ยุคสมัยใหม่เป็นช่วงเวลาที่ยากที่สุดในการพัฒนาศิลปะ ในอีกด้านหนึ่งมันก่อให้เกิดงานศิลปะอย่างเป็นทางการโดยขอโทษที่ส่งเสริมค่านิยมของอุดมการณ์ของรัฐในทางกลับกันมันกระตุ้นให้เกิดการค้นหาบางสิ่งที่นอกเหนือไปจากภาพศิลปะที่เป็นที่ยอมรับอย่างเข้มงวด ในยุคของยุคกลาง ศิลปะได้ยอมจำนนต่อศาสนาอย่างนอบน้อม ในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาศิลปะพยายามที่จะออกจากการปกครองของคริสตจักรโดยยอมจำนนต่อความจงใจของมนุษย์

วัฒนธรรมใหม่ของยุโรปได้แสดงให้เห็นถึงการพึ่งพาอาศัยกันของมนุษย์ในชีวิตประจำวัน ความเชื่อที่ไร้ขอบเขตในความมีเหตุผลของมนุษย์ถูกแทนที่ด้วยความคิดเรื่องความไร้เดียงสาในความฝันของมนุษย์ ความสัมพันธ์ในโลกแห่งความเป็นจริงไม่ได้นำมาซึ่งความพอใจ และบุคคลเริ่มพยายามสร้างภาพลวงตาเพื่อสร้างโลกที่ไม่จริงภายใต้กรอบของศิลปะ หากแนวโรแมนติกเป็นกระแสศิลปะในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 และพยายามพรรณนาโลกอีกใบโดยเชื่อว่ามันมีอยู่จริงในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ธรรมชาติลวงตาของงานศิลปะได้รับการยอมรับอย่างชัดเจนและต่อมาในศตวรรษที่ 20 ศิลปินพยายามอย่างมีสติเพื่อสร้างโลกที่เป็นนามธรรมอย่างแท้จริงของความเที่ยงธรรมของศิลปะรู้สึกมีอิสระอย่างเต็มที่ในการสร้างความเป็นจริงทางศิลปะของผลงานของพวกเขา เสรีภาพดังกล่าวจากหลักการของศิลปะการล้อเลียนเป็นลักษณะเฉพาะของศิลปะแนวหน้า ซึ่งจงใจปฏิเสธประเพณีทางประวัติศาสตร์และความต่อเนื่องในการพัฒนาศิลปะการล้อเลียน

เปรี้ยวจี๊ด- นี่คือชื่อทั่วไปของขบวนการศิลปะเชิงทดลองในศตวรรษที่ 20-21 โดยมีเป้าหมายในการสร้างงานศิลปะใหม่ทั้งหมดที่ไม่เกี่ยวข้องกับของเก่า ซึ่งมีพื้นฐานมาจากการแสดงออกของ "บริสุทธิ์" "สัมบูรณ์" โดยไม่ลอกเลียนแบบโลกภายนอก เฉพาะเจาะจง ลักษณะทิศทางของศิลปะแนวหน้าคือ ประการแรก ตำนานพิเศษซึ่งแสดงออกในการสร้างรัศมีพิเศษของความลึกลับ ความลึกลับรอบ ๆ งานศิลปะ ซึ่งมักจะอ้างว่าเข้าใจโดยชนชั้นสูงเท่านั้น ประการที่สอง การทำให้สมบูรณ์ของการกระทำของความคิดสร้างสรรค์เอง ซึ่งไม่ได้หมายความถึงการสร้างงานศิลปะทางวัตถุ "ความพอเพียง" ของกระบวนการทางศิลปะโดยปราศจากประสิทธิผลของศูนย์รวมทางวัตถุในความเป็นจริงของขอบเขตของการสร้างสรรค์นั้น งานซึ่งศิลปินแนวหน้าถือว่าเป็นเพียงงานเดียวที่แท้จริงในฐานะทรงกลมของการออกแบบ ประการที่สามการให้เหตุผลของบุคคลด้วยความคิดสร้างสรรค์การเป็นอิสระจากเนื้อหาเพื่อรูปแบบโดยที่สิ่งสำคัญไม่ใช่สิ่งที่ปรากฎ แต่ทำอย่างไรซึ่งอันที่จริงแล้วเป็นลักษณะความหมายทางจิตวิญญาณของศิลปะ ประการที่สี่ การใช้วิธีการทางเทคนิคของภาพตัดปะ เสมือนจริง ฯลฯ ในสถานการณ์ที่แยกออกจากศิลปะอุปมาอุปไมยซึ่งเกี่ยวข้องกับการอุทธรณ์ไปยังวัสดุที่ไม่ใช่แบบดั้งเดิมเพื่ออธิบายความแตกต่างระหว่างความหมายทางจิตวิญญาณของความเป็นจริงของศิลปะและชีวิต ความไร้เหตุผลของการดำรงอยู่ของโลก ประการที่ห้า ลัทธินิยมการกระทำเป็นความปรารถนาที่จะแสดงปรากฏการณ์ที่แตกต่างกันภายในกรอบของการติดตั้ง เช่น การแสดงที่มีสีสันซึ่งออกแบบมาเพื่อแนะนำแนวคิดหนึ่งหรืออีกแนวคิดหนึ่งให้เกิดขึ้นในใจของผู้ชม และประการที่หก ด้านการค้า ซึ่งกล่าวในเชิงปฏิบัติว่าเมื่อรับรู้สิ่งที่น่าตกใจ ผู้ชมจะต้องจ่ายสำหรับเอฟเฟกต์ที่น่าตกใจที่เกิดขึ้นกับตัวเขาด้วยกลอุบายอื้อฉาวที่ส่งผลกระทบต่อจิตใจของผู้ชมอย่างแข็งขันและรุนแรง ซึ่งในทางกลับกันก็พร้อมที่จะ จ่ายทันที

ด้วยประวัติศาสตร์อันยาวนาน ศิลปะแนวหน้าไม่สามารถสร้างวิธีการแบบองค์รวมในการสร้างสรรค์ผลงานศิลปะได้ ฉีกแนวประเพณีของศิลปะการล้อเลียนอย่างสิ้นเชิง แทนที่จะพยายามสร้างความต่อเนื่องในการใช้วิธีแสดงภาพและการแสดงออก เทคนิคการสร้างสรรค์ของศิลปะแนวหน้าถูกกำหนดโดยค่านิยมพื้นฐานของวัฒนธรรมสมัยใหม่: พหุนิยมซึ่งอ้างว่าแสดงออกแตกต่างจากสิ่งอื่นใด อัตวิสัยของการคิดเชิงศิลปะซึ่งกำหนดความคิดริเริ่มของความคิดสร้างสรรค์ และประชาธิปไตยซึ่งกำหนด ขอบเขตของการแสดงออกอย่างเสรี เสรีภาพในการแสดงออกในการสร้างสรรค์ผลงานศิลปะแนวหน้าก่อให้เกิดการใช้วิธีการผสมผสานความหลากหลาย การรวบรวม และการเก็งกำไรซึ่งมักมีผลเผด็จการและก้าวร้าวต่อผู้ชม ผู้อ่าน ผู้ฟัง หลอกลวงการรับรู้ของเขาโดยจงใจทำให้เข้าใจผิด เจ้าหน้าที่ตำรวจจะต้องสามารถเห็นขอบของการเปลี่ยนแปลงของการแสดงออกในกรอบของอันตรายสาธารณะและไม่เพียง แต่หยุดการกระทำที่ผิดกฎหมายดังกล่าว อธิบายความผิดกฎหมายของการกระทำนี้หรือสิ่งนั้น แต่ยังสามารถดำเนินงานป้องกันใน เพื่อปกป้องพลเมืองจากการเข้าไปพัวพันกับพื้นที่ย่อยทางวัฒนธรรมที่ค่านิยมเบี่ยงเบนและเสพติด

ในการพัฒนาศิลปะเปรี้ยวจี๊ดได้ผ่านสี่ เวที: ลัทธิก่อนสมัยใหม่ที่ซึ่งแนวโน้มทางศิลปะ เช่น ลัทธิธรรมชาตินิยม ลัทธิผสมผสาน และลัทธิอิมเพรสชันนิสม์ได้รับการพัฒนา; จากนั้นลัทธิสมัยใหม่ซึ่งมีลักษณะเป็นสัญลักษณ์, ลัทธิหัวรุนแรง, ลัทธิแห่งอนาคต, ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม, ลัทธิโฟวิสต์, ลัทธิดั้งเดิม, ลัทธินามธรรม, ลัทธิเหนือนิยมและลัทธิเรยอน ลัทธินีโอโมเดิร์นนิสม์เพิ่มเติม ซึ่งเป็นลักษณะการพัฒนาของลัทธิอัตถิภาวนิยม ลัทธิคอนสตรัคติวิสต์ ลัทธิดาดานิยม ลัทธิเหนือจริง ลัทธิแสดงออก ลัทธินามธรรมใหม่ และวรรณกรรมกระแสแห่งจิตสำนึก และสุดท้าย ลัทธิหลังสมัยใหม่ที่ซึ่งป๊อปอาร์ต, โฟโตเรียลลิสม์, ไฮเปอร์เรียลลิสม์, โซโนริสติก, ลัทธิพอยต์ทิลลิสม์, อะลีเอทริกส์, ศิลปะซอตส์, เหตุการณ์และการแสดง, ศิลปะการทำลายตนเอง, แนวคิดนิยมและศิลปะสิ่งแวดล้อม, การเคลื่อนไหวและภูมิทัศน์ศิลปะได้รับการพัฒนา

ช่วงเริ่มต้นของการพัฒนาแนวคิดแนวหน้าคือยุคก่อนสมัยใหม่ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ซึ่งลักษณะเฉพาะของการเปลี่ยนแปลงที่ราบรื่นจากศิลปะเชิงเปรียบเทียบไปสู่ศิลปะแนวหน้าได้เป็นรูปเป็นร่างขึ้น ทิศทางที่สำคัญอย่างหนึ่งของลัทธิก่อนสมัยใหม่คือ ความเป็นธรรมชาติเป็นกระแสทางศิลปะในวรรณคดีและศิลปะซึ่งก่อตัวขึ้นในช่วงสามของศตวรรษที่ 19 ในยุโรปและสหรัฐอเมริกา และพยายามสร้างสำเนาความเป็นจริงที่สังเกตได้อย่างแม่นยำและปราศจากอคติ ตัวละครของมนุษย์ถูกทำให้เป็นวัตถุในงานของลัทธิธรรมชาตินิยมโดย E. Zola, E. และ J. Goncourt, G. Hauptmann ในการพึ่งพาธรรมชาติและสิ่งแวดล้อมซึ่งเป็นที่เข้าใจกันว่าเป็นชีวิตประจำวันโดยตรงและสภาพแวดล้อมทางวัตถุ ภาพทางศิลปะของงานธรรมชาตินิยมสร้างเฉพาะภาพที่มองเห็นได้ ภายนอก และไม่ใช่ความจริงที่จำเป็นอย่างแท้จริงของภาพ ในงานศิลปะของลัทธิธรรมชาตินิยมไม่มีความปรารถนาที่จะเข้าใจความเป็นจริงในอุดมคติ ความคิดแนวหน้าของเสรีภาพจากเนื้อหาที่กำหนดให้กับศิลปินความคิดในการเปรียบเทียบความรู้ทางศิลปะกับความรู้ทางวิทยาศาสตร์ ในการต่อสู้กับแนวคิดเรื่องลัทธิฟิลิสตินและศีลธรรมอันศักดิ์สิทธิ์ นักเขียน เช่น เอส. เครน, เอฟ. นอริส ลืมเกี่ยวกับการสรุปภาพรวมและการประเมินความเป็นจริงที่มีอยู่อย่างมีวิจารณญาณ อย่างไรก็ตาม ลัทธินิยมธรรมชาติได้สร้างสรรค์ศิลปะซาลอนที่หลากหลายขึ้น มีอิทธิพลต่อศิลปินจำนวนหนึ่งในช่วงสามของศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 ซึ่งมีวิสัยทัศน์ทางศิลปะเกี่ยวกับความเป็นจริงแตกต่างจากประเพณีศิลปะอุปมาอุปไมยที่ยอมรับโดยทั่วไป

การเลียนแบบภายนอกของความเป็นจริงในภาพวาดของ E. Manet หรือ E. Degas มาพร้อมกับความรู้สึกที่เฉียบคมของการพูดน้อย ซึ่งไม่มีเนื้อหาด้านใดเลย แต่อ้างว่าทำให้ตกใจ ภาพวาดของ A. Toulouse-Lautrec, T. Steinlen และ C. Meunier, C. Kolvitz ถูกปกคลุมไปด้วยปริศนาซึ่งไม่สามารถแก้ไขได้ การทดลองที่คล้ายกันในการทำให้สมบูรณ์ของการกระทำที่สร้างสรรค์นำไปสู่การผสมผสานองค์ประกอบทางศิลปะที่แตกต่างกันใน การผสมผสานที่ซึ่งรูปแบบถูกรวมเข้าด้วยกันเพื่อให้ได้ความสมบูรณ์แบบ การจัดเตรียมสิ่งที่ดีที่สุด และในทางกลับกัน เพื่อการก่อตัวของหลักการของการขาดเอกภาพ ซึ่งรวมอยู่ในความล้ำสมัยของต้นศตวรรษที่ 20 งานศิลปะแบบผสมผสานไม่ได้แสร้งทำเป็นสมมาตรในแผนสถาปัตยกรรม พวกเขาใช้องค์ประกอบของงานที่ยังสร้างไม่เสร็จ ซึ่งเป็นลักษณะของเสรีภาพในการเลือก ซึ่งออกแบบมาเพื่อขจัดความขัดแย้งระหว่างชนชั้นสูงกับมวลชน

อย่างไรก็ตาม ความขัดแย้งเหล่านี้ในการรับรู้ของศิลปะแนวหน้าได้ทวีความรุนแรงขึ้นตามทิศทางของศิลปะที่ก่อตัวขึ้นในช่วงที่สามสุดท้ายของศตวรรษที่ 19 อิมเพรสชั่นนิสต์,ซึ่งสาวกต่างพร้อมใจกันปฏิเสธนักวิชาการด้านศิลปะเลียนแบบ ในปีพ. ศ. 2417 มีการจัดนิทรรศการในปารีสของศิลปินที่เรียกว่า "คนนอกคอก" ซึ่งผลงานไม่ได้รับการยอมรับในนิทรรศการอย่างเป็นทางการของ Salon ในบรรดาผลงานของ E. Degas, K. และ L. Pissarro, O. Renoir, P. Cezanne, A. Sisley เป็นภาพวาดในปี พ.ศ. 2415 โดย C. Monet ที่แสดงภาพภูมิทัศน์ที่เต็มไปด้วยหมอกพร้อมพระอาทิตย์ขึ้นเนื่องจากจำเป็นต้องระบุชื่อ ของภาพวาดในแค็ตตาล็อกนิทรรศการ ผู้เขียนเรียกมันว่า “ความประทับใจ พระอาทิตย์ขึ้น Nomen est omen" ซึ่งคำสุดท้ายแปลว่า 224

“ชื่อมีความหมายอยู่แล้ว” ดังนั้นจึงเพียงพอสำหรับการสะท้อนความเป็นจริงอย่างมีศิลปะ ต่อมาศิลปินที่ "ถูกขับไล่" ถูกเรียกว่าอิมเพรสชันนิสต์ เนื่องจากคำว่า "อิมเพรสชัน" หมายถึง "ความประทับใจ" ภาพศิลปะจากผลงานของ G. Maupassant, K. Hamsun, G. Kellermann, G. von Hofmannsthal, A. Schnitzler, O. Wilde, A. Simons, B. Zaitsev แสดงความประทับใจเกี่ยวกับชีวิตสมัยใหม่ที่เปลี่ยนแปลงอย่างรวดเร็ว ประสบการณ์ส่วนตัวนี้ไม่ได้อ้างว่าเป็นการผลิตซ้ำ แต่พยายามสะท้อนการรับรู้สี ความแตกต่างของแสง พื้นที่ในการแยกส่วนในปัจจุบัน ภาพศิลปะของอิมเพรสชันนิสต์นั้นยังไม่เสร็จ บางครั้งก็เลอะเทอะ ซึ่งเกี่ยวข้องกับลักษณะของการหลุดจากกรอบของศิลปะอุปมาอุปไมยในการวาดภาพและองค์ประกอบแบบดั้งเดิม ความพยายามที่จะหยุดชั่วขณะในความประทับใจคือโอกาสที่จะสะท้อนถึงสภาพธรรมชาติในทันที โดยไม่ได้อาศัยความเชื่อมโยงในเรื่องใดๆ เป็นตัวกลาง โดยไม่แสร้งทำเป็นสื่อความหมาย อิมเพรสชันนิสต์อนุญาตให้ตัวเองแสดงภาพฐานโดยเน้นย้ำเฉพาะความประทับใจในสิ่งที่พวกเขาเห็น การแสดงภาพผู้คนที่โดยหลักการแล้วไม่ได้ทำงานที่เป็นประโยชน์แก่สังคม คนขี้เมา นักเล่นไพ่ โสเภณี ลัทธิอิมเพรสชันนิสต์พยายามที่จะแสดงความสนใจในมนุษย์เช่นนี้ ในชีวิตสมัยใหม่ที่เปลี่ยนแปลงอย่างรวดเร็วซึ่งล้อมรอบมนุษย์

