler şeklinde - heykelde. Hiperrealizmin sanatsal görüntüleri, doğal formları taklit ederek yaşamın somutluğunu geri yükler. Birçok yönden, hiperrealizm, bu avangard sanatsal yönü mimetik sanatın gerçekçi eğilimlerinden temelde ayıran meçhul, fenomenlerin mekanik sabitlenmesi ile karakterize edilir.

2000'lerin sonundan beri 21'inci yüzyıl avangard sanatın gelişiminde henüz bir isim almayan ve geçici olarak otopostmodernizm olarak adlandırılan yeni bir aşama oluşuyor. Bu yeni aşamanın değerleri hala elitist ve modern bir insanın hayatına girmiyor. Bu nedenle, diğer şeylerin yanı sıra Rusya Federasyonu vatandaşının yaşamını etkileyen avangardın kitlesel değerlerini ayrıntılı olarak inceledik. Mesleki faaliyetleri sırasında doğrudan insanlarla çalışan bir polis memuru, vatandaşların dünya görüşünün büyük ölçüde çağdaş sanat uygulamaları temelinde oluştuğunu ve bu da ona bir toplumun değerlerini gerçekten ve tam olarak korumasına izin verdiğini dikkate almalıdır. evrensel doğa.

Böylece, iç yasalarına göre gelişen avangard sanat, Rusya Federasyonu'nun ve bir bütün olarak tüm Avrupa medeniyetinin modern gelişimi koşullarında gelişen modern sosyo-kültürel durumun karmaşık ve gizli mekanizmalarını göstermektedir. Bir insanın hayatı, sanat eserlerini algılayışına, hobilerine yansır. Kendini katı kurallar çerçevesinden kurtaran modern sanat, iç dünya ve dış bileşenin tutarsızlığının tüm açılarından modern bir insanı bize gösterir. Bir polis memurunun, bir kişinin eylemlerinde, çağdaş sanattan algılanan normlar nedeniyle eyleminin nedenlerini görme yeteneği, önleyici çalışma yapma ve bazı yasadışı eylemleri bastırma olanaklarını genişletir.

Çocuğun sanatsal algısının gelişim aşamaları (güzel sanatlar ve edebiyat derslerinde)

Modern psikologların araştırmalarına göre, sanatsal gelişimi de dahil olmak üzere bir çocuğun gelişimi doğrusal olarak ilerlemez, belirli aşamaları, adımları vardır. Adımların değişimi, her şeyden önce, “içsel deneyimin yeniden yapılandırılması”, çocuğun çevreye karşı tutumundaki bir değişiklik, yani çocuğun davranışlarını yönlendiren ihtiyaç ve güdülerindeki bir değişiklik tarafından belirlenir. Çocuğun kademeli, aşamalı gelişimi fikirleri L.S. Vygotsky, A.N. Leontiev, L.A. Wenger, L.S. Rubinstein, K.L. Khomenko, D.B. Elkonin, zihinsel eylemlerin kademeli bir oluşum süreci olarak düşünme alanında; AV Bakushinsky, V.A. Levin, B.M. Nemensky, B.P. Yusov, çocuğun estetik ve sanatsal gelişimi alanında.

V.A.'nın ilk edebiyat eğitimi kavramında konuşlandırılan bir çocuğun sanatsal gelişiminin “mezuniyeti” fikirlerini ele alalım. Levin. Konseptine göre, sanatsal gelişimin içeriği, çocuğun okul öncesi çocuğun karakteristik sanat oyunundan sanatla iletişime geçiş hareketidir. Bu hareketin dört adımı vardır.

V.A. kavramında çocuğun sanatsal gelişim aşamaları. Levin.

* İlk aşama: oyun yaratıcılığına dahil olma ve bir çocuk grubunda iletişim.

“İlk aşamada çocuk eserle, onun yapısıyla ve sanatsal formun unsurlarıyla oynar: ritim, müzik ve şiirdeki armoniler;

müzikte melodi ve şiirde melodi; resimde perspektif ve renk skalası; müzikte tempo ve ses ölçeği; kompozisyon, mecazlar, karakter görüntüleri vb.

Öğretmen çocuğu oyunun üretken tarafına değil, prosedürel yönüne yönlendirir: “Düzgün, ilginç ve eğlenceli düşün!” Değil, “Düşün!” .

*İkinci aşama: Oyunun malzemesi olarak sanat formunun unsurlarına hakim olmak. İkinci aşamada öğretmen, öğrencinin oyunun kurallarına uymasını amaçlar: “Uyumlu olmak için oluştur”, yani bu aşamada “oyunun kuralları” daha kesinleşir ve oyuncuların bu kurallara uymasını gerektirir. daha karmaşık sanat araçları. “Eğitici ve sanatsal oyunlarda, çocuklar kendileri için sanatsal bir formun unsurlarını keşfederler, sanatsal araçlar, oynaması ilginç bir şey olarak, ancak öğretilmesi gereken bir şey değil ve yazarın duygularını ifade ettiği bir şey değil.”

Bu aşamada çocuk iki keşif yapar. İkinci aşamada oyunun aracı olarak işlev gören sanatsal araçların iletişim olanaklarını açar. Kendi içinde, diğer insanları, ruh hallerini, dünyaya ve kendilerine dair vizyonlarını etkileyebilen bir yazar keşfeder. "Böylece, sanat formuna, bugün gelişmiş sanatsal etkinlikte - özel bir iletişim aracı olarak - sanat yoluyla iletişimde kullanıldığı kapasitede hakim olur."

*Dördüncü adım: “Sanata karşı iletişimsel ve değerlendirici bir tutumun oluşumu. Bu aşamada, sanatsal ve iletişimsel konum, çocukların kendi yaratıcılığından ustaların eserlerine aktarılır.

Güzel sanatlar pedagojisinde adımlar. Bir çocuğun güzel sanatlar alanında adım adım sanatsal gelişimi fikri, B.M. Nemensky ve B.P. Yusova

Değişen adımların sırası B.M. Nemensky, çocuğun bilinç seviyesini genel sanatsal fikirler seviyesinden dünya sanat kültürünü bağımsız olarak tanımak için bilinçli bilgi kullanımı seviyesine değiştirerek. Bu adımlar, bireyin bilincindeki küresel değişiklikleri düzeltir, ancak çocuğun gelişimini daha ayrıntılı, ancak daha az önemli olmayan artışlarla yansıtmaz.

B.P. konseptinde. Yusova - çocukların gelişim aşamaları görsel aktivite oluşturulan görüntünün içeriğine göre belirlenir. İlk aşama.

Çizime karşı etkili tutum dönemi. İkincisi, çizimin nesne ilişkisi dönemi (çizim için gerçek bir nesne niteliklerine sahip olması için daha katı bir gereklilik vardır) ve üçüncüsü sanatsal uygulama dönemidir (fikir, estetik değerlendirme, anlamın açıklanması). belirli kompozisyon araçlarıyla tasvir edilen lider bir rol alır). Resmin figüratifliğinden dışavurumculuğuna doğru işaretlenmiş hareket, görüntünün içeriğindeki değişiklikleri ortaya çıkarmaz.