เป็นครั้งแรกที่ศิลปินอิมเพรสชั่นนิสต์กล้าที่จะวาดภาพความเป็นจริงจากธรรมชาติ พวกเขาออกจากเวิร์กช็อปไปในที่โล่ง โดยประกาศว่าใคร ๆ ก็สร้างได้เมื่อสัมผัสโดยตรงกับภาพที่ปรากฎเท่านั้น อิมเพรสชั่นนิสต์ได้บันทึกความแปรปรวนของช่วงเวลาแห่งความเป็นจริงในปัจจุบันด้วยการศึกษาชุดหนึ่ง ซึ่งพวกเขาใช้หลักการของคอนทราสต์พร้อมกัน นั่นคือสีเสริมที่ส่งเสริมซึ่งกันและกันและสร้างเอฟเฟกต์แสงเฉพาะ: สีแดงและสีเขียว สีเหลืองและสีม่วง สีส้ม และสีน้ำเงิน ดังนั้นถ้าดูสีแดง เราดูสีขาว แล้วสีหลังจะออกเขียว อิมเพรสชันนิสต์ไม่ได้ใช้สีดำและสีน้ำตาลเพราะเป็นสีที่ไม่ให้ภาพลวงตาดังกล่าว เทคนิคพร้อมกันของอิมเพรสชันนิสต์ยังโดดเด่นด้วยการใช้จังหวะสีสดใสแยกต่างหากที่ไม่ผสมบนจานสี อิมเพรสชั่นนิสต์ไม่ได้พยายามพรรณนาถึงพื้นที่โดยใช้วิธีสีตามที่เราคุ้นเคย หันเหความสนใจจากความเป็นกลางจากคุณสมบัติของวัสดุที่เป็นกลางของภาพที่ปรากฎ ศิลปินมุ่งเน้นไปที่ความเป็นอิสระจากเนื้อหาโดยเน้นความเป็นไปได้ของความคิดสร้างสรรค์ที่ไร้ขีด จำกัด อันเป็นผลมาจากการที่ท้องฟ้าที่ปรากฎในภาพสามารถเป็นสีเขียวหญ้า - น้ำเงิน

วิธีการของลัทธิอิมเพรสชันนิสม์ก็หมดลงในไม่ช้า และการพัฒนาของมันต้องใช้เทคนิคใหม่ในการฝึกฝนศิลปะซึ่งแสดงออกมา โพสต์อิมเพรสชั่นนิสม์ P. Gauguin และ W. Van Gogh ในการแบ่งแยกของ J. Seurat และ P. Signac นักโพสต์อิมเพรสชันนิสต์พยายามที่จะพรรณนาวิธีการโดยตรงของอิมเพรสชั่นนิสต์ แต่ในทางกลับกันก็ยากที่จะถอดรหัสซึ่งมีความหมายที่ชัดเจนซึ่งมักเกี่ยวข้องกับประสบการณ์ส่วนตัวของศิลปินซึ่งนำไปสู่การใช้สีที่สดใสไม่เพียงเท่านั้น แต่ยังรวมถึง เฉดสีดิน ผู้แบ่งแยกพยายามที่จะแยกโทนสีที่ซับซ้อนออกเป็นสีที่บริสุทธิ์ซึ่งติดอยู่บนผืนผ้าใบด้วยลายเส้นและจุดต่างๆ ที่แตกต่างกันอย่างชัดเจน ซึ่งทำให้งานของพวกเขามีโทนสีเย็น สงบ และซับซ้อน ซึ่งยังคงพึงพอใจกับเทคนิคของมัน

ช่วงเวลาต่อไปในการพัฒนาของเปรี้ยวจี๊ดคือความทันสมัยของต้นศตวรรษที่ 20 ซึ่งการทดลองทางศิลปะขั้นเตรียมการของการฝึกศิลปะเปรี้ยวจี๊ดเสร็จสมบูรณ์และในที่สุดคุณสมบัติหลักของเปรี้ยวจี๊ดก็เกิดขึ้น ภาพศิลปะของศิลปะสมัยใหม่ขึ้นอยู่กับหลักการของการต่ออายุกิจกรรมทางศิลปะที่มีคุณค่าในตัวเองซึ่งเป็นหลักการของความแปลกใหม่ของงาน ในช่วงเวลานี้เองที่การเคลื่อนไหวทางศิลปะแนวเปรี้ยวจี๊ดได้พัฒนาอย่างแข็งขัน ขบวนการศิลปะสมัยใหม่ยุคแรกสุด - ทันสมัยมุ่งเน้นไปที่ความสมบูรณ์แบบจากมุมมองของการแทรกซึมของปรากฏการณ์ ภาพลูกผสมของ M. Vrubel และ V. Vasnetsov ประกาศหลักการของการเป็นนามธรรมอย่างสมบูรณ์จากความเป็นกลางโดยมอบให้กับวิสัยทัศน์ของตัวเอง

ทิศทางศิลปะที่โดดเด่นของศิลปะเปรี้ยวจี๊ดสมัยใหม่ตอนต้นคือ สัญลักษณ์ปลาย XIX - ต้นศตวรรษที่ XX ซึ่งเกิดขึ้นจากปฏิกิริยาต่อบรรทัดฐานของสามัญสำนึกการมองโลกในแง่ดีเป็นความปรารถนาที่จะปฏิเสธทุกสิ่งที่ไม่รู้ Symbolists เสนอให้ไม่ใส่ใจกับความเป็นจริงที่มีชีวิต แต่ให้สนใจโลกแห่งความฝันซึ่งสามารถเข้าใจได้โดยการเจาะเข้าไปในสัญลักษณ์ด้วยความช่วยเหลือจากข้อมูลเชิงลึกเพื่อทำความเข้าใจความหมายของปรากฏการณ์ที่ซ่อนอยู่จากจิตสำนึกในชีวิตประจำวัน ภาพศิลปะของ "ความตาย" "ความรัก" "ความทุกข์" "ความคาดหวัง" เชื่อมโยงโลกแห่งความเป็นจริงและเหนือธรรมชาติ ความซ้ำซากและจินตนาการอันซับซ้อน ในขณะเดียวกันก็เป็นสัญญาณของความปรองดองของโลก ในทางศิลปะของสัญลักษณ์เปรียบเทียบ G. Moreau, A. Becklin, X. Thomas, O. Redon, F. Rops แสดงให้เห็นถึงสัญญาณของอนาคตในปรากฏการณ์ของความทันสมัยที่พบในเหตุการณ์ในอดีตที่สำคัญสำหรับวันนี้

การผสมผสานที่ลงตัวของรูปแบบและเส้นทั่วไปและเรียบง่าย ระนาบสีขนาดใหญ่ เส้นชั้นความสูงที่ชัดเจนสร้างภาพศิลปะที่ได้รับผลกระทบ กระตุ้นความรู้สึก และไม่มีเหตุผลของผลงานของ F. von Stuck, M. Klinger, G. Klimt, P. Gauthier, Chenier, E Parny เช่นเดียวกับภาพในแง่ร้ายอย่างสิ้นหวังของผู้มีวิสัยทัศน์ลึกลับที่กลายเป็นความสูงส่งทางศาสนา F. Knopf, O. Beardsley, ฉัน. Torop, M. Ciurlionis, E. Bernard, L. Anquetin, D. Merezhkovsky, Z. Gippius ชีวิตจริงที่อยู่รอบๆ นั้นดูน่าเชื่อและน่าอัปลักษณ์อย่างแท้จริงเสียจนสามารถสัมผัสได้ในงานของ Symbolists ผ่านภาพที่แสดงออกถึงวีรบุรุษผู้ยิ่งใหญ่ของ J. Ensor, E. Munch, A. Kubin, F. Hodler, C. Baudelaire, Mallarme , P. Verlaine, A. Rimbaud, M. Maeterlinck การตีความทางศีลธรรมและปรัชญาของอดีตในประวัติศาสตร์สังคมถูกเปิดเผยในภาพศิลปะ "บริสุทธิ์" ของผลงานของ K. Balmont, V. Bryusov, A. Blok, V. Borisov-Musatov, M. Vrubel, K. Petrov-Vodkin, A. Bely

อีกประการหนึ่งที่สำคัญไม่น้อยสำหรับสมัยใหม่ในยุคแรกคือทิศทางทางศิลปะ ความเฉียบแหลมที่ซึ่งภาพศิลปะนำมาซึ่งการแสดงออกที่สมบูรณ์แบบ ได้รับคุณค่าพิเศษ แทนที่จะเป็นภาพศิลปะที่แสดงออกเชิงสัญลักษณ์ที่คลุมเครือและคลุมเครือ N. Gumilyov, S. Gorodetsky, A. Akhmatova, O. Mandelstam, M. Zenkevich ใช้ภาพผลงาน "ศิลปะเป็นงานฝีมือ" ที่กำหนดไว้อย่างชัดเจนโดยระบบที่มีกฎไม่กี่ข้อ เกณฑ์ความชัดเจน รูปแบบสถาปัตยกรรมของ A. Bourdelle, A. Maillol นั้นตรงข้ามกับการผสมผสานของการค้นหาทางศิลปะก่อนหน้านี้

สาวกของการเคลื่อนไหวทางศิลปะเช่น ลัทธิดั้งเดิมหมายถึงรูปแบบความคิดสร้างสรรค์ของเด็ก, ศิลปะดึกดำบรรพ์, ภาพวาดไอคอนของยุคกลาง ภาพศิลปะง่ายๆ ของลัทธิดึกดำบรรพ์โดย W. Yeats, R. Frost, Conrad, D. Lawrence, P. White มีความชัดเจนทางอารมณ์และอ้างว่าเป็นโลกทัศน์ที่บริสุทธิ์

การค้นหาแนวคิดสมัยใหม่ในยุคต้นดังกล่าวถึงจุดสูงสุดในการก่อตัวของการเคลื่อนไหวทางศิลปะประเภทแนวหน้าในความหมายที่สมบูรณ์ของคำ ซึ่งการประกาศอิสรภาพที่ไร้การควบคุมเป็นแหล่งที่มาหลักของจินตนาการที่สร้างสรรค์ ไม่จำกัดโดยประเพณีของศิลปะการเลียนแบบ ซึ่งก็คือ เป็นครั้งแรกที่ตระหนักในทิศทางศิลปะแห่งอนาคต อนาคต- นี่คือทิศทางทางศิลปะของต้นศตวรรษที่ 20 ซึ่งผู้ติดตามพยายามสร้างงานศิลปะแห่งอนาคตนั่นคืองานศิลปะดังกล่าวที่แสดงให้เห็นสิ่งที่รอคอยในอนาคต ลัทธิอนาคตของอิตาลี (F. Marinetti, C. Carra, U. Boccioni) มุ่งเน้นไปที่ภาพลวงตาของการเคลื่อนไหว ลัทธิฟิวเจอร์ริสม์ในโซเวียตรัสเซีย (V. Khlebnikov, V. Tatlin) แสดงให้เห็นอนาคตในลักษณะที่แตกต่างออกไปบ้างโดยพยายามแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนและชัดเจนถึงสิ่งที่จะล้อมรอบบุคคลในอนาคต ภาพศิลปะของลัทธิแห่งอนาคต ซึ่งแตกต่างจากการเคลื่อนไหวทางศิลปะสมัยใหม่อื่น ๆ โดยอ้างว่าสร้างคุณค่าทางสุนทรียะจำนวนมาก และไม่ใช่ภาพที่ยอดเยี่ยม ซึ่งมักจะไม่สามารถเข้าใจได้สำหรับคนธรรมดา นี่คือวิธีที่ภาพศิลปะของลัทธิแห่งอนาคตขอโทษสำหรับความสำเร็จของเทคโนโลยี วิถีชีวิตในเมืองภายใต้กรอบของวัฒนธรรมเมือง ปฏิเสธขนบธรรมเนียมของศิลปะเลียนแบบในการวาดภาพ นักอนาคตนิยมรวมมุมมองที่แตกต่างกัน เพิ่มรูปทรงหลายเท่า รูปทรงบิดเบี้ยว ใช้สีตัดกัน แทรกเศษข้อความลงในเฟรมของผืนผ้าใบศิลปะ ภาพศิลปะของประติมากรรมแห่งอนาคตแสดงถึงภาพลวงตาของการเคลื่อนไหวด้วยความช่วยเหลือของการซ้อนทับและการเลื่อนทิศทางเดียว สถาปนิกแห่งอนาคตนำเสนอโครงการ "เมืองแห่งอนาคต"

ภาพศิลปะที่มีลักษณะการทำลายล้างของศิลปะแห่งอนาคตมีส่วนทำให้เกิดตำแหน่งของบุคคลที่ขาดความรับผิดชอบ สนับสนุนการอนุญาต อย่างไรก็ตามงานศิลปะของ V. Lembroek, O. Dike, V. Mayakovsky, V. Kruchenykh ซึ่งชะตากรรมของตัวเองนำไปสู่โศกนาฏกรรมนั้นเต็มไปด้วยภาพอิสระและความกล้าที่ไม่ถูก จำกัด ซึ่งทำให้พวกเขาน่าทึ่งและน่าตื่นเต้น ศิลปะแห่งอนาคตเป็นพยานถึงการทำลายความสามัคคีความสมบูรณ์ของโลกทัศน์ซึ่งอยู่ในสภาพที่ไม่ลงรอยกันกับตัวเองและโลกภายนอก การขาดจิตวิญญาณบางอย่างในภาพศิลปะของลัทธิแห่งอนาคตมีส่วนทำให้ความจริงที่ว่าศิลปะแห่งอนาคตกลายเป็นสาขาของการวิจัย การทดลอง การดึงดูดประสบการณ์อันมีค่าของวัฒนธรรมอื่น การยืม เป็นพวกฟิวเจอร์ริสท์ที่มีแนวคิดต่อต้านขนบธรรมเนียมประเพณี หลักการ และแบบแผนของศิลปะอุปมาอุปไมยอย่างรุนแรงที่สุด ความฝันเกี่ยวกับการปรับโครงสร้างชีวิตโดยรวมทำให้เกิดภาพศิลปะของ "ความแปลกใหม่" ซึ่งแสดงออกถึงความปรารถนาอย่างแข็งขันสำหรับความก้าวหน้าของอารยธรรมทางเทคนิค

การปะทะกันของประเพณียังแสดงให้เห็นถึงทิศทางของศิลปะ ลัทธิลูกบาศก์ไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 20 ซึ่งเป็นผลมาจากปี 1907 เมื่อพี. ปิกัสโซแสดงให้สาธารณชนเห็นภาพวาด "The Girls of Avignon" ซึ่งเป็นภาพศิลปะในรูปแบบที่แปลกประหลาดซึ่งผิดปกติสำหรับคนรุ่นเดียวกัน แทบจำไม่ได้ เป็นภาพที่ไม่มีองค์ประกอบของไคอาโรสกูโรและเปอร์สเปคทีฟในรูปแบบการรวมกันของปริมาตรที่แยกย่อยบนระนาบ ในปีพ. ศ. 2451 แอล. วอเซลล์ได้วิจารณ์ผลงานของกลุ่มศิลปินซึ่งรวมถึง P. Picasso, J. Braque, X. Gris, G. Apollinaire, G. Stein, ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมเนื่องจากการพรรณนาถึงโลกแห่งวัตถุประสงค์ในผลงานของพวกเขา ในรูปแบบของการรวมกันของปริมาตรทางเรขาคณิตปกติ (ลูกบาศก์, ทรงกลม, ทรงกระบอก, กรวย) ในกลุ่มของศิลปินเหล่านี้ หลักการพื้นฐานของลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมได้รับการพัฒนาและแสดงออกอย่างต่อเนื่อง ศิลปะแบบเหลี่ยมค่อนข้างแตกต่างในผลงานของกลุ่มศิลปินที่เกิดขึ้นในปี 1911 และแสดงผลงานของพวกเขาในปี 1912 ที่นิทรรศการ Golden Section (C.-A. Gleizes, J. Metsenger, J. Villon, A. Le Fauconnier, F . Leger, R. Delaunay, F. Kupka). ภาพศิลปะของ Cubists แสดงออกด้วยสีนักพรตใช้รูปแบบที่เรียบง่ายและลวดลายเบื้องต้นซึ่งแสดงถึงของใช้ในครัวเรือนและเครื่องใช้ในครัวเรือน ในการวาดภาพ พวก Cubists พยายามรวมการรับรู้จากมุมมองที่แตกต่างกัน สร้างรูปแบบสามมิติบนระนาบ การแยกชิ้นส่วนรูปทรงเรขาคณิต ขยับและตัดกัน ในประติมากรรม การกำหนดรูปทรงเรขาคณิตนำไปสู่การเปลี่ยนรูปแบบ พื้นที่ ไปสู่การสร้างองค์ประกอบที่ไม่ใช่ภาพและการประกอบบนระนาบ ตัวอย่างเช่น ในประติมากรรมจากวัสดุต่างชนิดกันโดย P. Picasso ในผลงานของ A. Laurent, R. Duchamp -Villon ในรูปนูนและตัวเลขรูปทรงเรขาคณิตโดย O. Zadkine, J. Lipschitz, ภาพนูนนูนนูนต่ำนูนต่ำแบบเว้า A. Archipenko