V.A.'nın fikirlerinin devamı ve gelişimi. Levin'in görsel etkinlik alanında sanatla oynamaktan sanatla iletişim kurmaya giden bir hareket olarak bir çocuğun “kademeli” sanatsal gelişimi hakkında, yazarın görsel etkinlik sürecinde çocuğun sanatsal gelişimi kavramını düşünebiliriz.

Bu kavramın bir takım özellikleri vardır.

* İlk özellik. Çocuğun sanatsal algısının gelişim aşamalarındaki değişim, çocuk tarafından yeni algı kodlarına hakim olma süreci olarak ortaya çıkar. Algı kodu, bu durumda, gerçek veya sanatsal gerçekliği deşifre etmenin bir yolu olarak, algılananı kavramada bir ayar olarak anlaşılır.

İlk olarak, çocuk yapısal-işlevsel algı koduna hakim olur. Görsel aktivitesinde, nesnelerin ve parçalarının yapı kalıplarını ve işlevsel koşulluluğunu çizimde anlama ve belirleme yeteneği ortaya çıkar ve geliştirilir. Daha sonra çocuk, yapısal-mekansal algı koduna hakim olur. Çocuğun fiziksel alandaki yönelimini geliştirmesine ve bireysel nesnelerin ilişkisini kavramasına izin veren kişidir. Ve son olarak, çocuk çağrışımsal-ritmik algı kodunda ustalaşır. Bu kod, gerçeklikte ve sanat eserlerinde, farklı nesneler ve fenomenler, dünyanın ritmik hizalanması ve onun keşfettiği ritmik düzene karşı kendi duygusal tepkiniz arasındaki çağrışımsal bir bağlantıyı fark etmenizi sağlar. Bu koda hakim olmak, çocuğun sanatsal gelişimi için son derece önemlidir. Sonuçta, bir sanat eserinin yapısını düzene sokmanın en önemli yolu ritimdir ve M.Yu'nun tanımına göre. Lotman, metnin yapısına giren algı kodudur.

Bu algı kuralına hakim olmak, önceki ikisinden farklı olarak, bir kültür taşıyıcısı olarak bir yetişkinin aktif pedagojik etkisini gerektirir.

* İkinci özellik. Adımların değişimi, çocuğun algılama sürecinin anlama düzeyine göre belirlenir. Anlama düzeyleri, çocuğun kendisiyle, eserin yazarıyla, kültürle diyalog kurabilmesi olarak tanımlanmaktadır. Ve tam da bu sırayla.

* Üçüncü özellik. Bir çocuğun sanatsal gelişiminin aşamaları, bir çocuğun çiziminin gelişim kalıplarına göre belirlenir.

Psikologların eserlerinde çocuk çiziminin doğal gelişim süreci, sanatsal materyallerin manipülasyonundan, gerçek dünyanın belirli aktivite biçimlerinin izlerini tahmin etmeye kadar bir hareket olarak tanımlanır. (L.S. Vygotsky, A.V. Bakushinsky, R. Arnheim, V.S. Mukhina ve diğerleri).

Çocuğun görsel aktivitesinin gelişim çizgisine, sanatsal malzemelerin manipülasyonundan çocuğun bağımsız olarak geçtiği görüntülerin yaratılmasına, sanatsal formun ritmik yapısının manipülasyonundan onun keşfine kadar olan hareket çizgisine devam ettik. ifade olanakları. Ve dahası - sanat dilinin bir iletişim aracı olarak, sanat eserlerinin algılanması için bir kod olarak keşfine.

* Dördüncü özellik. Bir çocuğun sanatsal algısının gelişim aşamaları, yalnızca çocuğun kendi sanatsal ve pratik etkinliği temelinde yaptığı keşiflerle belirlenir.

Ustaların eserlerinin algısı, çocuğun gelişiminin her aşamasında derslere dahil edilir. Ancak çocuk, kendi eserlerinde henüz deneyimlemediği ve keşfetmediği şeyleri eserlerde görmek zorunda değildir. Bu yaklaşım, aktivite teorisinde geliştirilen fikirlere ve her şeyden önce, üretken faaliyetlerin çocuğun gelişimi için belirleyici önemi fikrine dayanmaktadır. Sanat pedagojisinde, bu ifade, yalnızca kişinin kendi sanatsal pratiğinin (kişinin kendi imajı, kişinin kendi yeniden anlatımı ...) bir çocuğun durumun koşulluluğunu fark etmesine, bir “dışarı çıkmasına” izin verebileceği anlayışına yol açar. -bulma” pozisyonu (Bakhtin'in tanımladığı gibi), yazar-seyirci olmak için.

Bu konum, aynı zamanda, olgun bir sanatsal algının özelliklerine adanmış psikologların ve sanatçıların çalışmalarının sonuçlarıyla da örtüşmektedir. Bu çalışmalara göre, sanatsal algının bütünlük, yapı, sabitlik gibi özellikleri, tam olarak pratik sanatsal etkinlik temelinde oluşturulur ve geliştirilir.

Toplamda üç adım var.

Aşama I manipülatif - görsel (1-5 yıl). Bu aşamada, görsel algının yapısal-işlevsel kodunun gelişimi gerçekleşir. Manipülatif aktivite sürecinde, sanatsal araçların ve malzemelerin görsel olanakları açılır.

Aşama II görsel ve etkileyicidir (6-9 yaş). Bu aşamada, görsel algının çağrışımsal-ritmik kodu gelişir. Plastik form unsurlarının ritmik organizasyonu ile oynama sürecinde, sanat dilinin unsurlarının ifade olanakları açılır, diyalog I - Ben farklıyım, diyalog yürütme yeteneği I - Yazar öğretmenle ortak etkinliklerde ortaya çıkar.

Aşama III sanatsal ve iletişimsel (10-14 yaş). Bu aşamada, görsel algının çağrışımsal-ritmik kodu gelişir. Yaratıcılık sürecinde, kişinin kendi iletişimsel tasarımına ve sanat yapıtlarının yapısıyla ilgili deneylerine dayanarak, sanatın dili, bir algı düzenleme ilkesi, bir algı kodu olarak ortaya çıkar; Ben Yazarım, Yazar Kültürüm, Ben Kültürüm diyalogları hakimdir. Her aşama, yaşa göre değil, kişiliğin psikolojik kazanımları tarafından belirlenen çocuğun algısının belirli bir gelişim düzeyine karşılık gelir (bu özellik, bu modeli yetişkin algısının gelişimine uygulanabilir kılar) ve estetik türünü karakterize eder. algı bu düzeyde doğar.

Aşama I, duygusal olarak doğrudan veya saf-gerçekçi algı tipine karşılık gelir.

Gerçeği ve sanat eserlerini deneyimlemenin duygusallığı,

Bu deneyimin yakınlığı

Nesneleri ve olayları tasvir etme aracı olarak sanatsal malzeme ve araçlara karşı tutum.

Aşama II, algının sanat-oyun tipine karşılık gelir.