Cubism ได้ผ่านสามขั้นตอนในการพัฒนา ในต้นฉบับ "Cezanne" ช่วงปี 1907-1909 รูปทรงเรขาคณิตของรูปแบบมีวัตถุประสงค์เพื่อเน้นความมั่นคงความเป็นกลางของโลก ในผลงานศิลปะของ P. Picasso ("Three Women") หรือ J. Braque ("Estac") ปริมาตรเหลี่ยมเพชรพลอยที่ทรงพลังดูเหมือนจะถูกจัดวางอย่างหนาแน่นบนพื้นผิวของผืนผ้าใบ ทำให้เกิดความรู้สึกโล่งใจ การผสมสี การเน้นส่วนต่าง ๆ ของวัตถุ ช่วยเพิ่มและลดระดับเสียง ในขั้นตอนต่อไป "การวิเคราะห์" ของปี 1910-1912 วัตถุบนผืนผ้าใบของ P. Picasso (“A. Vollard”), J. Braque (“เพื่อเป็นเกียรติแก่ J.S. Bach”) แตกสลาย แตกออกเป็นหน้าเล็กๆ จำนวนมาก ซึ่งแยกออกจากกันอย่างชัดเจน รูปแบบที่เป็นที่รู้จักอย่างมากดูเหมือนจะแบนราบบนระนาบ ในช่วงสุดท้าย "สังเคราะห์" ของปี 2455-2457 ภาพศิลปะของ "Guitar and Violin" ของ P. Picasso หรือ "Woman with a Guitar" ของ J. Braque เต็มไปด้วยส่วนประกอบตกแต่ง และภาพวาดก็กลายเป็นแผงระนาบสีสันสดใส ในขณะเดียวกัน ศิลปินก็เสริมปริมาตรของระนาบด้วยเอฟเฟกต์พื้นผิว: สติกเกอร์ (ภาพตัดปะ), แป้ง, โครงสร้างเชิงปริมาตรบนผืนผ้าใบ ในตอนท้ายของการพัฒนา ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมพยายามละทิ้งภาพลักษณ์ของพื้นที่และปริมาตร โดยชดเชยองค์ประกอบด้วยโครงสร้างวัสดุนูนในพื้นที่จริง

แนวคิดของการปฏิเสธภาพดังกล่าวในปี 1914 ส่งผลให้เกิดการค้นหาทางศิลปะ ศิลปะนามธรรมหรือที่เรียกในภาษาฝรั่งเศสว่า Abstractivism ซึ่งในฐานะการเคลื่อนไหวทางศิลปะเริ่มเป็นรูปเป็นร่างในปี 1917 ด้วยคำกล่าวของ A. Lot นักโพสต์อิมเพรสชันนิสต์ที่ว่า สะท้อนทัศนคติของศิลปินต่อความเป็นจริงโดยรอบอย่างตรงไปตรงมาและตรงไปตรงมา ตัวอย่างเช่น ย้อนกลับไปในปี 1883 A. Alfons แสดงให้สาธารณชนเห็นภาพวาด "Girls under the Snow" ซึ่งเป็นแผ่นกระดาษสีขาวบริสุทธิ์ที่ขึงบนเปลหาม - ซึ่งแสดงภาพเฉพาะของหิมะสีขาวที่ปกคลุมร่างของเด็กผู้หญิงจาก มุมมองของศิลปิน ในปี พ.ศ. 2435-2436 A. Van de Velde ใช้สีน้ำเพื่อแสดงออกถึงแนวโน้มของความคิดเชิงศิลปะที่มีต่อสิ่งที่เป็นนามธรรม ซึ่งประกอบด้วยการแยกแยะรูปภาพจากคุณสมบัติสุ่มและไม่มีนัยสำคัญของรูปแบบวัตถุที่มองเห็น ได้แก่ แสงโดยบังเอิญในความเป็นจริงจริง การลดเปอร์สเป็คทีฟ มุม รายละเอียดเล็ก ๆ อื่น ๆ ที่ไม่มีนัยสำคัญจากมุมมองของศิลปินซึ่งไม่สำคัญในการรับรู้ภาพศิลปะ การปฏิบัติทางศิลปะของลัทธินามธรรมอย่างชัดเจนและสม่ำเสมอได้รับการระบุไว้ในปี พ.ศ. 2451 ในหนังสือของ W. Worringer เรื่อง "Abstract and Empathy" ซึ่งแสดงบทบาทของลัทธินามธรรม

การค้นหาเชิงวิเคราะห์เพื่อพัฒนาความคิดเชิงศิลปะในแง่หนึ่ง และความปรารถนาของศิลปินในการแยกตัวจากความเป็นจริงโดยรอบ ก่อให้เกิดกระแสหลักสองกระแสของลัทธินามธรรม: เหตุผลนิยม (Van Dusburg, R. Delaunay, F. Kupka, F. . Picabia, A. . Nicholson) และการแสดงออก (W. Kandinsky, F. Leger. X. Moore, A. Calder, G. Sutherland, N. de Stael, A. Yavlensky) ทั้งสิ่งเหล่านั้นและวิธีอื่นๆ ได้ถ่ายทอดวิธีการแสดงออกที่ผิดปกติสำหรับธรรมชาติของมันไปสู่งานวิจิตรศิลป์ ทำให้ภาพศิลปะมีระเบียบแบบแผนอย่างเข้มข้น มุ่งมั่นที่จะวิเคราะห์อย่างหักโหม สลายทัศนคติของตนเองอย่างมีเหตุผลต่อความเป็นจริงที่เป็นปรนัยในรูปแบบของภาพ ดังนั้น ศิลปินที่ไหลอย่างเป็นเหตุเป็นผลของนามธรรมนิยมสรุปความเข้าใจโดยสัญชาตญาณของพวกเขาเกี่ยวกับจักรวาลขนาดใหญ่ ซึ่งเป็นคุณค่าที่แท้จริงของความคิดสร้างสรรค์ในรูปแบบเรขาคณิตที่เรียบง่าย ในทางกลับกัน นักแสดงออกเชิงนามธรรมมักจะแยกนามธรรมออกจากรูปธรรม

ความประทับใจเพื่อจุดประสงค์ในการแสดงออก - การแสดงออกของสภาพภายในความรู้สึก ภาพศิลปะประเภทนี้ปฏิเสธโลกแห่งความเป็นจริงที่มองเห็นได้ และท้ายที่สุด ผู้ชมจะเข้าใจเพียงเล็กน้อย ซึ่งไม่พบความเชื่อมโยงระหว่างการรับรู้และความเข้าใจของภาพที่ปรากฎ ความเป็นเลิศของลัทธินามธรรมนำศิลปินไปสู่โอกาสในการแสดงคุณค่าโดยธรรมชาติของการนำเสนอของความคิดสร้างสรรค์ที่ไม่มีที่สิ้นสุดซึ่งหลังจากปี ค.ศ. 1920 ส่งผลให้เกิดแนวทางปฏิบัติทางศิลปะของลัทธิอำนาจนิยมสูงสุด ลัทธิเรย์โอน และในทศวรรษที่ 1950 - ทาจิสมา

การปฏิบัติทางศิลปะ อำนาจสูงสุด,คิดค้นโดย K. Malevich แสดงให้เห็นถึงการรวมกันของรูปทรงเรขาคณิตหลายสีที่ง่ายที่สุด (สี่เหลี่ยม, สามเหลี่ยม, แถบ) กับการเคลื่อนไหวภายใน องค์ประกอบที่ไม่สมมาตรของ L. Popova, O. Rozanov, I. Puni, N. Udaltsov ประกาศว่า "... การวาดภาพนั้นเป็นไปไม่ได้การวาดภาพนั้นล้าสมัยไปนานแล้วและตัวศิลปินเองก็มีอคติในอดีต" รัศมี M. Larionov, N. Goncharova, M. Matyushin, P. Filonov ค้นหา "วิธีที่สามในความไม่เที่ยงธรรม" โดยการวาดภาพวัตถุเป็นผลรวมของรังสีคงที่ที่มาบรรจบกันที่จุดใดจุดหนึ่ง เช่น เส้นหลากสีที่แสดงลักษณะเฉพาะของภาพวาด ในช่วงหลังสงคราม การขอโทษจากความโกลาหล ความไม่เป็นระเบียบ ความไม่ลงรอยกัน ได้ฟื้นความสนใจในศิลปะที่ไม่มีวัตถุประสงค์ในการฝึกฝนศิลปะ ทาจิสเม่,ซึ่งมีผู้ติดตามได้แก่ G. Hoffman, A. Gorky, J. Pollock, Arp, L. Degan, M. Seifor, L. Venturi, J. Mathieu นามธรรมจากความเป็นกลางของโลกภายนอกกิจกรรมของศิลปินมีลักษณะที่น่าอับอายและส่วนใหญ่เป็นเชิงพาณิชย์ของความบันเทิงทางปัญญาในรูปแบบเช่นการหยดสีบนผืนผ้าใบของ J. Pollock โดยไม่ใช้แปรงหรือ "เซสชันสร้างสรรค์สาธารณะ" " พร้อมด้วยการปลอมตัวปลอมตัวและดนตรีภายใต้ชื่อเรื่อง "Battle of Bouvine" โดย J. Mathieu

มีการแสดงแง่มุมต่าง ๆ ของลัทธินามธรรมในแนวทางศิลปะ ลัทธิโฟวิสต์,ซึ่งเป็นของ A. Matisse, A. Marquet, J. Rouault, P. Mondrian ภาพศิลปะของ Fauvism พรรณนาถึงธรรมชาติ แต่ด้วยความช่วยเหลือของเทคนิคพิเศษของความแตกต่างของสี ด้วยวิธีนี้ "ความเป็นพลาสติกที่บริสุทธิ์สร้างความเป็นจริงที่บริสุทธิ์" เช่น ผ่านจุดที่มีสีสันเข้มข้นของสีเหลือง แดง น้ำเงินบนระนาบ พวก Fauvists พยายามที่จะแสดงความเป็นจริงทางอารมณ์ที่จับต้องได้จริงและเป็นกลาง ภาพสากลของโลกแสดงผ่านรูปสี่เหลี่ยมผืนผ้าที่มีสีต่างกัน โดยแยกออกจากกันด้วยเส้นสีดำหนา การจัดวางองค์ประกอบโดยไม่มีชื่อ ตลอดจนตัวเลขหรือตัวอักษร

ดังนั้น วิธีการเบี่ยงเบนความสนใจจากโลกแห่งความเป็นจริง ซึ่งพบโดยศิลปะสมัยใหม่ค่อนข้างสม่ำเสมอ จึงได้รับการพัฒนาขึ้นในแนวทางปฏิบัติทางศิลปะของลัทธินีโอโมเดิร์นนิสม์และลัทธิหลังสมัยใหม่ ศิลปะแนวนีโอโมเดิร์นนิสต์เป็นรูปแบบที่พัฒนาขึ้นของแนวปฏิบัติทางศิลปะแนวหน้าของศตวรรษที่ 20 ซึ่งความเป็นจริงเป็นที่เข้าใจกันว่าเป็นสิ่งที่เยือกเย็นซึ่งบุคคลถูกกำหนดให้หลบหนี ช่วงเวลาระหว่างสงครามโลกครั้งที่หนึ่งและสองตลอดจนช่วงหลังสงครามได้กล่าวถึงอารมณ์ในแง่ร้ายของบุคคลที่ไม่สามารถทนต่อแรงกดดันของโลกได้ ภาพศิลปะของลัทธินีโอโมเดิร์นมักจะก่อตัวเป็นแนวคิดของลัทธินีโอฮิวแมน ซึ่งศิลปะแนวหน้าเป็นสาขาสำหรับการใช้แนวปฏิบัติของลัทธินิยมการกระทำอย่างแข็งขัน แสดงให้เห็นถึงวิธีการแสดงออกส่วนบุคคลเกี่ยวกับความเป็นไปได้ของการมีอยู่ในโลกในการติดตั้ง

ทิศทางศิลปะแรกคือ ลัทธิดาดา,ซึ่งเกิดขึ้นในช่วงสงครามโลกครั้งที่หนึ่งในประเทศสวิสเซอร์แลนด์ท่ามกลางปัญญาชนที่มีแนวคิดแบบทำลายล้าง โดยตีพิมพ์ในปี พ.ศ. 2459 ที่เมืองซูริก โดยกวีชาวโรมาเนีย ที. ซาร์รา เรื่อง “Mr. Dadaism กลายเป็นการประท้วงต่อต้านค่านิยมของวัฒนธรรมเทคโนโลยี อย่างไรก็ตามในแง่ของเนื้อหานั้นไม่มีรูปแบบที่เป็นทางการ ภาพศิลปะของ Dadaism พยายามที่จะสะท้อนความไร้เหตุผลของความเป็นจริงที่อยู่รอบตัวบุคคล ซึ่งแสดงถึงความสับสนของปัญญาชนก่อนความน่าสะพรึงกลัวของสงครามโลกครั้งที่หนึ่งและวิกฤติวัฒนธรรมที่กำลังจะมาถึง นวัตกรรมการวาดภาพ, เรื่องอื้อฉาวของการกระทำ, ภาษาที่ไร้สาระของกิจกรรมทางศิลปะ, การสวมหน้ากากของ L. Aragon, M. Duchamp, X. Hartung ประกาศการต่อต้านศิลปะเป็นเป้าหมายของพวกเขา ทำให้ประชาชนตกตะลึงด้วยการต่อต้านสุนทรียะทางโปรแกรม ซึ่งการเลียนแบบศิลปะดึกดำบรรพ์ การวาดภาพของเด็กและความคิดสร้างสรรค์ของผู้ป่วยกลายเป็นศิลปะ มันอยู่ในกรอบของ Dadaism ที่หลักการของจิตไร้สำนึก "การเขียนอัตโนมัติ" ซึ่งเป็นความบ้าคลั่งที่ไร้ความหมายถูกคิดค้นขึ้นซึ่งกลายเป็นพื้นฐานสำหรับสถิตยศาสตร์และ Tachisme