Bu algı türü aşağıdakilerle karakterize edilir:

Sanatsal malzeme ve araçlara, temsil aracı olarak malzeme ve oyun araçlarına karşı tutum, bunun sonucu, sanatsal araç ve tekniklerin ifade özelliklerinin keşfidir.

Aşama III, sanatsal ve iletişimsel algıya karşılık gelir. Şunlarla karakterize edilir:

Deneyimin duygusallığı

Kişinin kendi dünya imajını yaratma aracı ve sanatsal iletişim aracı olarak sanat diline yönelik tutum.

Sunulan adımlar, çocuğun sanat dilinde oyundan iletişime kadar gelişimindeki stratejik yönü yansıtmaktadır. Bununla birlikte, her aşamada, daha karmaşık yörüngede bir çocuğun gelişim sürecini ortaya çıkaran aşamalar (adımlar) vardır. Bu aşamalar, çocuğun sanatsal materyalleri ve araçları kullanmasının yanı sıra sanatsal etkinlik sürecinde yapılan keşifler tarafından belirlenir. Çocuğun sanatsal algısının gelişim aşamaları böylece aşağıdaki formu kazanır.

Bir çocuğun sanatsal algısının gelişimindeki her aşama (adım), V.A. Levin.

1. Çocuğun hassas yaşı.

2. Bir aşamanın edinimini belirleyen pedagojik görevler.

3. Bu aşamadaki sorunları çözmenin pedagojik araçları.

4. Bu aşamada öğretmenin çocuğun eylemlerini sanat malzemesiyle değerlendirdiği ölçütler ve bu aşamada oluşturulan çocuğun etkinliklerini kendi değerlendirme ölçütleri.

5. Bu aşamada oluşturulan çocuğun öz değerlendirme kriterleri.

6. Öğretmenin aşamanın geçtiğini belirleyebileceği işaretler ve bir sonrakine geçme zamanı, yani pedagojik görevleri değiştirme, yeni pedagojik araçlara geçme, çocuğun eylemlerini değerlendirme kriterlerini değiştirme.

Çocuğun sanatsal algısının gelişiminde, okul öncesi ve ilkokul çağına karşılık gelen üçüncü, dördüncü, beşinci ve altıncı adımları düşünün.

II aşaması. Üçüncü adım.

Sanat formu öğelerinin ritmik organizasyonu ile oynamak

(1) Hassas yaş 6-9 yaş.

(2) Pedagojik görevler:

* Okul öncesi çocuklarda sanatsal araçlara sahip olma konusunda pratik becerilerin gelişimi: ritim, renk, ölçek, çizgi, nokta, vuruş.

* Oyunun materyali ve kuralları (koşulları) olarak sanatsal araçların çocuk tarafından ustalaşması.

* Çocuğun hazır bulunuşluğunun oluşumu ve sanatsal materyallerle eylemlerini oyunun koşullarına, kurallarına uygun veya karşılıksız olarak değerlendirme yeteneği.

* Soyut formun özel resimsel olanaklarının açılması.

* Çocuğun ritmik olarak organize edilmiş bir formun dışavurumunun duygusal olarak doğrudan deneyimi için koşulların yaratılması. Çocuk, deneyimleri somutlaştırma olasılığının henüz farkında değil, ama şimdiden tahmin ediyor.

(3) Pedagojik araçlar:

* Görevler - soyut bir formun ritmik yapısına sahip oyunlar olan "egzersizler". Görevler, çocuk tarafından kasıtsız olarak bir ifade biçimi yaratması için koşullar yaratacak şekilde tasarlanmıştır. Bu oyunların kuralları, sanatsal araçların seçimini sınırlar, oluşturulan soyut görüntülerin ritmik organizasyonunu belirler.

Aynı zamanda kurallar oldukça esnektir ve bu nedenle çocuğun kendiliğinden ifade etmesine, inisiyatif almasına yer bırakır. Çocuğun izlediği kurallar bu durumda sadece görevin mantığına değil, aynı zamanda çocuğun kendi duygusal deneyimlerine, kendi estetik tercihlerine de tabidir.

* Egzersizlerin ruh haline mümkün olduğunca yakın olan müziğe yönelik egzersizlerin tefekkür edilmesi.

* Oyun "Neye benziyor?" egzersiz yapmayı düşünürken Coşkuyla görüntüler yaratan çocuk, yaratılan eserlerin analizine ilgi göstermez. Tüm ilgisi eylemin kendisine, bu eylem sürecindeki doğrudan deneyime odaklanmıştır. Oyun "Neye benziyor?" işlerin algılanmasında bu işlemi yapacak ilginç çocuk. Oyun eyleminin içinde, görüntü için yeni olanaklar ve onu anlamanın yeni yollarını açacak.

* Çocuğun imajını sunduğu kalıpların (kuralların) varlığı. Bu kurallar, çocuğun görevi tamamlama sürecinde kendi vizyonuna sahip olması nedeniyle görevden sapmış olması veya görevin bitmesi nedeniyle öğretmeni anlamamış olması nedeniyle öğretmen tarafından belirlenen kurallarla örtüşmeyebilir. çocuğun başa çıkmaya hazır olduğu seviyeden daha zor olabilir. Ana şey ritmik yapıdaki kalıpların çizimde okunması ve deneyim ve idrak konusu olabilmesidir.

* Kendi çalışmalarına, diğer çocukların ve sanatçıların çalışmalarına duygusal tepkiler. Oyunu destekleme ve yönetme isteği.

* Çevredeki dünyadaki nesnelerdeki ve fenomenlerdeki ritmik kalıpları fark etme yeteneği.

işin kurallarını yerine getirme ve işi algılarken kendisi ve başkaları için beklenmedik karşılaştırmalar (çağrışımlar) bulma yeteneği.

* Çocuğun resim oluştururken kurallara uyma becerisi.

* Etkileyici kompozisyonların kasıtsız yaratılması.

* "Alıştırmalar" algısında çağrışımsal serilerin zenginliği.

II aşaması. Dördüncü adım.

Ritmik olarak yapılandırılmış bir forma dayalı görüntüler oluşturma.

(1) Hassas yaş aynıdır: 6-9 yaş.

(2) Pedagojik görevler:

* Çocuklar tarafından formun ritmik yapısının ifade olanaklarının keşfi.

* İmgenin içeriği olarak deneyimin keşfi ve kişinin fenomene karşı kendi tutumu.

* Ben farklıyım diyaloğunu açma

* Etkileyici görüntüler yaratmak için sanatsal araçlara (ritim, renk, ölçek, çizgi, nokta, vuruş) hakim olma pratik becerilerinin geliştirilmesi.

(3) Pedagojik araçlar:

* Kompozisyon oluşturmak için görevler.