ในปี 1924 Dadaists ได้ผสมผสานแนวทางปฏิบัติทางศิลปะเข้ากับแนวคิดของลัทธิเหนือจริงหรือลัทธินามธรรม สถิตยศาสตร์- นี่คือการเคลื่อนไหวทางศิลปะในช่วงกลางศตวรรษที่ 20 ซึ่งอ้างว่าแสดงให้เห็นถึงโลกแห่งความจริงเหนือจริงที่มีอยู่ในรูปของความเป็นจริงทางจิตใจของสิ่งมีชีวิตในอุดมคติ L. Aragon, P. Eluard, A. Artaud, M. Ernst, S. Dali พยายามที่จะแสดงออกในทางศิลปะถึงการปลดปล่อยกระบวนการจิตใต้สำนึกของจิตใจมนุษย์การปลดปล่อยความคิดจากความซับซ้อน เลียนแบบคุณลักษณะของศิลปะยุคดึกดำบรรพ์ ความคิดสร้างสรรค์ของเด็ก มุ่งมั่นที่จะสร้างภาพมหัศจรรย์ที่จับต้องได้ด้วยวิธีที่เป็นธรรมชาติ โดยใช้เทคนิคการจับแพะชนแกะในการประกอบชิ้นส่วนเครื่องจักร เครื่องใช้ เซอร์เรียลิสต์ X. Arp, X. Miro, A. Masson, M. Rothko , X. Hartung พรรณนาถึงความห่างไกลจากโลกแห่งวัตถุคือโลกแห่งความคิดของมนุษย์ G. Apollinaire, A. Breton, F. Soupault, P. Valery, Yu. Mamleev พยายามที่จะแสดงด้านที่มีประสิทธิภาพของพฤติกรรมมนุษย์ผ่านการแสดงความไร้ความคิด ความเพ้อฝัน ความเข้าใจโดยสัญชาตญาณของโลก กวีชาวเม็กซิกัน O. Paz กำหนดการค้นหาศิลปะสำหรับสถิตยศาสตร์ว่าเป็นการประกาศกิจกรรมการทำลายล้างของบุคคลที่พยายามทำลายคุณค่าของความสำคัญสากลลบความสำเร็จของวัฒนธรรมที่มีเหตุผลจากพื้นโลก ในความเห็นของเรา สถิตยศาสตร์แสดงให้เห็นถึงสิ่งที่มีค่าจากมุมมองของสังคม แต่ไร้สาระจากมุมมองของแต่ละบุคคล ในรูปแบบของความเหนือจริงเช่นนี้ ลัทธิเหนือจริงตระหนักว่าความเป็นจริงไม่ใช่การสะสมของสิ่งที่ดีและไม่ดีเป็นการรวมตัวกันของสิ่งที่มีประโยชน์และโทษ แต่เป็นผลของความปรารถนา ภาพของความฝัน ซึ่งบ่งชี้ว่าสิ่งสำคัญโดยทั่วไปสามารถนำไปสู่การบ่อนทำลายความเป็นจริงได้ ภาพศิลปะของลัทธิเหนือจริงนั้นแปลกแยกจากแนวคิดเรื่องศีลธรรมและลัทธิประโยชน์นิยม และแสดงให้เห็นเงื่อนไขที่หยั่งรากลึกในจิตใต้สำนึก ซึ่งเอื้อต่อการปรับการมองเห็นใหม่ให้ผิดเพี้ยนไปจากความเป็นจริง

Expressionism เป็นอีกหนึ่งการเคลื่อนไหวทางศิลปะที่แสดงให้เห็นอย่างชัดเจนถึงการตีความตามความเป็นจริงของศิลปิน การแสดงออก- นี่คือทิศทางทางศิลปะของกลางศตวรรษที่ 20 ซึ่งผู้ติดตามถือว่าโลกรอบตัวมนุษย์เป็นปรากฏการณ์วิกฤตก่อนภัยพิบัติสันทรายที่เข้าใกล้ธรรมชาติและมนุษยชาติ W. Van Gogh, E. Munch เป็นผู้บุกเบิกลัทธิแสดงออก นักแสดงออก E. Kirchner, E. Heckel, P. Klee พยายามอย่างหัวเสียเพื่อการรับรู้โลกอย่างอิสระ "ดั้งเดิม" ภาพศิลปะของ F. Kafka, E. Toller แสดงให้เห็นถึงการแสดงออกของศิลปินที่เพิ่มมากขึ้น โดยตีความตามความเป็นจริงในกราฟิกด้วยคอนทราสต์ของสีและการแทนที่ ในโครงสร้างทางสถาปัตยกรรมของ B. Taut, E. Mendelsohn พวกเขาพยายามที่จะสร้างรูปแบบหลอกธรรมชาติที่ใกล้เคียงกับภาพจริง แต่ในหลาย ๆ ทางเป็นการแสดงประสบการณ์ที่เป็นตัวเป็นตนในรูปแบบศิลปะ

นอกจากนี้ในช่วงกลางของศตวรรษที่ 20 ยังมีการเคลื่อนไหวทางศิลปะสองแบบซึ่งผู้ติดตามพยายามแสดงกระแสแห่งจิตสำนึกของศิลปิน ดังนั้น, neo-abstractists(หรือมินิมัลลิสต์) เป็นตัวเป็นตนของเสรีภาพทางศิลปะในการแยกตัวออกจากความเป็นจริงในสีและวรรณกรรม กระแสแห่งสติกำหนดทิศทาง- ในคำว่า. ภาพศิลปะของภาพวาดและวรรณกรรมดังกล่าวซึ่งไม่ใช่ผลงานที่มีความสำคัญ แต่เป็นกระบวนการสร้างแสดงทัศนคติทางจิตวิทยาของการแยกตัวออกจากโลกโดย "ลืม" ความเป็นจริง โลกแห่งจิตวิญญาณของฮีโร่ของงานศิลปะดังกล่าวไม่ได้สัมผัสกับความเป็นจริงของความเป็นจริงโดยรอบ เทคนิคและหลักการของกระแสจิตแห่งจิตสำนึกแสดงให้เห็นถึงชีวิตคนเดียวภายในของฮีโร่ในผลงานของ J. Joyce, W. Wolfe, W. Faulkner, M. Proust, N. Sarrott, A. Robbe-Grillet, M. บุตอร์.

ทิศทางทางศิลปะพัฒนาขึ้นในลักษณะที่แตกต่างกันเล็กน้อยในช่วงกลางศตวรรษที่ 20 อัตถิภาวนิยมมีรากฐานมาจากโรงเรียนปรัชญาที่มีชื่อเดียวกัน ภาพศิลปะของงานวรรณกรรมโดย J.-P. Sartre, A. Camus, S. de Beauvoir สร้างแนวคิดทางปรัชญาเกี่ยวกับการดำรงอยู่ของมนุษย์ สถานที่และบทบาทของเขาในโลกนี้ นำแก่นแท้มาสู่การดำรงอยู่ในทันที เติมเต็มชีวิตประจำวันด้วยความหมายอิสระ วีรบุรุษแห่งผลงานอัตถิภาวนิยมแสดงให้เห็นถึงสำนึกในความรับผิดชอบของมนุษย์ต่อการกระทำของพวกเขา เนื่องจากรากฐานของการดำรงอยู่ของมนุษย์นั้นไร้เหตุผล และมนุษย์ก็เป็นมนุษย์ อัตถิภาวนิยมในศิลปะการแสดงละครมักจะแสดงออกในบทพูดคนเดียวของนักแสดงผู้โดดเดี่ยว ซึ่งถูกลดคุณค่าโดยพื้นฐานในแง่ของการประชาสัมพันธ์ และคุณสมบัติของมนุษย์ที่แท้จริงเท่านั้นที่แสดงถึงคุณค่าของบุคคลในฐานะตัวแทนของความเป็นมนุษย์ ภาพศิลปะของเสรีภาพและความรับผิดชอบของมนุษย์ทำให้เนื้อหาที่ไร้สาระของการแสดงละครเต็มไปด้วยเนื้อหาที่นักแสดงพูดถึง "อดีต" ของกันและกัน

นอกจากนี้ภายใต้กรอบของลัทธินีโอโมเดิร์น แนวทางศิลปะก็เกิดขึ้น คอนสตรัคติวิสต์รวมศิลปิน (เช่น Russian, I. Selvinsky, B. Agapov, V. Inber, N. Aduev, E. Bagritsky, I. Ehrenburg, E. Gabrilovich, K. Zelinsky, V. Lugovsky, D. Tumanny, A . ชิเชอริน) ซึ่งมีความสนใจในกระบวนการออกแบบ โดยส่วนใหญ่อยู่ในสาขาสถาปัตยกรรมและการออกแบบ สถาปนิกคนแรกที่ใช้วัสดุทดลองและเทคโนโลยีนวัตกรรมในด้านสถาปัตยกรรมคือ ที. การ์นิเยร์ ผู้เขียนโครงการเมืองอุตสาหกรรม ในปี 1918 E. Jeanneret ซึ่งรู้จักกันในนามแฝง Le Corbusier ร่วมกับ A. Ozanfant เผยแพร่แถลงการณ์ของคอนสตรัคติวิสต์ ต่อจากนั้น P. Behrens เริ่มใช้วัสดุใหม่ดังกล่าวอย่างมีจุดประสงค์สำหรับศตวรรษที่ 20 เป็นคอนกรีตเสริมเหล็กโดยอาศัยความสามารถในการรับน้ำหนัก ภาพศิลปะที่แสดงออกขององค์ประกอบทางสถาปัตยกรรมโดยใช้คอนกรีตเสริมเหล็กประกอบขึ้นจากปริมาณที่รวมกันอย่างอิสระ ราวกับว่าลอยอยู่ในอากาศ สำหรับผู้ดูสถาปัตยกรรมดังกล่าว การกระทำของกองกำลังที่ซ่อนอยู่ภายในรูปแบบยังคงไม่เปิดเผยและคลุมเครือ จิตรกรรมคอนสตรัคติวิสต์แสดงภาพร่างคนในรูปแบบของท่อ เครื่องบิน และโครงสร้างโลหะ

ในรัสเซีย ภาพศิลปะของลัทธิคอนสตรัคติวิสต์เต็มไปด้วยทั้งเรื่องการเมืองและวิสัยทัศน์ที่ไร้เดียงสาของอนาคต โครงการที่สร้างขึ้นสำหรับการบินไม่ได้บิน แต่ถูกวางไว้ในพื้นที่พิพิธภัณฑ์เพื่อแสดงให้เห็นถึงความเป็นไปได้ของความคิดของมนุษย์ ถวายบ้านเป็นเครื่องอาศัย เก้าอี้ เป็นเครื่องนั่ง. บ่อยครั้งที่โครงการที่สร้างขึ้นสำหรับความฉลาดทั้งหมดนั้นไม่สามารถใช้งานได้ตามกฎแล้วไม่สามารถเกิดขึ้นได้ในเนื้อหา บ้านชุมชนคอนสตรัคติวิสต์นั้นไม่แสดงออก ไม่สะดวกสบายต่อการอยู่อาศัย: ประกอบด้วยกล่องสี่เหลี่ยม เซลล์และบล็อก พวกเขาใช้รูปทรงเรขาคณิตบังคับ พวกเขาขาดการเน้นภาพ - ภาพศิลปะของที่อยู่อาศัยดังกล่าวน่าเบื่อและไม่น่าดู บ้านดังกล่าวดูแปลกแยกจากทั้งธรรมชาติและกิจกรรมของมนุษย์ในเวลาเดียวกัน เช่น บ้านแถวบนถนนเลนินที่ตัดกับถนน Vostochnaya หรือถนน Lunacharsky ใน Yekaterinburg หรือสุสานของ V. Lenin ในปี 1924 บนจัตุรัสแดงในมอสโก โดย อ.ชูเซฟ. เพื่อเสริมการปฏิบัติทางศิลปะ นักคอนสตรัคติวิสต์ใช้กราฟิกสีในโครงการสถาปัตยกรรม ได้แก่ โปสเตอร์ ภาพตัดต่อ ต่อจากนั้น แนวคิดของคอนสตรัคติวิสต์ได้ถูกหยิบขึ้นมาและพัฒนาโดยแนวทางศิลปะ การทำงานที่ซึ่งการใช้งานง่ายและการบริโภคจำนวนมากได้กลายเป็นหลักการสำคัญสำหรับศูนย์รวมของรูปแบบศิลปะ

ขั้นตอนปัจจุบันในการพัฒนาศิลปะแนวหน้าเรียกว่าลัทธิหลังสมัยใหม่และมีอายุย้อนไปถึงยุค 70 ศตวรรษที่ 20 จนถึงตอนนี้. ศิลปะของลัทธิหลังสมัยใหม่นั้นเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดไม่เพียงแต่กับอนุสัญญาทางสังคมและวัฒนธรรมของเวลาเท่านั้น เนื่องจากทิศทางศิลปะใด ๆ ก็เชื่อมโยงกับสิ่งนี้ แต่มีลักษณะเฉพาะด้วยการเชื่อมโยงกับความสัมพันธ์ในระบบเศรษฐกิจและสังคม ซึ่งแตกต่างจากศิลปะสมัยใหม่ ลัทธิหลังสมัยใหม่นำเสนอบรรทัดฐานใหม่ของกิจกรรมทางศิลปะในการแยกตนเองของศิลปินออกจากโลก ในขณะเดียวกันลัทธิหลังสมัยใหม่ก็มุ่งเน้นไปที่ความชอบในชีวิตประจำวันของผู้คนตามอารมณ์ของสำนึกมวลชน ดังนั้นศิลปะหลังสมัยใหม่จึงเป็นศิลปะแบบผสมผสาน ผสมผสานประเพณีและนวัตกรรมในรูปแบบที่ไม่ธรรมดา มุ่งมั่นที่จะสร้างสภาพแวดล้อมการแสดงละครที่แสดงภาพศิลปะด้วยการประชดประชันและวิตถาร ศิลปะหลังสมัยใหม่ที่สดใสแสดงออกทางสถาปัตยกรรม ดนตรี ในรูปแบบภาพและการแสดงออกทางการออกแบบ ทุกวันนี้ เราไม่สามารถจินตนาการถึงชีวิตของเราได้โดยปราศจากอาคารสาธารณะที่มีเสาสีสันสดใส ร้านค้าที่มีการนำวัสดุใหม่ๆ มาใช้: อะลูมิเนียมอะโนไดซ์ เหล็กกล้าไร้สนิม หลอดนีออน เราต้องการซื้อของใช้ในครัวเรือนที่ทำให้เราแตกต่างจากคนทั่วไปและแสดงโลกทัศน์ของเราในเวลาเดียวกันกับความปรารถนาที่จะแสดงความสำคัญของชื่อแบรนด์ เราต้องการความบันเทิงและความแปลกใหม่จากวิทยุและโทรทัศน์ ทำให้ชีวิตสมัยใหม่ทั้งภายนอกและภายในไม่น่าเบื่อ การรับรู้ทางศิลปะแบบวัตถุธรรมชาติของชีวิตเป็นสิ่งที่แยกความแตกต่างของแรงบันดาลใจของศิลปะหลังสมัยใหม่

บรรพบุรุษของศิลปะหลังสมัยใหม่คือ ศิลปะป๊อป -ทิศทางศิลปะของ 50-60s ศตวรรษที่ XX โดยใช้ความเป็นกลางของรูปแบบของโลกโดยรอบซึ่งตรงกันข้ามกับคุณค่าอันยอดเยี่ยมของศิลปะนีโอโมเดิร์นนิสต์ ความเป็นจริงที่สำคัญที่อยู่รอบตัวประชาชนทั่วไปกลายเป็นความจริงที่ปรากฎ ป๊อปอาร์ตประกาศภาพศิลปะของตนว่าเป็นศิลปะสาธารณะยอดนิยม ในขณะที่ประกาศปฏิเสธการบริโภคเพื่อประโยชน์ในการบริโภคเท่านั้น E. Warhol, R. Lichtenstein พยายามที่จะเปิดเผยความสำคัญของบุคคลใดบุคคลหนึ่งเกี่ยวกับคุณค่าของการผลิตจำนวนมาก ศิลปินจำลองสิ่งของทั่วไปของชีวิตคนเมืองสมัยใหม่อย่างแท้จริง เช่น ของใช้ในบ้าน บรรจุภัณฑ์ของสินค้า ในงานศิลปะชิ้นเดียว แสดงถึงความสำคัญของความปรารถนาของคนทั่วไป ไม่ใช่เพื่อชนชั้นสูงและไร้เทียมทาน แต่เพื่อสิ่งที่มีค่าสำหรับชีวิตประจำวัน - ก แฮมเบอร์เกอร์ในมื้อเที่ยง วิธีการทางศิลปะของป๊อปอาร์ตได้แทรกซึมเข้าไปในภาษาของสื่อ โทรทัศน์ ภาพยนตร์ การถ่ายภาพ การ์ตูน โดยใช้เทคโนโลยีประชาสัมพันธ์ ในสหภาพโซเวียต แนวปฏิบัติทางศิลปะของป๊อปอาร์ตพบความต่อเนื่องในงานศิลปะของ Sots Art ในรูปแบบเหน็บแนมที่วิจารณ์ความเป็นจริงของสังคมนิยม