Alıştırmalarda doğan soyut formlar, içlerinde tahmin edilen görüntüleri özgürce yorumlamayı mümkün kıldığı için, içlerinde çocuklar, her biri kendi yolunda, soyut formun açık olanaklarını bilinçli olarak kullanıyorlar. Böylece çocuk, öncelikle kopyalamak değil, alanı modellemek için fırsat elde eder. Kompozisyonların teması (arsa) ve fikri alıştırmalarla önceden belirlenir (önerilir). Fikrin gerçekleşmesi için sanatsal araçlar da alıştırmalarla verilir. Bununla birlikte, çocuk, görüntünün hem araçlarını hem de temasını seçme konusunda tam bir özgürlük hissine sahiptir, çünkü öncelikle olası seçenekleri seçmekte özgürdür. İkincisi ve en önemlisi, seçimi, formun algılanmasının neden olduğu doğrudan deneyimlerin samimiyeti ve yeni bir keşfin sevinci tarafından önceden belirlenir. Ritmik olarak organize edilmiş bir formun olasılıklarının kavranmasının önce bilinçsiz süreçler düzeyinde gerçekleştiğini de eklemek gerekir. Çocuk, ilk başta sanatsal araçları yeni görsel olanaklar olarak kullanır, yalnızca öngörüde bulunur, ancak deneyimlerin kaynağını fark etmez. Ancak çocuğa açıklama yapılmasına gerek yoktur. Üstelik çok zararlıdır. Daha sonraki görevler (bestelerden müziğe tefekkür ve bestelerden izlenimlerin sözlü ifadesi) sürecinde her şeyi kendine açıklarsa farkındalık oluşacaktır.

* Ruh hallerine mümkün olduğunca yakın olan bestelerin müziğe yansıması.

* Eserlerinin tefekkürinden izlenimlerin doğrudan sözlü ifadesi.

Çocuklar doğrudan değerlendirmeleri için her birini, en çok sevdikleri çalışmayı seçerler ve mutlaka kendilerine ait değildir. Öğretmenin çocuğa hayran olması, sözlerini herkes tarafından duyulması önemlidir. Aynı zamanda çocukların dikkatini sadece tasvir edilen olay örgüsünün anlaşılmasını değil, aynı zamanda kendi olay örgüsü deneyimlerini, olaya karşı tutumlarını, deneyimin tutarsızlığını yansıtan ifadelere odaklar. Ortak bir tema, sanatsal araçların seçimindeki sınırlamalar ve aynı zamanda - çocukların sözlü ifadelerde nesneleştirdiği farklı duyumlar, deneyimler, durumlar, ruh halleri, ilişkiler, sanatsal gelişimleri için belirleyici olan bir keşif için koşullar yaratır: bir deneyim kaynağı olarak formun yapısının keşfi, dil sanatının ifade olanaklarının keşfi. Bu keşif bir anda olmayacak, ancak bu adımların tekrarlanmasının, üçüncü aşamadan dördüncü aşamaya çoklu yükselişlerin bir sonucu olarak. Ancak sonuç olarak, bu çocuğun kendi keşfi olacak ve bir patlamaya yol açacaktır: hazır, yabancı, önceden bilinen çözümlerin sınırlarını aşarak kendi yapılarını üretme yeteneği.

* Ustaların eserlerinin ortak algılanması, tema veya sanatsal tekniklerin çocukların mevcut eserleriyle örtüşmesi.

Çalışmasını profesyonel çalışma ile ilişkilendiren çocuk, sanat yapıtlarının ritmik yapısını keşfeder, sanatsal araçlar ve kullanımları için yeni olanaklar açar, bu da kendi deneylerini daha fazla teşvik eder.

(4) Öğretmenin bu aşamada çocuğun eylemlerini sanat malzemesiyle değerlendirdiği kriterler:

* Kompozisyonların ifade gücü. (İlk başta kasıtsız. Ne zaman

formun yapısıyla deney yapmak için tekrarlanan başvuru - öngörünün sonucu olur, plana göre çalışır).

* Ritmik yapının karmaşıklığı.

* Renk tonlarının zenginliği.

* Çocuğun forma ilişkin deneyimini sözlü olarak dile getirme yeteneği.

* Çevredeki dünyanın nesnelerinde ve fenomenlerinde ve sanat eserlerinin yapısında ritmik kalıpları fark etme yeteneği.

(5) Bu aşamada oluşturulan çocuğun öz değerlendirme kriterleri:

çocuk, görüntülerin yeni içeriğini anlama ve değerlendirme yeteneğini keşfeder (içlerinde somutlaşan deneyimler)

(6) Bir sonraki aşamaya hazır olma kriterleri:

* Kişinin deneyimlerini analiz etme yeteneği (bir diyalog yürütme yeteneği Ben - Ben farklıyım).

* Daha fazla ifade elde etmek için öğretmenin görevinin çocuk tarafından bilinçli değişimi (diyaloğa hazır olma Ben Yazarım).

* Kendi eserlerini ve ustaların eserlerini algılarken deneyimlerinin ve biçiminin korelasyonunu sözlü olarak ifade etme yeteneği.

III adım. Beşinci adım.

Kendi iletişimsel niyetinize dayalı yaratıcılık

(1) Hassas yaş: 10-14 yaşında.

(2) Pedagojik görevler:

* Sanat dilinin keşfi, ritmik yapısı, algının organizasyonu ilkesi olarak. (Yazarın kendi içinde keşfi).

* Sanatın dilini bir algı kodu olarak açmak (Ben Yazarım diyaloğuna hakim olmak)

(3) Pedagojik araçlar:

* Formun ritmik organizasyonu ile deney yapın ("Alıştırmalar")

* Konunun "paradoks", "gizem", "gizem" olarak ortak anlaşılması.

Bu derslerin amacı, fenomeni deneyimlemek ve hem çocukların kendi aralarında hem de kültürde fenomene karşı tutarsızlığı ve çelişkili tutumu keşfetmek; "niyet-deneyim", "niyet-ilişki" olarak kompozisyon fikrini kavrar.

*Fikri somutlaştırma biçimi için seçeneklerin tartışılması, seçeneklerin zihinsel yapısı. Tartışmanın amacı, ideal bir etki görüntüsü (iletişimsel bir planın temeli) yaratmaktır.

*Kendi iletişim planınıza göre kompozisyonlar oluşturma.

Onlarda çocuklar, sanat dilinin keşfettikleri anlatım olanaklarını bilinçli olarak kullanmakta ve bu olasılıkları deneyimlemektedir. Önceki aşamanın kompozisyonlarında, çocuğun niyeti ya resimseldi ya da zaten iletişimseldi, ancak yetişkinin niyetinin bir modifikasyonu temelinde doğdu. Öğretmen hem çocukların duygusal ruh hallerini (fikri deneyimleme) hem de bu fikrin uygulanması için gerekli olan sanatsal araçların çocuklar tarafından keşfedilmesinin koşullarını yaratır. Doğru, çocuklar duygusal deneyimlerin ciddiyeti nedeniyle bu fikri içtenlikle algılarlar. Ve bu, özü birlikte yaratma, ortak yazarlık olan öğretmen ve çocuğun ortak çalışması için gerekli bir koşuldur.