แนวโน้มที่สำคัญในศิลปะหลังสมัยใหม่คือ ที่เกิดขึ้นปรากฏในยุค 60 ภายใต้กรอบแนวทางปฏิบัติทางศิลปะของ tachisme และกลายเป็นปรากฏการณ์อิสระในยุค 70 ศตวรรษที่ 20 ภาพเหตุการณ์ทางศิลปะแสดงออกมาให้เห็นถึงการกระทำที่สร้างสรรค์ของ "เหตุการณ์ทางศิลปะ" หรือ "กระบวนการทางศิลปะ" ซึ่งส่วนใหญ่มักคำนวณสำหรับการมีส่วนร่วมพร้อมกันและเป็นธรรมชาติของศิลปินและผู้ชม การรวมเอาองค์ประกอบของโรงละคร ดนตรี ภาพวาด เหตุการณ์ที่เกิดขึ้นโดยพลการไม่ได้อาศัยโปรแกรมการดำเนินการที่พัฒนาขึ้นอย่างชัดเจน โดยมุ่งเน้นไปที่องค์ประกอบที่สร้างสรรค์ของกิจกรรมของมนุษย์เอง ตัวอย่างเช่น บนเวที ผู้ชมสามารถชมเด็กเล่น และการแสดงจะจบลงก็ต่อเมื่อเล่นเพียงพอแล้ว เด็กที่ไม่มีใครควบคุมจะออกจากเวทีไป การกระทำใด ๆ ของบุคคลที่อยู่ในกรอบของการแสดงขนาดเล็กสามารถได้รับคุณภาพทางศิลปะได้ ตัวอย่างเช่น ความปรารถนาของนักเปียโนในการเตรียมตัวสำหรับการเล่นเปียโน แสดงออกมาด้วยการชูมือขึ้นเหนือคีย์ หรือยืดหางของเสื้อคลุมในขณะที่นั่งยอง ๆ บนม้านั่งหน้าเปียโน ต่อมาในทศวรรษที่ 80 ศตวรรษที่ XX เหตุการณ์เกิดขึ้นใหม่ใน ประสิทธิภาพ,ซึ่งยังคงใช้ช่องว่างของโปรแกรมที่ค่อนข้างชัดเจนพร้อมวิธีจัดการการกระทำที่สร้างสรรค์และแนวคิดของการแสดงของศิลปิน "เดี่ยว" การปฏิบัติทางศิลปะในการแสดงมักจะใช้อุปกรณ์ประกอบฉาก เช่น ในรูปแบบป๊อปอาร์ตหรือการแสดงสดที่ประกอบขึ้นจากร่างกายคนหรือหุ่นเคลื่อนไหว การปฏิบัตินี้ใช้อย่างแข็งขันในโทรทัศน์และวิทยุเช่นในรายการตลกยอดนิยม "Comedy club"

นวัตกรรมในสาขาดนตรีในศิลปะหลังสมัยใหม่มีความเกี่ยวข้องกับดนตรีอิเล็กทรอนิกส์ ซึ่งก่อนหน้าคือการทดลอง โซนิก,โดยใช้การทดลองในด้านเสียงต่ำและลักษณะทั่วไปของดนตรีอิเล็กทรอนิกส์ทั้งหมด การแสดงดนตรี,ผสมผสานดนตรีและการอ่านวรรณกรรมเข้าด้วยกัน และสื่อถึงดนตรีป๊อปสมัยใหม่โดยใช้การเล่าซ้ำ เช่น แร็พหรือ RnB และ ชี้,ทดลองหยุดภาพชั่วคราวและกระตุ้นการพัฒนาสไตล์มินิมอลในรูปแบบต่างๆ

การแสดงหลักการของศิลปะหลังสมัยใหม่อย่างจริงจังคือทิศทางของศิลปะ แนวความคิด,ซึ่งในตัวมันเองค่อนข้างมีเงื่อนไขและต่างกัน เกิดในยุค 60 ในศตวรรษที่ 20 แนวทางศิลปะนี้กำลังได้รับการตระหนักในกิจกรรมศิลปะของศิลปินหลายคน ซึ่งนับเป็นการปฏิเสธหลักปฏิบัติของศิลปะแบบดั้งเดิมโดยสิ้นเชิงในยุคหลัง ภาพลักษณ์ทางศิลปะพื้นฐานของแนวคิดนิยมคือแนวคิดที่เป็นความคิดที่ไม่ได้รวมอยู่ในเนื้อหา แนวคิดเชิงเก็งกำไรจำเป็นต้องรวมอยู่ในการรับรู้ของการคิดเกี่ยวกับสิ่งนี้หรือวัตถุที่นำเสนอในฐานะสิ่งของหรือปรากฏการณ์ โดยไม่ได้อยู่ในภาพ แต่อยู่ในรูปของสิ่งประดิษฐ์ การผสมผสานวิธีการของปรัชญา, ภาษาศาสตร์, สุนทรียศาสตร์, คณิตศาสตร์, แนวความคิด R. Bury, D. Graham, S. Le Witt นำเสนอต่อความสนใจของผู้ชมด้วยสารคดีประกอบความคิดในรูปแบบของข้อความ, ภาพถ่าย, ข้อความที่ตัดตอนมาจากสารานุกรม, ภาพวาด ซึ่งจำเป็นอย่างยิ่งที่จะต้องแนบปรากฏการณ์ที่แสดงในรูปแบบทางศิลปะทางจิตใจเข้าไปด้วย ดังนั้นลักษณะเด่นที่สำคัญของแนวทางศิลปะดังกล่าวคือการกระทำ - การกระทำที่นำเสนอต่อความสนใจของผู้ชมในสิ่งที่จำเป็นต้องเดา

ทิศทางศิลปะอีกประการหนึ่งที่ใช้การกระทำแบบแอคชั่นอย่างแข็งขันเมื่อแสดงผลงานศิลปะของพวกเขาคือ ศิลปะการทำลายตนเองซึ่งเป็นการแสดงภาพทางศิลปะที่ขาดหายไปในลักษณะทางศิลปะ ซึ่งแสดงถึงความจริงทางศิลปะ นี่คือการแสดงของวาทยกรที่ไม่มีวงออร์เคสตรา นี่คือภาพวาดที่วาดด้วยสีที่หายไปในไม่กี่นาที นี่คือหนังสือที่ไม่มีเส้น ไม่ต้องการกำหนดมุมมองของเขาศิลปินไม่ได้แสดงให้เห็นถึงภาพลักษณ์ทางศิลปะ แต่เป็นความเงียบไม่ต้องการหลอกลวงไม่ทำให้เข้าใจผิดในการรับรู้งานศิลปะ

นอกจากนี้ แนวทางศิลปะที่ใช้เทคนิคและชั้นเชิงของการกระทำนิยมก็คือ ศิลปะสิ่งแวดล้อม,ซึ่งภาพศิลปะพยายามแสดงออกถึงความสัมพันธ์ของสิ่งมีชีวิตและสิ่งไม่มีชีวิตอย่างได้ผล ซึ่งเชื่อมโยงกับปัญหาสิ่งแวดล้อมในยุคสมัยของเรา ตัวอย่างเช่น เทคโนโลยีคอมพิวเตอร์ในการติดตั้งงานศิลปะเพื่อสิ่งแวดล้อมถูกนำเสนอในรูปแบบจิตวิญญาณ ทางศิลปะ ศิลปะจลนศาสตร์,เขาพยายามที่จะนำเสนอเครื่องจักรให้มีชีวิตและมีความหมายสำหรับบุคคล ทางศิลปะ ศิลปะบนบกแสดงถึงการนำองค์ประกอบทางศิลปะเข้าสู่ความเป็นจริงทางธรรมชาติที่มีชีวิตในรูปแบบของการประดิษฐ์ขึ้น ทางศิลปะ ศิลปะทางเลือกใช้เทคนิคทางแสงที่สร้างภาพลวงตาของการเคลื่อนไหวของส่วนต่างๆ ของเครื่องประดับและองค์ประกอบ

ศิลปินยังถูกประณามจากการทำให้ความเป็นจริงลึกลับและทำให้วิญญาณไม่มีชีวิต ไฮเปอร์เรียลลิสม์การฝึกแปลภาพดังกล่าวเป็นภาพถ่ายเรียกว่า photorealism ประกอบด้วยการใช้เทคนิคที่ลดการเขียนด้วยลายมือส่วนตัวของศิลปินให้เหลือน้อยที่สุด ในรูปแบบของการเตรียมการวาดบนแผ่นใส สีน้ำที่ใช้กับแอร์บรัช - ในการวาดภาพ หรือในรูปของวัสดุเทียมเลียนแบบผิวหนัง เส้นผม ในงานประติมากรรม ภาพศิลปะของไฮเปอร์เรียลลิสม์ช่วยฟื้นฟูความเป็นรูปธรรมของชีวิตโดยเลียนแบบรูปแบบธรรมชาติ ในหลาย ๆ ด้าน ไฮเปอร์เรียลลิสม์มีลักษณะเฉพาะคือความไร้ใบหน้า การตรึงกลไกของปรากฏการณ์ ซึ่งโดยพื้นฐานแล้วทำให้ทิศทางของศิลปะแนวเปรี้ยวจี๊ดนี้แตกต่างจากแนวโน้มที่เหมือนจริงของศิลปะเลียนแบบ

ตั้งแต่ช่วงปลายยุค 2000 ศตวรรษที่ 21 ขั้นตอนใหม่ในการพัฒนาศิลปะแนวหน้ากำลังก่อตัวขึ้นซึ่งยังไม่ได้รับชื่อและเรียกอย่างไม่เป็นทางการว่าลัทธิหลังสมัยใหม่ ค่านิยมของเวทีใหม่นี้ยังคงเป็นชนชั้นสูงและไม่ได้เข้ามาในชีวิตของคนสมัยใหม่ ดังนั้นเราจึงตรวจสอบรายละเอียดเกี่ยวกับค่ามวลของเปรี้ยวจี๊ดซึ่งส่งผลต่อชีวิตของพลเมืองของสหพันธรัฐรัสเซีย เจ้าหน้าที่ตำรวจที่ทำงานโดยตรงกับผู้คนในกิจกรรมวิชาชีพของเขาต้องคำนึงว่าโลกทัศน์ของพลเมืองส่วนใหญ่เกิดขึ้นบนพื้นฐานของศิลปะร่วมสมัยซึ่งทำให้เขาสามารถปกป้องคุณค่าของ a ได้อย่างแท้จริงและเต็มที่ ธรรมชาติสากล

ดังนั้นศิลปะแนวหน้าซึ่งพัฒนาตามกฎหมายภายในแสดงให้เห็นถึงกลไกที่ซับซ้อนและซ่อนเร้นของสถานการณ์ทางสังคมและวัฒนธรรมสมัยใหม่ที่พัฒนาขึ้นในเงื่อนไขของการพัฒนาสมัยใหม่ของสหพันธรัฐรัสเซียและอารยธรรมยุโรปทั้งหมด ชีวิตของบุคคลสะท้อนให้เห็นในการรับรู้งานศิลปะในงานอดิเรกของเขา ศิลปะสมัยใหม่ที่ปลดปล่อยตัวเองจากกรอบกฎเกณฑ์ที่เข้มงวด แสดงให้เราเห็นถึงบุคคลสมัยใหม่จากทุกมุมของความไม่ลงรอยกันของโลกภายในและองค์ประกอบภายนอก ความสามารถของเจ้าหน้าที่ตำรวจในการมองเห็นแรงจูงใจในการกระทำของบุคคลเนื่องจากบรรทัดฐานที่รับรู้จากศิลปะร่วมสมัยขยายความเป็นไปได้ในการดำเนินงานป้องกันและปราบปรามการกระทำผิดกฎหมายบางอย่าง

ขั้นตอนของการพัฒนาการรับรู้ทางศิลปะของเด็ก (ในบทเรียนวิจิตรศิลป์และวรรณคดี)

จากการวิจัยของนักจิตวิทยาสมัยใหม่พบว่าพัฒนาการของเด็กรวมถึงพัฒนาการทางศิลปะของเขาไม่ได้ดำเนินไปอย่างเป็นเส้นตรง แต่มีขั้นตอนและขั้นตอนที่แน่นอน ประการแรก การเปลี่ยนแปลงขั้นตอนถูกกำหนดโดย "การปรับโครงสร้างของประสบการณ์ภายใน" โดยการเปลี่ยนแปลงทัศนคติของเด็กต่อสิ่งแวดล้อม นั่นคือโดยการเปลี่ยนแปลงความต้องการและแรงจูงใจของเด็กที่ขับเคลื่อนพฤติกรรมของเขา แนวคิดของการพัฒนาอย่างค่อยเป็นค่อยไปของเด็กได้รับการพัฒนาโดย L.S. Vygotsky, A.N. Leontiev, แอลเอ เวนเกอร์, แอล.เอส. รูบินสไตน์, เค.แอล. โคเมนโก, D.B. Elkonin ในด้านการคิดเป็นกระบวนการของการก่อตัวของการกระทำทางจิตอย่างค่อยเป็นค่อยไป เอ.วี. Bakushinsky, V.A. เลวิน, บี.เอ็ม. เนเมนสกี้, บี.พี. ยูซอฟในด้านการพัฒนาความงามและศิลปะของเด็ก

ให้เราพิจารณาแนวคิดของ "การสำเร็จการศึกษา" ของการพัฒนาทางศิลปะของเด็กซึ่งนำไปใช้ในแนวคิดของการศึกษาวรรณกรรมระดับประถมศึกษาโดย V.A. เลวิน ตามแนวคิดของเขาเนื้อหาของการพัฒนาทางศิลปะคือการเคลื่อนไหวของเด็กจากการเล่นศิลปะตามลักษณะเฉพาะของเด็กก่อนวัยเรียนไปจนถึงการสื่อสารด้วยศิลปะ การเคลื่อนไหวนี้มีสี่ขั้นตอน

ขั้นตอนของการพัฒนาทางศิลปะของเด็กในแนวคิดของ V.A. เลวิน

* ขั้นตอนแรก: รวมความคิดสร้างสรรค์ของเกมและการสื่อสารในกลุ่มเด็ก

“ในระยะแรก เด็กจะเล่นกับงาน โครงสร้าง และองค์ประกอบของรูปแบบศิลปะ: จังหวะ ความกลมกลืนในดนตรีและบทกวี

ทำนองเพลงและทำนองในกวีนิพนธ์ มุมมองและมาตราส่วนสีในการวาดภาพ จังหวะและระดับเสียงในดนตรี เช่นเดียวกับการจัดองค์ประกอบ ทรอปิคอล ภาพตัวละคร ฯลฯ

ครูชี้เด็กไปทางขั้นตอน ไม่ใช่ด้านที่มีประสิทธิผลของเกม ไม่ใช่ "คิดอย่างประณีต น่าสนใจและสนุก!" แต่ "คิดให้ดี!" .

* ขั้นตอนที่สอง: การเรียนรู้องค์ประกอบของรูปแบบศิลปะเป็นเนื้อหาของเกม ในขั้นที่สอง ครูมุ่งให้นักเรียนปฏิบัติตามกฎของเกม “แต่งให้สอดคล้องกัน” กล่าวคือ ในขั้นนี้ “กฎของเกม” มีความชัดเจนมากขึ้น และต้องการให้ผู้เล่นดำเนินการด้วย วิธีการทางศิลปะที่ซับซ้อนมากขึ้น “ในเกมการศึกษาและศิลปะ เด็ก ๆ ค้นพบองค์ประกอบของรูปแบบทางศิลปะด้วยตนเอง วิธีการทางศิลปะเป็นสิ่งที่น่าสนใจที่จะเล่นด้วย แต่ไม่ใช่สิ่งที่จำเป็นต้องสอน และไม่ใช่สิ่งที่ผู้เขียนแสดงความรู้สึกของเขา”

ในขั้นตอนนี้เด็กจะค้นพบสองครั้ง มันเปิดโอกาสทางการสื่อสารของวิธีการทางศิลปะซึ่งในขั้นตอนที่สองทำหน้าที่เป็นวิธีการของเกม เขาค้นพบว่าตัวเองเป็นนักเขียนที่สามารถมีอิทธิพลต่อผู้อื่น อารมณ์ของพวกเขา การมองเห็นโลกและตัวเอง "ดังนั้นเขาจึงเชี่ยวชาญรูปแบบศิลปะในฐานะที่ใช้ในปัจจุบันในกิจกรรมทางศิลปะที่พัฒนาแล้ว - เป็นวิธีการสื่อสารพิเศษ - การสื่อสารด้วยศิลปะ"

* ขั้นตอนที่สี่: "การก่อตัวของทัศนคติในการสื่อสารและการประเมินต่อศิลปะ ในขั้นตอนนี้ตำแหน่งทางศิลปะและการสื่อสารจะถูกถ่ายโอนจากความคิดสร้างสรรค์ของเด็ก ๆ ไปสู่ผลงานของอาจารย์

ขั้นตอนในการสอนศิลปกรรม แนวคิดเกี่ยวกับพัฒนาการทางศิลปะของเด็กในสาขาวิจิตรศิลป์เป็นขั้นเป็นตอนนำเสนอในแนวคิดของ B.M. Nemensky และ B.P. ยูโซวา