Öğrenmenin her aşamasında, yaratıcı süreç tamamlanmış bir eylemdir. Bu süreçte çocuğun henüz sahip olmadığı işlevler öğretmen tarafından gerçekleştirilir ve öğrendikçe yavaş yavaş çocuğa aktarılır. Üçüncü aşamanın kompozisyonlarında çocuk, fenomenle özel bir ilişki olarak niyetinin zaten farkındadır ve önemli olan kendi deneyimi, daha önce sahip olduğu veya var olduğu ilişki ile ilişkisi arasındaki tutarsızlığın farkındadır. kültürde. Öğretmenin, çocuğun kendi deneyimlerinin ayrıcalıklı olduğu hissini desteklemesi önemlidir. İfade araçlarının aranması ve iyileştirilmesi artık çocuk için sadece bir oyun ya da deney değil, aynı zamanda gerçekten sanatsal bir yaratım haline gelecektir.

Bu aşamada oyun atmosferini korumak, sanat dilinin sınırsız olanaklarını ortaya çıkarmak ve çocukların yaratıcı arayışlarını formu deneyimleme ve kendi deneyimlerine dayalı yeni yollar arama alanına yönlendirmek için egzersizlere ihtiyaç vardır. bilineni tekrarlama mantığı.

* Ruh hallerine uygun bestelerin müziğe yansıması.

*Kendi çalışmalarının analizi.

Çocuk zaten bu süreçle ilgileniyor, deneyimlerini sözlü olarak ifade edebiliyor ve bunların farkında.

Yetişkinlerin büyük ve karmaşık dünyasına küçük bir adam geldi. Parlak, neşeli, çok sesli ve çok renkli bir dünyada, çocukların şiirin, resmin ve müziğin güzelliğini bulmalarına ve onlara aşık olmalarına yardımcı olmalıyız. Sanat, çocuğun iyiye katılmasına, kötüyü kınamasına yardımcı olur. Sanat hayatı yansıtır, ona karşı tutumunu ifade eder. Ancak hayatın kendisi - bir kişinin hayatı ve işi, doğası ve nesnel dünyası - tüm bunlar aynı zamanda çocuğun estetik deneyimlerini besleyen bir kaynaktır.

Parlak, göze çarpan, görsel, çekici, her şeyden önce çocuklar tarafından güzel olarak algılanır. Onunla tanışmak çocuğu memnun eder. Yaşamda ve sanatta ustalaşır, renk, çizgiler, sesler, hareketin ritmi, simetri ve asimetri, yavaş yavaş geliştikçe önünde güzel formlar ve özellikler olarak ortaya çıkar.

Çocuklara doğanın seslerini ve seslerini dinlemeleri, güzelliklerine yakından bakmaları öğretilirse, gerçeklik fenomenlerinin zenginliği ortaya çıkar.

Doğa, çocuğun önünde en parlak renklerde belirir, yavaş yavaş değişen görüntüler, fenomenler, resimler. Bütün bunlar çocuğun dikkatini çeker, yaşla birlikte amaçlı gözlemleri daha karmaşık ve çeşitlenir.

Sonuç olarak, çocuklar sadece doğanın güzelliği hakkında değil, aynı zamanda ona iş uygulandığında nasıl değiştiği hakkında da izlenimler edinirler.

Çocukların kendileri "doğanın dönüşümünde" uygulanabilir bir rol alabilirler. İç mekan bitkileri için bitkilere, çiçeklere, boya vazolarına bakabilirler. kendinle dersler doğal malzemeçocuklara inisiyatiflerini gösterme fırsatı verin: çakıl taşları, koniler, kardan heykeller, buketler yaparlar, kuma çizerler, vb.

Çocuğu günlük yaşamda çevreleyen çizgilerin, şekillerin ve renklerin güzelliği, onları kıyafetlerde, bir sanat oyuncağında, mobilyalarda - bizim dediğimiz şeyde konu ortamı. Günlük yaşamın estetiği, ailenin (ve anaokulunun) tüm yaşam biçimidir.

Evinizin rahatlığına ve uygunluğuna çok dikkat edilmelidir. İyi düşünülmüş ve güzel bir çevre, çocukta sadece hayran olma isteği değil, aynı zamanda tüm bu güzel çevreye uygun davranma isteği uyandırır.

Çocuğun estetik eğitimi ile yakından bağlantılı bir davranış kültürü üzerinde çalışılır: çocuk yetişkinlerle ve akranlarıyla iletişim becerileri, yemek masasında hareket etme ve aletleri dikkatli kullanma becerisi geliştirir. Çocuğa ayrıca görünüşlerini izleme ihtiyacı da getirildi - saç modeli, takım elbise, ayakkabılar, ellerin temizliği, yüz. Bütün bunlar vaka bazında değil, sistematik ve günlük olarak işlenir.

Ancak sadece nesneler dünyasına, doğal fenomenlere değil, çocuklarda estetik bir tutum uyandırabilir. İnsan ilişkileri dünyasında da ortaya çıkabilir. Hayatı dönüştüren ve güzelleştiren emek, çocukların da sürekli ilgisini çekmekte, yaşama katılma, oyunlarda sergileme isteği uyandırmaktadır. Yaratılan nesnelerin çekici görünümü ve emek sürecinin kendisi çocuğa neşe getirir.

Evlerin inşası, köprüler, parklar, şehir ve köylerin çevre düzenlemesi, sokak dekorasyonu - tüm bunlar bir çocuğun neşe duygusunu yükseltmek için değerli bir malzemedir. Güzelin hayattaki ilk izlenimleri bu şekilde atılır.

Ve son olarak sanat, estetik eğitimin özellikle güçlü ve vazgeçilmez bir aracıdır. Çocuğu heyecanlandıran ve sevindiren, etrafındaki her şeye dikkatle bakmasını, daha dikkatli, daha parlak ve hayattaki güzelliğe daha eksiksiz yanıt vermesini sağlar.

Çocuğun algısı, deneyimi, sanatsal zevki

Herhangi bir sanatsal fenomen, onu algılayandan uygun bir "duyusal hazırlık", yani. algı süreçlerinin belirli bir gelişme seviyesi. Psikologlar ve öğretmenler, sanatsal algıların duyusal temelinin rolüne dikkat çekiyor. Onlara göre elin, gözün, işitmenin "arama hareketleri" ne kadar aktif olursa, çocuğun nesnel dünyayı, renklerini, şekillerini, seslerini daha dolu, daha yoğun algılar.

Şarkı söylemeyi, müzik aleti çalmayı öğrenirken müzikal-duyusal yeteneklerin gelişimi, çocukların sesleri dinlemesine yardımcı olur. Bir yetişkin, çocuğun dikkatini müzikal seslerin çeşitli özelliklerine ve bunların kombinasyonlarına çeker ve onları belirli uzamsal temsillerle (daha yüksek - daha düşük, daha uzun - daha kısa) birleştirir. Aynı zamanda, müzikal seslerin ifade edici anlamı her zaman vurgulanır.

Çocuklar çizmeyi öğrenme sürecinde, bir nesnenin genel görünümünden bir formu ayırmanın, özelliklerini belirlemenin yollarını öğrenirler; en uygun geometrik şekille karşılaştırın, cismin oranları ve konumları değiştiğinde değiştirin. Bütün bunlar, nesnenin daha doğru bir tasvirine, çocukta sanatsal bir görüntünün ortaya çıkmasına, yaratıcı hayal gücünün gelişmesine yol açar, çünkü çocuk, içinde ortaya çıkan fikrin etkisi altında çok değişmek zorundadır.

Genel olarak gelişim, en basit seslerin algılanmasından güzel müzik kombinasyonlarının daha aktif farkındalığına, renklerden ve şekillerden renklerin nüanslarına, çeşitli formlara kadar gider. Duyusal eğitim, çocuğun zihinsel ve estetik eğitiminin ayrılmaz bir parçasıdır. Sonuç olarak, estetik algıdaki duyusal temelin önemi, hem sesler, renkler, biçimler için çabalayan çocuğun yaş özellikleri hem de güzelin bir içerik birliği olarak hareket ettiği estetik fenomenlerin doğası tarafından belirlenir. biçim.

Duyusal yeteneklerin gelişimi, sanatsal bir görüntü algısının gelişiminin temelidir. Bu daha karmaşık bir süreçtir. Sanatın içeriğinin, yaşamın en karakteristik, tipik fenomenlerinin sanatsal imgelerindeki yansıması olarak anlaşıldığı bilinmektedir. Her sanat türünün, her zaman bir kompleks içinde hareket eden kendi araç cephaneliği vardır. Bu nedenle sanatsal algının bütünlüğünü vurgulamak çok önemlidir. Bir ninniyi dinlerken, bir çocuğun genel sakin lirik ruh halini algıladığını varsayalım, yaşam çağrışımları var. Ancak şimdi, bir kez daha dinledikten sonra, çocuk zaten hem yavaş bir tempo hem de sessiz bir ses ve etkileyici tonlamaları izole edebiliyor. Dolayısıyla bütünsel bir algı, bireysel ifade araçlarının bir miktar farklılaşmasını da ima eder. Ve bu çocuğa öğretilebilir ve öğretilmelidir.

Dolayısıyla sanatsal algı duyusal temelle sınırlı değildir. Sanatsal bir görüntünün algılanması, çocuğun birçok yetenek göstermesini gerektirir: hayal gücü, görsel temsiller, sanat eseri kahramanlarının sevincini ve üzüntüsünü yaşama yeteneği.

Burada estetik deneyim, estetik duygu gibi karmaşık bir fenomene geliyoruz.

Okul öncesi çağındaki bir çocukta estetik bir duygunun varlığından bahsetmek mümkün müdür? Ne kadar erken ortaya çıkar, içeriği ve işaretleri nelerdir, ahlaki deneyimlere yakınlığı nedir ve onlardan nasıl farklıdır?

Gündelik nesneler ve doğal olaylar, esas olarak, çocuğun algılayabildiği ve hafızasında görsel temsiller şeklinde saklanan fiziksel nitelikleri açısından değerlendirilir. Oyuncakların parlak renklendirilmesi, tuhaf: kelebeklerin kanatlarındaki çizgiler ve alışılmadık bir renk kombinasyonu, kuşların yüksek sesle zikredilmesi, akvaryumdaki akvaryum balıklarının yumuşak hareketleri - tüm bunlar çocuğu orantılarla, renklerle, çizgilerle büyüler. Bu nitelikler dış biçime ve görünüme atfedilebilir ve güzel fenomenler olarak kabul edilir.

Bir duruma dikkat edilmelidir. Çocuklar, erken çocukluktan itibaren parlak ve parlak şeylere çekilir. Ancak bu, gelecekte tüm parlak, akılda kalıcı, muhteşem nesnelerin güzel olarak adlandırılması gerektiği gerçeğine yol açmamalıdır. Bu, gerçekten sanatsal bir tat oluşumuna yol açmayacaktır. Çocuğun yaş tezahürlerini dikkate almalıyız, ancak aynı zamanda zevkinin gelişimini doğru yönde gerçekleştirmeliyiz.

Bir kişinin eylemlerinin uyandırdığı estetik duygu, iş ve yaşamla, tüm yaşamla ilişkisi, daha yüksek bir kavrama - en yüksek ahlaki ideal olarak güzele - yaklaşır. Kuşkusuz bu daha karmaşık, daha derin bir duygudur. Çocukta en genel, belirsiz, farklılaşmamış biçimiyle ortaya çıkar. Bir çocuk harika bir davranışa, harika bir eyleme çok sıcak bir şekilde cevap verebilir, tüm ruhuyla ona ulaşabilir. Ancak tüm bunlar, belki derin ama bilinçsiz izler bırakacaktır.

Çocuğun ruhsal yaşamının incelikli organizasyonu olan özel etkilenebilirliği bilerek, onu parlak ve neşeli deneyimlerle çevrelemeye çalışıyoruz. Ancak çirkin olgular da çocukta estetik duygu uyandırabilir. Sonuçta, örneğin Karabas Barabas'ın imajından açıkça etkileniyor. Hiç şüphe yok ki, A. Tolstoy tarafından çok renkli bir şekilde yaratılan bu "korkunç" görüntüde, karaktere ve yazarın kendisine karşı olumsuz bir tutum açıkça görülüyor ("ona bir bakışta dehşetle donabilirsiniz"). Bu, çocukların iğrenme, öfke hissetmelerine neden olur.

Çocuklara yönelik eserlerde çirkinin tasvirinde, yazarın uyarısı her zaman net bir şekilde duyulmalıdır: "Bunu yapma!" Bu, çocuğun olumsuz fenomen hakkında yargıda bulunmasına yardımcı olur. Bunu en azından V. Mayakovsky'nin "İyi ve kötü olan nedir" şiiri gibi bir örnekten görmek kolaydır:

Eğer sefil bir dövüşçü yenerse

zayıf çocuk

bunu istemiyorum

Hatta kitap haline getirin.

Sonuç olarak, estetik duyu, yaşamdaki ve sanattaki kutupsal tezahürlere - güzel ve çirkin, yüce ve komik - duygusal bir tutum içerir. Bu, sanatın aktif, dönüştürücü rolünü, çocuğun düşünceleri ve ruhu üzerindeki etkisini açıkça vurgular.

Estetik ve ahlaki arasındaki ilişki bazen yanlış anlaşılmaktadır.

Bir durumda, estetik deneyimde ahlaki yönü hafife alınır ve her şey dış tezahürlere iner - güzellik, estetizm. Bu bakış açısıyla, tüm pedagojik süreçte görünüm, görgü ve mobilyalarla ilgili her şey vurgulanır. Bununla birlikte, tüm bunların önemini silmek şöyle dursun, kendimizi bununla sınırlayamayız.

Başka bir durumda, estetikte, ahlaki ilkesi vurgulanır, aşırı didaktizm ortaya çıkar ve güzelin (sanat dahil) çocuğun ahlaki karakteri üzerindeki özel etkisinin gücü hafife alınır.