ลำดับขั้นตอนการเปลี่ยนแปลงกำหนดโดย B.M. Nemensky โดยการเปลี่ยนระดับจิตสำนึกของเด็กจากระดับความคิดทางศิลปะทั่วไปเป็นระดับของการใช้ความรู้อย่างมีสติเพื่อทำความคุ้นเคยกับวัฒนธรรมศิลปะโลกอย่างอิสระ ขั้นตอนเหล่านี้แก้ไขการเปลี่ยนแปลงระดับโลกในจิตสำนึกของแต่ละบุคคล อย่างไรก็ตาม ไม่ได้สะท้อนถึงพัฒนาการของเด็กในรายละเอียดที่มากขึ้น แต่ไม่น้อยไปกว่ากัน

ในแนวคิดของบี.พี. Yusova - ขั้นตอนของการพัฒนาเด็ก กิจกรรมภาพกำหนดโดยเนื้อหาของภาพที่สร้างขึ้น ขั้นตอนแรก

ระยะเวลาของทัศนคติที่มีประสิทธิภาพในการวาดภาพ ประการที่สองคือช่วงเวลาของความสัมพันธ์เชิงวัตถุของการวาดภาพ (มีข้อกำหนดที่เข้มงวดมากขึ้นสำหรับการวาดภาพว่ามีคุณสมบัติเหมือนวัตถุจริง) และช่วงที่สามคือช่วงเวลาของการดำเนินการทางศิลปะ (ความคิด การประเมินสุนทรียภาพ การเปิดเผยความหมาย พรรณนาโดยวิธีการจัดองค์ประกอบเฉพาะได้รับบทบาทนำ) การเคลื่อนไหวที่ทำเครื่องหมายไว้อย่างถูกต้อง ตั้งแต่ความเป็นรูปเป็นร่างไปจนถึงความชัดเจนของภาพจะไม่แสดงการเปลี่ยนแปลงในเนื้อหาของภาพ

ความต่อเนื่องและการพัฒนาความคิดของ V.A. เลวินเกี่ยวกับพัฒนาการทางศิลปะแบบ "ค่อยเป็นค่อยไป" ของเด็กในฐานะการเคลื่อนไหวจากการเล่นกับศิลปะไปจนถึงการสื่อสารด้วยศิลปะในสาขากิจกรรมทางสายตา เราสามารถพิจารณาแนวคิดของผู้เขียนเกี่ยวกับพัฒนาการทางศิลปะของเด็กในกระบวนการของกิจกรรมทางสายตา

แนวคิดนี้มีคุณสมบัติหลายประการ

* คุณลักษณะแรก การเปลี่ยนแปลงในขั้นตอนของการพัฒนาการรับรู้ทางศิลปะของเด็กนั้นเผยให้เห็นว่าเป็นกระบวนการของการเรียนรู้รหัสการรับรู้ใหม่โดยเด็ก รหัสของการรับรู้เข้าใจในกรณีนี้ว่าเป็นวิธีการถอดรหัสความเป็นจริงที่แท้จริงหรือศิลปะ เป็นการตั้งค่าในการทำความเข้าใจสิ่งที่รับรู้

ขั้นแรก เด็กจะเชี่ยวชาญรหัสการรับรู้เชิงโครงสร้างและหน้าที่ ในกิจกรรมการมองเห็นของเขาความสามารถในการเข้าใจและกำหนดรูปแบบของโครงสร้างและสภาพการทำงานของวัตถุและชิ้นส่วนของวัตถุนั้นแสดงและพัฒนาในรูปวาด จากนั้นเด็กจะเชี่ยวชาญรหัสการรับรู้โครงสร้างเชิงพื้นที่ เขาคือผู้ที่อนุญาตให้เด็กปรับปรุงการวางแนวในพื้นที่ทางกายภาพและเข้าใจความสัมพันธ์ของวัตถุแต่ละชิ้น และในที่สุดเด็กจะเชี่ยวชาญรหัสการรับรู้ที่เชื่อมโยงและจังหวะ รหัสนี้ช่วยให้คุณสังเกตเห็นในความเป็นจริงและงานศิลปะของการเชื่อมโยงเชื่อมโยงระหว่างวัตถุและปรากฏการณ์ที่แตกต่างกัน การจัดตำแหน่งจังหวะของโลกและปฏิกิริยาทางอารมณ์ของคุณเองต่อลำดับจังหวะที่เขาค้นพบ การเรียนรู้รหัสนี้เป็นสิ่งสำคัญอย่างยิ่งสำหรับการพัฒนาทางศิลปะของเด็ก ท้ายที่สุดแล้ว จังหวะเป็นวิธีการที่สำคัญที่สุดในการทำให้โครงสร้างของงานศิลปะคล่องตัว และตามคำนิยามของ M.Yu Lotman รหัสการรับรู้ที่นำมาใช้ในโครงสร้างของข้อความ

การเรียนรู้รหัสการรับรู้นี้ต้องการอิทธิพลการสอนที่กระตือรือร้นในส่วนของผู้ใหญ่ในฐานะผู้ถือวัฒนธรรมซึ่งแตกต่างจากสองข้อก่อนหน้านี้

* คุณลักษณะที่สอง การเปลี่ยนแปลงขั้นตอนนั้นพิจารณาจากระดับความเข้าใจของเด็กในกระบวนการรับรู้ ระดับความเข้าใจถูกกำหนดให้เป็นความสามารถของเด็กในการสนทนากับตัวเอง กับผู้เขียนงาน กับวัฒนธรรม และในลำดับนั้น

* คุณลักษณะที่สาม ขั้นตอนของพัฒนาการทางศิลปะของเด็กนั้นพิจารณาจากรูปแบบการพัฒนาการวาดภาพของเด็ก

กระบวนการตามธรรมชาติของการพัฒนาการวาดภาพของเด็กในผลงานของนักจิตวิทยาอธิบายว่าเป็นการเคลื่อนไหวจากการจัดการกับวัสดุทางศิลปะไปจนถึงการเดาร่องรอยของกิจกรรมในรูปแบบเฉพาะของโลกแห่งความเป็นจริง (L.S. Vygotsky, A.V. Bakushinsky, R. Arnheim, V.S. Mukhina และอื่น ๆ )

เรายังคงพัฒนากิจกรรมการมองเห็นของเด็กจากการจัดการกับวัสดุทางศิลปะไปจนถึงการสร้างภาพที่เด็กต้องผ่านอย่างอิสระเส้นของการเคลื่อนไหวจากการจัดการกับโครงสร้างจังหวะของรูปแบบศิลปะไปจนถึงการค้นพบของมัน ความเป็นไปได้ในการแสดงออก ยิ่งไปกว่านั้น - เพื่อการค้นพบภาษาศิลปะในฐานะเครื่องมือสื่อสารซึ่งเป็นรหัสสำหรับการรับรู้ผลงานศิลปะ

* คุณลักษณะที่สี่ ขั้นตอนของการพัฒนาการรับรู้ทางศิลปะของเด็กนั้นพิจารณาจากการค้นพบที่เด็กทำขึ้นบนพื้นฐานของกิจกรรมทางศิลปะและการปฏิบัติของเขาเอง

การรับรู้ผลงานของอาจารย์รวมอยู่ในชั้นเรียนในทุกขั้นตอนของการพัฒนาเด็ก แต่เด็กไม่จำเป็นต้องเห็นในผลงานที่เขายังไม่เคยสัมผัสและค้นพบในผลงานของเขาเอง วิธีการนี้ขึ้นอยู่กับแนวคิดที่พัฒนาขึ้นในทฤษฎีกิจกรรมและเหนือสิ่งอื่นใดคือแนวคิดเกี่ยวกับความสำคัญอย่างยิ่งยวดของกิจกรรมที่มีประสิทธิผลสำหรับการพัฒนาเด็ก ในการสอนศิลปะ ข้อความนี้ก่อให้เกิดความเข้าใจว่ามีเพียงการฝึกฝนทางศิลปะของตนเอง (ภาพของตนเอง การเล่าขานของตนเอง...) เท่านั้นที่สามารถทำให้เด็กตระหนักถึงเงื่อนไขของสถานการณ์ได้ -ค้นหา” ตำแหน่ง (ตามที่ Bakhtin นิยามไว้) ที่จะกลายเป็นผู้เขียน-ผู้ชม

ตำแหน่งนี้ยังสอดคล้องกับข้อสรุปจากการศึกษาของนักจิตวิทยาและศิลปินที่อุทิศให้กับลักษณะของการรับรู้ทางศิลปะที่เป็นผู้ใหญ่ จากการศึกษาเหล่านี้ คุณสมบัติของการรับรู้ทางศิลปะ เช่น ความสมบูรณ์ โครงสร้าง ความไม่แน่นอน ถูกสร้างขึ้นและพัฒนาอย่างแม่นยำบนพื้นฐานของกิจกรรมทางศิลปะเชิงปฏิบัติ

มีทั้งหมดสามขั้นตอน

ขั้นที่ 1 บิดเบือน - ภาพ (1-5 ปี) ในขั้นตอนนี้การพัฒนารหัสโครงสร้างและหน้าที่ของการรับรู้ภาพจะเกิดขึ้น ในกระบวนการของกิจกรรมบิดเบือนความเป็นไปได้ทางสายตาของวิธีการและวัสดุทางศิลปะจะเปิดขึ้น

Stage II เป็นภาพและการแสดงออก (6-9 ปี) ในขั้นตอนนี้รหัสการเชื่อมโยงและจังหวะของการรับรู้ทางสายตาจะพัฒนาขึ้น ในกระบวนการเล่นกับการจัดจังหวะขององค์ประกอบของรูปแบบพลาสติกความเป็นไปได้ในการแสดงออกขององค์ประกอบของภาษาศิลปะจะเปิดขึ้นบทสนทนา I - I am different นั้นเชี่ยวชาญความสามารถในการดำเนินการสนทนา I - ผู้แต่ง ปรากฏในกิจกรรมร่วมกับครู

Stage III ศิลปะและการสื่อสาร (อายุ 10-14 ปี) ในขั้นตอนนี้รหัสการเชื่อมโยงและจังหวะของการรับรู้ทางสายตาจะพัฒนาขึ้น ในกระบวนการของความคิดสร้างสรรค์บนพื้นฐานของการออกแบบการสื่อสารของตนเองและการทดลองกับโครงสร้างของงานศิลปะ ภาษาของศิลปะถูกเปิดเผยในฐานะหลักการของการจัดระเบียบการรับรู้เป็นรหัสของการรับรู้ บทสนทนา I am the Author, Author are Culture, I am Culture เชี่ยวชาญ แต่ละขั้นตอนสอดคล้องกับระดับการพัฒนาการรับรู้ของเด็กซึ่งไม่ได้กำหนดตามอายุ แต่โดยการได้มาซึ่งบุคลิกภาพทางจิตวิทยา (คุณลักษณะนี้ทำให้รูปแบบนี้ใช้ได้กับการพัฒนาการรับรู้ของผู้ใหญ่) และกำหนดลักษณะของสุนทรียศาสตร์ การรับรู้โดยธรรมชาติในระดับนี้

ขั้นที่ 1 สอดคล้องกับประเภทการรับรู้โดยตรงทางอารมณ์หรือไร้เดียงสาที่เหมือนจริง

อารมณ์ของการได้สัมผัสกับความเป็นจริงและผลงานศิลปะ

ความฉับไวของประสบการณ์นี้

ทัศนคติต่อวัสดุและวิธีการทางศิลปะในการวาดภาพวัตถุและเหตุการณ์

Stage II สอดคล้องกับการรับรู้ประเภทศิลปะเกม

การรับรู้ประเภทนี้มีลักษณะดังนี้:

เจตคติต่อวัสดุและวิธีการทางศิลปะในฐานะวัสดุที่ใช้เป็นตัวแทนและวิธีการเล่น ผลที่ตามมาคือการค้นพบคุณสมบัติที่แสดงออกของวิธีการและเทคนิคทางศิลปะ

Stage III สอดคล้องกับการรับรู้ทางศิลปะและการสื่อสาร มันโดดเด่นด้วย:

อารมณ์ของประสบการณ์

ทัศนคติต่อภาษาศิลปะเป็นวิธีการสร้างภาพลักษณ์ของตนเองต่อโลกและเป็นวิธีการสื่อสารทางศิลปะ

ขั้นตอนที่นำเสนอสะท้อนให้เห็นถึงทิศทางเชิงกลยุทธ์ในการพัฒนาเด็กจากการเล่นไปจนถึงการสื่อสารในภาษาศิลปะ อย่างไรก็ตาม ในแต่ละช่วงจะมีช่วง (ขั้นตอน) ที่เปิดเผยกระบวนการพัฒนาของเด็กในเส้นทางที่ซับซ้อนมากขึ้น ขั้นตอนเหล่านี้ถูกกำหนดโดยธรรมชาติของการใช้วัสดุและวิธีการทางศิลปะของเด็ก เช่นเดียวกับการค้นพบที่เกิดขึ้นในกระบวนการของกิจกรรมทางศิลปะ ขั้นตอนของการพัฒนาการรับรู้ทางศิลปะของเด็กจึงได้รูปแบบดังต่อไปนี้

แต่ละขั้นตอน (ขั้นตอน) ในการพัฒนาการรับรู้ทางศิลปะของเด็กนั้นมีพารามิเตอร์หลายตัวในการพิจารณาว่าเราใช้พารามิเตอร์ของขั้นตอนการทำความคุ้นเคยกับศิลปะในแนวคิดของ V.A. เลวิน

1. อายุที่บอบบางของเด็ก

2. งานสอนที่กำหนดการได้มาของเวที

3. วิธีการสอนในการแก้ปัญหาของขั้นตอนนี้

4. เกณฑ์ที่ครูประเมินการกระทำของเด็กด้วยวัสดุศิลปะในขั้นตอนนี้และเกณฑ์สำหรับการประเมินตนเองของกิจกรรมของเด็กที่เกิดขึ้นในขั้นตอนนี้

5. เกณฑ์การประเมินตนเองของเด็กที่เกิดขึ้นในขั้นตอนนี้

6. สัญญาณที่ครูสามารถระบุได้ว่าผ่านขั้นตอนแล้วและถึงเวลาที่ต้องไปยังขั้นตอนต่อไปนั่นคือเปลี่ยนงานสอนหันไปใช้วิธีสอนใหม่เปลี่ยนเกณฑ์การประเมินการกระทำของเด็ก

พิจารณาขั้นตอนที่สาม สี่ ห้า และหกในการพัฒนาการรับรู้ทางศิลปะของเด็ก ซึ่งสอดคล้องกับวัยก่อนวัยเรียนตอนปลายและวัยประถมศึกษา

ขั้นตอนที่สอง ขั้นตอนที่สาม

เล่นกับการจัดจังหวะขององค์ประกอบศิลป์

(1) Sensitive อายุ 6-9 ปี

(2) งานสอน:

* การพัฒนาทักษะการปฏิบัติในเด็กก่อนวัยเรียนในการเล่นวิธีการทางศิลปะ: จังหวะ, สี, ขนาด, เส้น, จุด, จังหวะ

* การเรียนรู้โดยเด็กของวิธีการทางศิลปะเป็นเนื้อหาและกฎ (เงื่อนไข) ของเกม

* การก่อตัวของความพร้อมและความสามารถของเด็กในการประเมินการกระทำของพวกเขาด้วยเนื้อหาทางศิลปะว่าสอดคล้องหรือไม่สอดคล้องกับเงื่อนไขของเกมกฎของเกม

* เปิดภาพความเป็นไปได้พิเศษของรูปแบบนามธรรม

* การสร้างเงื่อนไขสำหรับประสบการณ์โดยตรงทางอารมณ์ของเด็กเกี่ยวกับการแสดงออกของรูปแบบการจัดระเบียบเป็นจังหวะ เด็กยังไม่ทราบถึงความเป็นไปได้ในการรวบรวมประสบการณ์ แต่คาดการณ์ไว้ล่วงหน้าแล้ว

(3) วิธีการสอน:

* งาน - "แบบฝึกหัด" ซึ่งเป็นเกมที่มีโครงสร้างจังหวะในรูปแบบนามธรรม งานได้รับการออกแบบในลักษณะที่พวกเขาสร้างเงื่อนไขสำหรับการสร้างรูปแบบการแสดงออกโดยไม่ได้ตั้งใจโดยเด็ก กฎของเกมเหล่านี้จำกัดทางเลือกของวิธีการทางศิลปะ กำหนดการจัดจังหวะของภาพนามธรรมที่สร้างขึ้น

ในขณะเดียวกัน กฎก็ค่อนข้างยืดหยุ่น ดังนั้นจึงปล่อยให้มีที่ว่างสำหรับการแสดงออกโดยธรรมชาติของเด็ก เพื่อให้เด็กได้ริเริ่ม กฎที่เด็กปฏิบัติตามในกรณีนี้ไม่เพียง แต่ขึ้นอยู่กับตรรกะของงานเท่านั้น แต่ยังรวมถึงประสบการณ์ทางอารมณ์ของเด็กเองรวมถึงความชอบด้านสุนทรียศาสตร์ของเขาด้วย

* การไตร่ตรองแบบฝึกหัดกับเพลงที่สอดคล้องกับอารมณ์ของแบบฝึกหัดมากที่สุด

* เกม "มีลักษณะอย่างไร" ขณะคิดออกกำลังกาย เด็กสร้างภาพอย่างกระตือรือร้นไม่แสดงความสนใจในการวิเคราะห์ผลงานที่สร้างขึ้น ความสนใจทั้งหมดของเขาจดจ่ออยู่ที่การกระทำเอง จากประสบการณ์ตรงในกระบวนการของการกระทำนี้ เกม "มันมีลักษณะอย่างไร" ในการรับรู้ผลงานจะทำให้กระบวนการนี้ เด็กที่น่าสนใจ. ภายในเกมแอ็กชัน เขาจะเปิดโอกาสใหม่ๆ สำหรับภาพ และวิธีการใหม่ๆ ในการทำความเข้าใจ

* การปรากฏตัวของรูปแบบ (กฎ) ที่เด็กส่งภาพของเขา กฎเหล่านี้อาจไม่ตรงกับที่ครูกำหนดเนื่องจากเด็กเบี่ยงเบนจากงานเพราะเขามีวิสัยทัศน์ของตัวเองในกระบวนการทำงานให้เสร็จหรือเขาไม่เข้าใจครูเพราะงานกลายเป็น จะยากเกินระดับที่เด็กพร้อมรับมือ สิ่งสำคัญคือรูปแบบในโครงสร้างจังหวะจะถูกอ่านในภาพวาดและสามารถกลายเป็นเรื่องของประสบการณ์และความเข้าใจได้

* การตอบสนองทางอารมณ์ต่องานของตนเอง งานของเด็ก และศิลปินคนอื่นๆ ความเต็มใจที่จะสนับสนุนเกมและนำมัน

* ความสามารถในการสังเกตรูปแบบจังหวะในวัตถุและปรากฏการณ์ของโลกโดยรอบ

ความสามารถในการปฏิบัติตามกฎของงานและค้นหาการเปรียบเทียบ (สมาคม) ที่คาดไม่ถึงสำหรับตนเองและผู้อื่นเมื่อรับรู้งาน

* ความสามารถของเด็กในการปฏิบัติตามกฎเมื่อสร้างภาพ

* การสร้างองค์ประกอบที่แสดงออกโดยไม่ได้ตั้งใจ

* ความมีชีวิตชีวาของชุดเชื่อมโยงในการรับรู้ของ "แบบฝึกหัด"

ขั้นตอนที่สอง ขั้นตอนที่สี่

การสร้างภาพตามรูปแบบโครงสร้างจังหวะ

(1) อายุที่อ่อนไหวเหมือนกัน: 6-9 ปี

(2) งานสอน:

* การค้นพบโดยเด็ก ๆ เกี่ยวกับความเป็นไปได้ในการแสดงออกของโครงสร้างจังหวะของรูปแบบ

* การค้นพบประสบการณ์และทัศนคติของตนเองต่อปรากฏการณ์ที่เป็นเนื้อหาของภาพ

* เปิดบทสนทนา ฉัน-ฉันแตกต่าง

* การพัฒนาทักษะการปฏิบัติในการเรียนรู้วิธีการทางศิลปะ (จังหวะ, สี, ขนาด, เส้น, จุด, จังหวะ) เพื่อสร้างภาพที่แสดงออก

(3) วิธีการสอน:

* งานสำหรับการสร้างองค์ประกอบ

ในตัวพวกเขา เด็ก ๆ ได้ใช้ความเป็นไปได้แบบเปิดของรูปแบบนามธรรมอย่างมีสติอยู่แล้ว โดยแต่ละรูปแบบในแบบของเขาเอง เนื่องจากรูปแบบนามธรรมที่เกิดในแบบฝึกหัดทำให้สามารถตีความภาพที่คาดเดาได้อย่างอิสระ ดังนั้น เด็กจึงได้รับโอกาสอย่างแรก ไม่ให้คัดลอก แต่สร้างแบบจำลองพื้นที่ ธีม (โครงเรื่อง) และแนวคิดของการแต่งเพลงถูกกำหนดไว้แล้ว (แนะนำ) โดยแบบฝึกหัด วิธีการทางศิลปะสำหรับการตระหนักถึงความคิดนั้นได้รับจากแบบฝึกหัด อย่างไรก็ตาม เด็กมีความรู้สึกอิสระอย่างสมบูรณ์ในการเลือกทั้งวิธีการและธีมของภาพ เนื่องจากประการแรก เขามีอิสระที่จะเลือกตัวเลือกที่เป็นไปได้ ประการที่สองและที่สำคัญที่สุด ทางเลือกของเขาถูกกำหนดโดยความจริงใจของประสบการณ์ตรงที่เกิดจากการรับรู้รูปแบบและความสุขจากการค้นพบใหม่ ควรเพิ่มเติมว่าความเข้าใจในความเป็นไปได้ของรูปแบบการจัดระเบียบเป็นจังหวะเกิดขึ้นก่อนในระดับของกระบวนการที่หมดสติ ในตอนแรกเด็กใช้วิธีการทางศิลปะเป็นความเป็นไปได้ทางการมองเห็นใหม่ เพียงคาดการณ์ล่วงหน้า แต่ไม่รู้ว่าแหล่งที่มาของประสบการณ์ อย่างไรก็ตาม ไม่จำเป็นต้องอธิบายให้เด็กเข้าใจ นอกจากนี้ยังเป็นอันตรายมาก การรับรู้จะเกิดขึ้นหากเขาอธิบายทุกอย่างให้กับตัวเองในกระบวนการของงานที่ตามมา (การไตร่ตรองถึงการประพันธ์เพลงและการแสดงออกทางวาจาของความประทับใจจากการแต่งเพลง)

* การไตร่ตรององค์ประกอบเพลงที่สอดคล้องกับอารมณ์ของพวกเขามากที่สุด

* การแสดงออกทางวาจาโดยตรงของความประทับใจจากการไตร่ตรองถึงผลงานของพวกเขา

เด็ก ๆ เลือกสำหรับการประเมินโดยตรงของแต่ละคน งานที่พวกเขาชอบมากที่สุด และไม่จำเป็นต้องเป็นของตนเอง มันเป็นสิ่งสำคัญสำหรับครูที่จะชื่นชมกับเด็กเพื่อให้ทุกคนได้ยินคำพูดของเขา ในเวลาเดียวกันเขาเน้นความสนใจของเด็ก ๆ ในข้อความที่สะท้อนไม่เพียง แต่ความเข้าใจในโครงเรื่องที่ปรากฎ แต่ยังรวมถึงประสบการณ์ของโครงเรื่องทัศนคติต่อเหตุการณ์ความไม่สอดคล้องกันของประสบการณ์ ชุดรูปแบบทั่วไป ข้อ จำกัด ในการเลือกวิธีการทางศิลปะและในเวลาเดียวกัน - ความรู้สึกประสบการณ์สถานะอารมณ์ความสัมพันธ์ที่แตกต่างกันซึ่งเด็ก ๆ คัดค้านในแถลงการณ์ด้วยวาจาสร้างเงื่อนไขสำหรับการค้นพบที่ชี้ขาดสำหรับการพัฒนาทางศิลปะของพวกเขา: การค้นพบโครงสร้างของรูปแบบอันเป็นที่มาของประสบการณ์ การค้นพบความเป็นไปได้ในการแสดงออกของภาษาศิลปะ การค้นพบนี้จะไม่เกิดขึ้นพร้อมกัน แต่เป็นผลมาจากการทำซ้ำหลายครั้งของขั้นตอนเหล่านี้ การขึ้นหลายครั้งจากขั้นตอนที่สามไปยังขั้นตอนที่สี่ แต่ผลที่ตามมาคือการค้นพบของเด็กเองซึ่งนำไปสู่การระเบิด: ความสามารถในการสร้างโครงสร้างของตัวเอง ทำลายขีดจำกัดของโซลูชั่นสำเร็จรูป เอเลี่ยน ที่รู้จักกันก่อนหน้านี้

* การรับรู้ร่วมกันของผลงานของปรมาจารย์ที่สอดคล้องกันในธีมหรือเทคนิคทางศิลปะที่ใช้กับงานปัจจุบันของเด็ก

ในการเชื่อมโยงงานของเขากับงานมืออาชีพ เด็กจะค้นพบโครงสร้างจังหวะของงานศิลปะ เปิดโอกาสใหม่ๆ สำหรับวิธีการทางศิลปะและการใช้งาน ซึ่งช่วยกระตุ้นการทดลองเพิ่มเติมของตนเอง

(4) เกณฑ์ที่ครูประเมินการกระทำของเด็กด้วยวัสดุศิลปะในขั้นตอนนี้:

* การแสดงออกขององค์ประกอบ (ตอนแรกไม่ได้ตั้งใจ

การขอความช่วยเหลือซ้ำ ๆ เพื่อทดลองกับโครงสร้างของแบบฟอร์ม - กลายเป็นผลของการมองการณ์ไกลทำงานตามแผน)

* ความซับซ้อนของการสร้างจังหวะ

* ความมีชีวิตชีวาของเฉดสี

* ความสามารถของเด็กในการพูดด้วยวาจาประสบการณ์ของเขาในรูปแบบ

* ความสามารถในการสังเกตรูปแบบจังหวะในวัตถุและปรากฏการณ์ของโลกโดยรอบและในโครงสร้างของงานศิลปะ

(5) เกณฑ์การประเมินตนเองของเด็กที่เกิดขึ้นในขั้นตอนนี้:

เด็กค้นพบความสามารถของเขาในการทำความเข้าใจและประเมินเนื้อหาใหม่ของภาพ (ประสบการณ์ที่รวมอยู่ในภาพ)

(6) เกณฑ์ความพร้อมในขั้นต่อไป

* ความสามารถในการวิเคราะห์ประสบการณ์ของตนเอง (ความสามารถในการดำเนินการสนทนา ฉัน - ฉันแตกต่าง)

* การเปลี่ยนแปลงอย่างมีสติโดยเด็กของงานของครูเพื่อให้ได้การแสดงออกที่มากขึ้น (พร้อมสำหรับการสนทนาฉันเป็นผู้แต่ง)

* ความสามารถในการพูดความสัมพันธ์ของประสบการณ์และรูปแบบเมื่อรับรู้ผลงานของตนเองและผลงานของปรมาจารย์

ขั้นตอนที่สาม ขั้นตอนที่ห้า

ความคิดสร้างสรรค์ขึ้นอยู่กับความตั้งใจในการสื่อสารของคุณเอง

(1) วัยที่อ่อนไหว: อายุ 10-14 ปี

(2) งานสอน:

* การค้นพบภาษาศิลปะ โครงสร้างจังหวะเป็นหลักการจัดระเบียบการรับรู้ (การค้นพบผู้เขียนในตัวเอง).

* เปิดภาษาศิลปะเป็นรหัสแห่งการรับรู้ (เชี่ยวชาญบทสนทนา I am the Author)

(3) วิธีการสอน:

* ทดลองกับการจัดระเบียบจังหวะของแบบฟอร์ม ("แบบฝึกหัด")

* ความเข้าใจร่วมกันในหัวข้อที่เป็น "ความขัดแย้ง", "ความลึกลับ", "ความลึกลับ"

จุดประสงค์ของชั้นเรียนเหล่านี้คือเพื่อสัมผัสกับปรากฏการณ์และค้นพบความไม่ลงรอยกันและทัศนคติที่ขัดแย้งต่อปรากฏการณ์ ทั้งในหมู่เด็กเองและในวัฒนธรรม เข้าใจแนวคิดขององค์ประกอบเป็น "เจตนา - ประสบการณ์", "เจตนา - ความสัมพันธ์"

* การอภิปรายเกี่ยวกับตัวเลือกสำหรับรูปแบบของศูนย์รวมของความคิด, การสร้างตัวเลือกทางจิต จุดประสงค์ของการอภิปรายคือเพื่อสร้างภาพลักษณ์ของอิทธิพลในอุดมคติ (พื้นฐานของแผนการสื่อสาร)

* การสร้างองค์ประกอบตามแผนการสื่อสารของคุณเอง

ในตัวพวกเขา เด็ก ๆ ได้ใช้ความเป็นไปได้ทางการแสดงออกของภาษาศิลปะที่พวกเขาค้นพบและทดลองกับความเป็นไปได้เหล่านี้ ในองค์ประกอบของขั้นตอนที่แล้ว ความตั้งใจของเด็กมีทั้งแบบรูปภาพหรือแบบสื่อความหมายอยู่แล้ว แต่เกิดจากการปรับเปลี่ยนความตั้งใจของผู้ใหญ่ ครูสร้างทั้งอารมณ์ทางอารมณ์ของเด็ก ๆ (สัมผัสกับความคิด) และเงื่อนไขสำหรับการค้นพบโดยเด็ก ๆ ของวิธีการทางศิลปะที่จำเป็นสำหรับการนำความคิดนี้ไปใช้ จริงอยู่ที่เด็ก ๆ รับรู้ความคิดนี้อย่างจริงใจเนื่องจากความรุนแรงของประสบการณ์ทางอารมณ์ และนี่คือเงื่อนไขที่จำเป็นสำหรับการทำงานร่วมกันของครูและเด็กซึ่งเป็นสาระสำคัญของการสร้างสรรค์ร่วมกันการประพันธ์ร่วม

ในแต่ละขั้นตอนของการเรียนรู้ กระบวนการสร้างสรรค์ถือเป็นการกระทำที่สมบูรณ์ ฟังก์ชั่นที่เด็กยังไม่สามารถใช้ได้ในกระบวนการนี้ครูเป็นผู้ดำเนินการ ค่อยๆ ถ่ายโอนไปยังเด็กเมื่อพวกเขาเรียนรู้ ในองค์ประกอบของขั้นตอนที่สาม เด็กได้รับรู้ถึงความตั้งใจของเขาในฐานะความสัมพันธ์พิเศษกับปรากฏการณ์ และสิ่งที่สำคัญ เขาตระหนักถึงความแตกต่างระหว่างประสบการณ์ของเขาเอง ความสัมพันธ์กับความสัมพันธ์ที่เขาเคยมีหรือมีอยู่ ในวัฒนธรรม มันเป็นสิ่งสำคัญสำหรับครูที่จะสนับสนุนความรู้สึกของเด็กที่มีความพิเศษในประสบการณ์ของเขาเอง การค้นหาและการปรับแต่งวิธีการแสดงออกจะกลายเป็นสำหรับเด็ก ไม่ใช่แค่เกมหรือการทดลอง แต่เป็นการสร้างสรรค์ทางศิลปะอย่างแท้จริง

จำเป็นต้องมีแบบฝึกหัดในขั้นตอนนี้เพื่อรักษาบรรยากาศของเกมเปิดเผยความเป็นไปได้ที่ไม่ จำกัด ของภาษาศิลปะและนำการค้นหาที่สร้างสรรค์ของเด็ก ๆ ไปยังพื้นที่ที่สัมผัสกับรูปแบบและค้นหาวิธีการใหม่ตามประสบการณ์ของพวกเขาเอง ตรรกะของการทำซ้ำที่รู้จัก

*การคิดเรียบเรียงเพลงให้เข้ากับอารมณ์

* การวิเคราะห์งานของตัวเอง

เด็กมีความสนใจในกระบวนการนี้อยู่แล้ว เขาสามารถแสดงประสบการณ์ของเขาด้วยวาจาและรับรู้ถึงสิ่งเหล่านี้ได้

ผู้ชายตัวเล็ก ๆ คนหนึ่งเข้ามาในโลกที่ใหญ่และซับซ้อนของผู้ใหญ่ ในโลกที่สดใส สนุกสนาน มีหลายเสียงและหลากสี เราต้องช่วยให้เด็กๆ ค้นพบและตกหลุมรักกับความงามของบทกวี ภาพวาด และดนตรี ศิลปะช่วยให้เด็กเข้าร่วมความดีเพื่อประณามความชั่วร้าย ศิลปะสะท้อนชีวิตแสดงทัศนคติที่มีต่อมัน แต่ตัวชีวิตเอง - ชีวิตของบุคคลและงานของเขา ธรรมชาติ และโลกแห่งความเป็นจริง - ทั้งหมดนี้เป็นแหล่งที่ป้อนประสบการณ์สุนทรียะของเด็ก