Bunlar, çocukların doğru estetik deneyimlere sahip olmalarını engelleyen iki uç noktadır. Ahlaki ve estetiği uyumlu hale getirmek önemlidir.

Dolayısıyla hayatta ve sanatta güzel olanla tanışmak çocuklarda estetik bir duygu uyandırır. Bu duygu asla anlamsız ve boş olamaz. Duyguları etkileyen ve çağrıştıran güzel, çocukta düşünceler doğurur, ilgi alanları oluşturur. Estetik algı sürecinde çocuk ilk genellemelerini yapar. Karşılaştırmaları ve çağrışımları var. Resmin, müziğin ne anlattığını bulma arzusu, çocukların renklere ve çizgilere yakından bakmasını, müziğin ve şiirin sesini dinlemesini sağlar. Yavaş yavaş, çocuk aktif işitsel dikkat ve görsel gözlem geliştirir. Doğa, günlük yaşam da çocuğa çeşitli gözlemler için bir neden verir.

Çeşitli kombinasyonlarda sesleri, şiirde kafiyeyi, resimlerde çizgileri, renkleri ve şekilleri yavaş yavaş algılayan, doğanın güzelliğinden çeşitli duyumları emen çocuk, sanatsal ifade araçlarının eserin içeriğine olan bağımlılığını yakalamayı öğrenir. Örneğin, neşeli, dans eden bir melodinin çoğunlukla hızlı bir tempoya, yüksek sese, ateşli ritme karşılık geldiğini; masalda güzel, etkileyici kelimeler olduğunu ve aynı konuşmanın birkaç kez tekrarlandığını ("... ve topuz daha da yuvarlandı"); yoğun bir orman görüntüsünü taşıyan bir resimde koyu renklerin baskın olduğu vb.

Çocuklar, çevreleyen gerçeklik ile onu yansıtan sanat arasındaki belirli bir bağlantıyı fark etmeye başlar. Onlar için bu zaten bir keşif, neşeli ve sıradışı. Bir şarkıyı, bir peri masalını dinledikten, bir resme baktıktan sonra, çocuklar benzer olayların kendilerine olduğunu, hayatta aynı şeyi gördüklerini veya duyduklarını canlı bir şekilde hatırlıyorlar.

Görsel sanatlar, müzik, peri masalları ve şiirlerin yanı sıra çocuğu çevreleyen doğal fenomenler, bir yetişkin çocuğu bunu yapmaya teşvik ederse, çeşitli ve ilginç ifadeler uyandırır.

Çocuklar ayrıca müzikal, şiirsel eserlerdeki ifade araçlarını ve resimde, heykelde, sanat oyuncağında temsil araçlarını not eder. Çocuklar şarkının, resmin içeriğine ilgi duyma eğilimindedir ve kısaca özetleyebilirler. Çocuklar bir şarkının performansının kalitesini, çizimlerini, akranlarının etkileyici okumasını takdir edebilirler: Ama her şeyden önce, en canlı, göze çarpan işaretleri kavrarlar.

Doğaları gereği, çocukların değerlendirmeleri dağınık, biraz yüzeysel, ancak çok duygusal, sınırsız, dürtüseldir. "Estetik özellikler" çocuklarda erken ortaya çıkar, ancak küçük okul öncesi çocuklar neredeyse her zaman doğada belirleyicidirler ("güzel bir elbisem var"), bazen seçici bir tutum ortaya çıkar ("Daha fazla" - bazı peri masallarını, şarkıları tekrarlamalarını isterler). Sonunda okul öncesi yaş motivasyonlar, karşılaştırmalar ortaya çıkar, çocuklar bağımsız olarak bir dizi işareti listeleyebilir, mecazi ifadeler kullanabilir.

Duyusal algı, duygular, kelimelerin etkileşimi sayesinde çocuğun estetik deneyimi zenginleşir ve çok yönlü hale gelir. Sanatsal zevk doğuyor

Herhangi bir sanatsal yaratıcılığın temeli, sanatsal algıdır. Bir kişinin sanatsal kültür dünyasına girmesini sağlar, kendi dünya görüşünüze göre yeni sanat eserleri yaratmanıza izin verir. Bilimsel literatürde sanatsal algı, ruhsal olarak anlamlı ve sanat yoluyla ifade edilen dünyanın duygusal olarak renkli bir görüntüsünün bireyin zihninde oluşması olarak tanımlanmaktadır.

Sanatsal algının gelişimi okul öncesi çağda gerçekleştirilmeye başlayabilir. Okul öncesi yaş grubundaki çocuklar için "Çocukluk" programının "Sanatsal ve estetik gelişimi" eğitim alanında, halk ve profesyonel sanat eserlerine ilgiyi yoğunlaştırma ihtiyacı gibi görünen sanatsal algı geliştirme görevi formüle edilmiştir. güzel sanatların dışavurum araçlarının bazılarının gelişimini desteklemek için çeşitli tür ve türlerdeki sanat eserlerini algılama deneyimini oluşturmak; sanatsal algı geliştirmek, sanat eserlerini ve çevrelerindeki dünyadaki nesneleri tutarlı bir şekilde dikkatlice inceleme yeteneği; gördüklerinizi kendi deneyimlerinizle karşılaştırın; dünyanın nesnelerinin ve fenomenlerinin mecazi temsillerini oluşturmak ve bunlara dayanarak, basit nesneleri ve fenomenleri kendi faaliyetlerinde tasvir etme yeteneğini geliştirmek. En başarılı sanat anlayışı güzel sanatlar alanında gelişmektedir.

Ek olarak, araştırmalara göre, sanatsal algının gelişimi, kişinin kendi yaratıcılığının deneyimine dayanarak gerçekleşir ve görüntülerin yaratılması, okul öncesi bir çocuğun mümkün olduğunca aktif olduğu yaratıcılık türüdür. Bu nedenle, okul öncesi yaş, sanatsal algının gelişimi için en uygun olanıdır. Çocuğun sanatsal algılama yeteneğinin gelişimi, N.V. Frost, A.A. Melik-Paşaev, T.N. Tomina, T.V. Kalinina ve diğerleri Çocuğun doğrudan algısının duygusallığını koruma ve geliştirme ihtiyacı özellikle not edildi.

Ancak, çocukları güzel sanat eserleriyle tanıştırırken, öğretmenler resmin içerik bileşenine daha fazla dikkat ederken, sanatçının kullandığı ifade araçları her zaman bir algı nesnesi haline gelmez. Bu nedenle, güzel sanat eserlerine aşina olma sürecinde orta okul öncesi çağındaki çocuklarda sanatsal algının gelişimi için pedagojik koşulların araştırılmasına özel önem verilmektedir.

Şu anda, sanat kültürünün taşıyıcısı olarak öğretmenin rolünde bir artış var. Bu sorun, N.I. Smakovskaya. Yazar, öğretmenin sanatsal ve estetik eğitim ve öğretimi uygulamaya hazır olmasını, okul öncesi çocukların sanatsal algısının gelişmesinde en önemli koşul olarak görmektedir. Öğretmenler, okul öncesi çocukları güzel sanat eserleriyle tanıştırmanın önemini ve gerekliliğini, çocukları sanat eserleriyle tanıştırmak için metodolojide ustalaşma becerisini anlamalı ve öğrencilerin sanatsal ve estetik gelişim sorunlarını çözmek için uygun koşullar sağlamalıdır. Aynı zamanda, eğitim alanlarının entegrasyonu ile zenginleştirilmiş eğitim alanında sanatsal ve estetik bir ortamın düzenlenmesi gibi pedagojik bir duruma özel önem verilmektedir. Sonuç olarak, çocukların sanatsal algılarının geliştirilmesine yönelik çalışmalar, mini galerilerin düzenlenmesi ile sanatsal bir ortam yaratılmasıyla başlamalıdır.

Mini galeriler sadece ünlü sanatçıların eserlerine adanamaz. Grupta, çocukların çizim oluşturmadaki kendi çabalarının değerini, başkaları için önemini hissetmelerini sağlayacak ve daha fazla yaratıcılık için bir teşvik görevi görecek bir okul öncesi yaratıcılık galerisi düzenlenebilir. Anaokulunun grup odasında, ünlü sanatçıların portrelerinin, sanat ansiklopedilerinin, güzel sanatlarla ilgili kitapların, resimlerin reprodüksiyonlarının, çocukların ücretsiz olarak erişebileceği bir yer belirlenmelidir. İçeriğini periyodik olarak güncellemeniz önerilir. Örneğin, grubun mevsimsellik ilkesini veya tematik planlamasını takip edebilirsiniz. Reprodüksiyonları seçerken, okul öncesi çocukların çevrelerindeki dünyanın çeşitli nesnelerinin ve fenomenlerinin çeşitli görüntülerini görmelerini sağlayacak bir resim oluştururken sanatçılar tarafından kullanılan farklı tekniklere dikkat etmek gerekir. Ayrıca, günlük olarak hava durumunu gözlemlerken, sanatçıların reprodüksiyonlarında benzer havanın bir yansımasını bulmayı teklif edin.

Çoğu yöntem ve program, sanat dilinin ifade gücünde ustalaşma ihtiyacını vurgular. Bu nedenle, çocukların görsel aktivitelerini organize etme sürecinde, güzel sanatlar dilinin ifade olanaklarına dikkat etmek gerekir: çizgi seçenekleri (düz, dalgalı, kırık); renk seçenekleri (sıcak - soğuk, açık - koyu); ritim özellikleri (renkler, çizgiler, noktalar, vuruşlar); tarama özellikleri (“düz”, “radyal”); şekil, kütle, renk bakımından farklı bir noktanın özellikleri;

Çocukları sanat malzemeleriyle çalışma teknikleriyle tanıştırmak da önemlidir: renkli kalemler ve mum boya kalemleri (kalem (tema kalem) ve vuruş yönü üzerindeki basınçta bir değişiklikle tarama); guaj ("germe", fırça darbesi çalışması); suluboya ("germe", "ham"). Güzel sanatların bir dili olarak renge hakim olmanın olumlu bir sonucu, boyalarla deney yapmaktır (çocukları boyaları karıştırarak bağımsız olarak yeni bir renk veya gölge elde etmeye davet edin).

Bir öğretmen tarafından doğrudan eğitim faaliyetleri düzenlenirken, güzel sanatların bireysel unsurlarının kademeli olarak ustalaşması ilkesini dikkate almak gerekir. Çocukların sanat yapıtlarını algılama sürecinde, yapıtın ana içeriği olarak kendi deneyimlerinin farkındalığını artırmak gerekir (örneğin, sanat yapıtlarını tanıma sürecinde çocuklar zihinsel olarak sanata davet edilebilirler). resmin planına katılımcı olun). Öğretmenin, örneğiyle, çocuklarda "duygusal enfeksiyon" etkisine neden olacak ve çocukların algısının aktivasyonuna katkıda bulunacak algılanan resme duygusal bir tutum göstermesi önemlidir. Çocukların resimde tasvir edilen karakterlerin değerlendirilmesine getirilmesi tavsiye edilir. Sorunlu nitelikteki sorularla konuşmayı etkili bir şekilde kullanın. Sorular, çocukların tasvir edilen karakterlerin gerçek yüzünü, davranışlarının nedenlerini anlamalarını sağlayacaktır. Bağımsız görsel aktivite koşullarında, çocukların güzel sanatlar dilini öğrenmelerine yardımcı olmak önemlidir. Bu amaçla, boyalarla deneyler düzenlemek mümkündür: yeni renk tonları elde etmek, karışık renkler vb. Çocukların sanatsal algılarının gelişimi, “Kim kimdir?”, “Bir manzara düşünün” oyun alıştırmaları geliştirilerek de kolaylaştırılacaktır. ”, “Bir palet al”, “Kimin konturu nerede” vb. Çocuklar onlar için heyecan verici bir şekilde daha önce edindikleri bilgileri pekiştirebilecekler.

Bu nedenle, güzel sanat eserlerine aşina olma sürecinde orta okul öncesi çağındaki çocuklarda sanatsal algının gelişimindeki başarı, aşağıdaki pedagojik koşulların uygulanmasıyla sağlanabilir:

Okul öncesi öğretmenlerinin okul öncesi çocuklar arasında sanatsal algı geliştirmeye hazır oluşları;

Okul öncesi dönemde estetik gelişim ortamının sağlanması Eğitim kurumu ve ailede;

Doğrudan eğitim faaliyetlerinin deney ve çocukların bağımsız yaratıcılığı ile ilişkisi.

Bibliyografya.

1. Çocukluk: Okul öncesi eğitim için örnek bir eğitim programı [Metin] / T.I. Babaeva [i dr.]. - St. Petersburg: Detstvo-Press, 2014. - 352 s.

2. Kalinina T.V. Güzel sanatlar dilinin unsurlarının birleşimine dayalı olarak 6-7 yaş arası çocukların sanatsal algısının geliştirilmesi için pedagojik teknoloji / T.V. Kalinina [Elektronik kaynak]. – Erişim modu: http://nauka‐pedagogika.com

3. Melik-Paşayev A.A. Her çocuğun içindeki sanatçı. Sanat eğitiminin amaç ve yöntemleri [Metin] / A.A. Melik Paşayev. – M.: Aydınlanma, 2008. – 175 s.

4. Moroz N.V. Bireyin sanatsal kültürünün oluşumunun temeli olarak sanat algısı / N.V. Frost [Elektronik kaynak] / Erişim modu: http://academicon.ru

5. Smakovskaya N.I. Sanatın etkileşimi koşullarında pedagojik kolej öğrencileri arasında sanatsal algının gelişimi / R.I. Smakovskaya [Elektronik kaynak] - Erişim modu: http://nauka‐pedagogika.com

6. Tomina T.N. Okul öncesi çağındaki çocuklarda resim çalışmalarıyla tanıştıklarında sanatsal algının gelişimi / T.N. Tomina [Elektronik kaynak] - Erişim modu: http://festival.1september.ru