สดใส โดดเด่น มองเห็นได้ น่าดึงดูด ก่อนอื่นเด็ก ๆ มองว่าสวยงาม การพบปะกับเขาทำให้เด็กพอใจ เขาเชี่ยวชาญในชีวิตและศิลปะ สี เส้น เสียง จังหวะของการเคลื่อนไหว สมมาตรและอสมมาตร ซึ่งจะค่อยๆ ปรากฏขึ้นต่อหน้าเขาในรูปแบบและคุณสมบัติที่สวยงามในขณะที่เขาพัฒนา

ความร่ำรวยของปรากฏการณ์แห่งความเป็นจริงจะเปิดเผยต่อเด็ก ๆ หากพวกเขาได้รับการสอนให้ฟังเสียงและเสียงของธรรมชาติเพื่อมองดูความงามของมันอย่างใกล้ชิด

ธรรมชาติปรากฏต่อหน้าเด็กด้วยสีที่สว่างที่สุดค่อยๆเปลี่ยนภาพปรากฏการณ์รูปภาพ ทั้งหมดนี้ดึงดูดความสนใจของเด็ก เมื่ออายุมากขึ้น การสังเกตอย่างมีจุดมุ่งหมายของเขาจะซับซ้อนและหลากหลายมากขึ้น

เป็นผลให้เด็ก ๆ สะสมความประทับใจไม่เพียง แต่เกี่ยวกับความงามของธรรมชาติเท่านั้น แต่ยังรวมถึงการเปลี่ยนแปลงที่เกิดขึ้นหากมีการใช้งาน

ตัวเด็กเองสามารถมีส่วนร่วมใน "การเปลี่ยนแปลงของธรรมชาติ" ได้ พวกเขาสามารถดูแลต้นไม้ ดอกไม้ ทาสีแจกันสำหรับพืชในร่ม บทเรียนกับตัวเอง วัสดุธรรมชาติเปิดโอกาสให้เด็ก ๆ แสดงความคิดริเริ่ม: พวกเขาวางภาพก้อนกรวด, กรวย, ปั้นจากหิมะ, ทำช่อดอกไม้, วาดบนทราย ฯลฯ

ความงามของเส้น รูปทรง และสีสันที่อยู่รอบตัวเด็กในชีวิตประจำวัน ผสมผสานเข้ากับเสื้อผ้า ของเล่นศิลปะ เฟอร์นิเจอร์ ในสิ่งที่เราเรียกว่า สภาพแวดล้อมของเรื่อง. สุนทรียภาพในชีวิตประจำวันคือวิถีชีวิตของครอบครัว (และโรงเรียนอนุบาล)

ควรให้ความสนใจอย่างมากกับความสะดวกสบายและความได้เปรียบของบ้านของคุณ สภาพแวดล้อมที่คิดมาอย่างดีและสวยงามกระตุ้นความปรารถนาของเด็กไม่เพียง แต่จะชื่นชม แต่ยังประพฤติตนตามสภาพแวดล้อมที่สวยงามทั้งหมดนี้ด้วย

การเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับการศึกษาเกี่ยวกับสุนทรียศาสตร์ของเด็กคือการทำงานเกี่ยวกับวัฒนธรรมของพฤติกรรม: เด็กพัฒนาทักษะการสื่อสารกับผู้ใหญ่และกับเพื่อน ๆ ของเขา ความสามารถในการประพฤติตัวที่โต๊ะอาหารเย็น และใช้เครื่องใช้อย่างระมัดระวัง เด็กยังจำเป็นต้องตรวจสอบรูปร่างหน้าตาของพวกเขา - ทรงผม, ชุดสูท, รองเท้า, ความสะอาดของมือ, ใบหน้า ทั้งหมดนี้ไม่ได้ดำเนินการเป็นรายกรณี แต่เป็นระบบและทุกวัน

แต่ไม่เพียง แต่สำหรับโลกแห่งวัตถุเท่านั้น ปรากฏการณ์ทางธรรมชาติ เราสามารถกระตุ้นทัศนคติที่สวยงามของเด็ก ๆ ได้ นอกจากนี้ยังสามารถเกิดขึ้นได้ในโลกของความสัมพันธ์ของมนุษย์ แรงงานซึ่งเปลี่ยนชีวิตและทำให้สวยงามดึงดูดความสนใจของเด็ก ๆ อย่างต่อเนื่องกระตุ้นความปรารถนาที่จะมีส่วนร่วมเพื่อแสดงในเกม รูปลักษณ์ที่น่าดึงดูดใจของวัตถุที่สร้างขึ้นและกระบวนการทำงานนั้นทำให้เด็กมีความสุข

การสร้างบ้าน, สะพาน, สวนสาธารณะ, การจัดสวนของเมืองและหมู่บ้าน, การตกแต่งถนน - ทั้งหมดนี้เป็นวัสดุที่มีค่าสำหรับการสร้างความสุขให้กับเด็ก นี่คือความประทับใจแรกของความสวยงามในชีวิต

และประการสุดท้าย ศิลปะเป็นวิธีการศึกษาเกี่ยวกับสุนทรียศาสตร์ที่ทรงพลังและขาดไม่ได้ ความตื่นเต้นและความสุขของเด็กทำให้เขามองทุกสิ่งรอบตัวเขาอย่างตั้งใจมากขึ้นสดใสขึ้นและตอบสนองต่อความสวยงามในชีวิตอย่างเต็มที่

การรับรู้ของเด็ก ประสบการณ์ รสนิยมทางศิลปะ

ปรากฏการณ์ทางศิลปะใด ๆ ต้องการจากผู้ที่รับรู้ "ความพร้อมทางประสาทสัมผัส" ที่เหมาะสมเช่น การพัฒนากระบวนการรับรู้ในระดับหนึ่ง นักจิตวิทยาและครูผู้สอนทราบถึงบทบาทของพื้นฐานทางประสาทสัมผัสของการรับรู้ทางศิลปะ ในความเห็นของพวกเขา "การเคลื่อนไหวของการค้นหา" ของมือตาการได้ยินที่มากขึ้นและเข้มข้นยิ่งขึ้นการรับรู้ของเด็กเกี่ยวกับโลกแห่งวัตถุประสงค์สีรูปร่างเสียง

การพัฒนาความสามารถทางประสาทสัมผัสทางดนตรีเมื่อเรียนร้องเพลง เล่นเครื่องดนตรี ช่วยให้เด็กได้ฟังเสียง ผู้ใหญ่ดึงความสนใจของเด็กไปที่คุณสมบัติต่างๆ ของเสียงดนตรีและการผสมเสียง และเชื่อมโยงพวกเขาเข้ากับการแสดงเชิงพื้นที่ (สูง - ต่ำ ยาว - สั้น) ในขณะเดียวกันก็เน้นความหมายที่แสดงออกของเสียงดนตรีอยู่เสมอ

ในกระบวนการเรียนรู้การวาด เด็ก ๆ จะได้เรียนรู้วิธีการแยกรูปแบบออกจากมุมมองทั่วไปของวัตถุ กำหนดคุณสมบัติของวัตถุ เปรียบเทียบกับรูปทรงเรขาคณิตที่เหมาะสมที่สุด เปลี่ยนเมื่อสัดส่วนและตำแหน่งของวัตถุเปลี่ยนไป ทั้งหมดนี้นำไปสู่การพรรณนาวัตถุที่ถูกต้องมากขึ้นการเกิดขึ้นของภาพศิลปะในเด็กเพื่อพัฒนาจินตนาการที่สร้างสรรค์เพราะเด็กต้องเปลี่ยนแปลงอย่างมากภายใต้อิทธิพลของความคิดที่เกิดขึ้นในตัวเขา

โดยทั่วไปแล้ว พัฒนาการจะเริ่มต้นจากการรับรู้เสียงที่ง่ายที่สุดไปสู่การรับรู้ถึงการผสมผสานดนตรีที่สวยงาม ตั้งแต่สีและรูปร่างไปจนถึงความแตกต่างของสีในรูปแบบต่างๆ การศึกษาทางประสาทสัมผัสเป็นส่วนสำคัญของการศึกษาด้านจิตใจและสุนทรียภาพของเด็ก ด้วยเหตุนี้ ความสำคัญของพื้นฐานทางประสาทสัมผัสในการรับรู้ทางสุนทรียะจึงถูกกำหนดโดยลักษณะอายุของเด็กที่ต้องการเสียง สี รูปร่าง และโดยธรรมชาติของปรากฏการณ์ทางสุนทรียะเอง ซึ่งความสวยงามทำหน้าที่เป็นเอกภาพของเนื้อหาและ รูปร่าง.

การพัฒนาความสามารถทางประสาทสัมผัสเป็นพื้นฐานสำหรับการพัฒนาการรับรู้ภาพศิลปะ นี่เป็นกระบวนการที่ซับซ้อนมากขึ้น เป็นที่ทราบกันดีว่าเนื้อหาของศิลปะเป็นที่เข้าใจกันว่าเป็นภาพสะท้อนของภาพทางศิลปะของปรากฏการณ์ทั่วไปของชีวิตที่มีลักษณะเฉพาะมากที่สุด ศิลปะแต่ละประเภทมีคลังแสงของตัวเองซึ่งมักจะทำหน้าที่ในคอมเพล็กซ์ ด้วยเหตุนี้จึงเป็นสิ่งสำคัญมากที่จะต้องเน้นความสมบูรณ์ของการรับรู้ทางศิลปะ สมมติว่าในขณะที่ฟังเพลงกล่อมเด็กเด็กรับรู้ถึงอารมณ์โคลงสั้น ๆ ที่สงบโดยทั่วไปเขามีความสัมพันธ์ในชีวิต แต่ตอนนี้ เมื่อฟังอีกครั้งหนึ่ง เด็กก็สามารถแยกแยะได้ทั้งจังหวะสบายๆ เสียงเงียบ และน้ำเสียงที่แสดงออก ดังนั้นการรับรู้แบบองค์รวมจึงหมายถึงความแตกต่างบางประการของวิธีการแสดงออกของแต่ละบุคคล และสิ่งนี้สามารถและควรสอนให้เด็ก

ดังนั้น การรับรู้ทางศิลปะจึงไม่ได้จำกัดอยู่แค่พื้นฐานทางความรู้สึกเท่านั้น การรับรู้ภาพศิลปะต้องการให้เด็กแสดงความสามารถหลายอย่าง: จินตนาการ, การแสดงภาพ, ความสามารถในการใช้ชีวิตอย่างมีความสุขและเศร้าของวีรบุรุษแห่งงานศิลปะ

ที่นี่เรามาถึงปรากฏการณ์ที่ซับซ้อน เช่น ประสบการณ์ทางสุนทรียะ ความรู้สึกทางสุนทรียะ

เป็นไปได้ไหมที่จะพูดคุยเกี่ยวกับการมีความรู้สึกสุนทรียะในเด็กก่อนวัยเรียน? มันเกิดขึ้นเร็วแค่ไหน, เนื้อหาและสัญญาณของมันคืออะไร, ความใกล้ชิดกับประสบการณ์ทางศีลธรรมคืออะไรและมันแตกต่างจากพวกเขาอย่างไร?

วัตถุในชีวิตประจำวันและปรากฏการณ์ทางธรรมชาติส่วนใหญ่ได้รับการประเมินในแง่ของคุณภาพทางกายภาพซึ่งเด็กสามารถเข้าถึงได้และถูกเก็บไว้ในความทรงจำในรูปแบบของการแสดงภาพ การระบายสีของเล่นที่สดใสแปลกประหลาด: เส้นและการผสมผสานสีที่ผิดปกติบนปีกของผีเสื้อ, การร้องเพลงของนกที่มีเสียงดัง, การเคลื่อนไหวที่ราบรื่นของปลาทองในตู้ปลา - ทั้งหมดนี้ทำให้เด็กประทับใจด้วยสัดส่วน, สี, เส้น คุณสมบัติเหล่านี้สามารถนำมาประกอบกับรูปแบบและรูปลักษณ์ภายนอกและถือเป็นปรากฏการณ์ที่สวยงาม

ควรสังเกตกรณีหนึ่ง เด็ก ๆ ดึงดูดสิ่งที่เป็นประกายและสดใสตั้งแต่เด็กปฐมวัย แต่สิ่งนี้ไม่ควรนำไปสู่ความจริงที่ว่าในอนาคตวัตถุที่แวววาวจับใจและงดงามทั้งหมดควรเรียกว่าสวยงาม สิ่งนี้จะไม่นำไปสู่การก่อตัวของรสนิยมทางศิลปะอย่างแท้จริง เราต้องคำนึงถึงการแสดงอายุของเด็ก แต่ในขณะเดียวกันก็พัฒนารสนิยมของเขาไปในทิศทางที่ถูกต้อง

ความรู้สึกสุนทรียะที่เกิดจากการกระทำของบุคคล ความสัมพันธ์ของเขากับงานและชีวิต ต่อทุกชีวิต เข้าใกล้แนวคิดที่สูงกว่า - เพื่อความสวยงามในฐานะอุดมคติทางศีลธรรมสูงสุด ไม่ต้องสงสัยเลยว่านี่เป็นความรู้สึกที่ซับซ้อนและลึกซึ้งยิ่งขึ้น ในเด็กจะปรากฏในรูปแบบทั่วไป คลุมเครือ และไม่แตกต่าง เด็กสามารถตอบสนองอย่างอบอุ่นต่อพฤติกรรมที่ยอดเยี่ยมการกระทำที่ยอดเยี่ยมเข้าถึงเขาด้วยจิตวิญญาณทั้งหมดของเขา แต่ทั้งหมดนี้จะทิ้งร่องรอยไว้ อาจฝังลึกแต่ไม่รู้ตัว

เมื่อรู้ถึงความประทับใจพิเศษ การจัดระเบียบที่ละเอียดอ่อนของชีวิตฝ่ายวิญญาณของเด็ก เรามุ่งมั่นที่จะโอบล้อมเขาด้วยประสบการณ์ที่สดใสและสนุกสนาน อย่างไรก็ตามปรากฏการณ์ที่น่าเกลียดสามารถกระตุ้นความรู้สึกที่สวยงามของเด็กได้ ท้ายที่สุดเขารู้สึกประทับใจอย่างชัดเจนเช่นภาพของ Karabas Barabas ไม่ต้องสงสัยเลยว่าในภาพที่ "น่ากลัว" นี้ซึ่งสร้างโดย A. Tolstoy อย่างมีสีสันนั้นจะเห็นทัศนคติเชิงลบต่อตัวละครและตัวผู้เขียนเองอย่างชัดเจน สิ่งนี้ทำให้เด็กรู้สึกรังเกียจไม่พอใจ

ในการพรรณนาถึงความน่าเกลียดในงานสำหรับเด็กคำเตือนของผู้เขียนควรฟังอย่างชัดเจน: "อย่าทำอย่างนั้น!" สิ่งนี้ช่วยให้เด็กผ่านการตัดสินปรากฏการณ์เชิงลบ มันง่ายที่จะเห็นสิ่งนี้อย่างน้อยจากตัวอย่างเช่นบทกวีของ V. Mayakovsky "อะไรดีและอะไรไม่ดี":

หากนักสู้ผู้อนาถพ่ายแพ้

เด็กชายผู้อ่อนแอ

ฉันไม่ต้องการสิ่งนี้

แม้แต่ใส่ไว้ในหนังสือ

ดังนั้น ความรู้สึกทางสุนทรียะจึงรวมถึงทัศนคติทางอารมณ์ต่อการแสดงออกของขั้วโลกในชีวิตและในงานศิลปะ - สวยงามและน่าเกลียด ประเสริฐและตลกขบขัน สิ่งนี้เน้นย้ำอย่างชัดเจนถึงบทบาทของศิลปะที่กระตือรือร้นและเปลี่ยนแปลง ผลกระทบต่อความคิดและจิตวิญญาณของเด็ก

ความสัมพันธ์ระหว่างสุนทรียะและศีลธรรมบางครั้งถูกเข้าใจผิด

ในกรณีหนึ่ง ในประสบการณ์ด้านสุนทรียศาสตร์ ด้านศีลธรรมของมันถูกประเมินต่ำไป และทุกอย่างล้วนมาจากการแสดงออกภายนอก - ความงาม สุนทรียศาสตร์ ด้วยมุมมองนี้ ในกระบวนการสอนทั้งหมด ทุกสิ่งที่เกี่ยวข้องกับรูปลักษณ์ภายนอก กิริยามารยาท และการตกแต่งจะได้รับการเน้นย้ำ ห่างไกลจากการลบความสำคัญของทั้งหมดนี้ อย่างไรก็ตาม เราไม่สามารถจำกัดตัวเองอยู่เพียงแค่นั้น

ในอีกกรณีหนึ่ง ในด้านสุนทรียภาพ หลักการทางศีลธรรมนั้นเน้นย้ำ มีการแนะนำการสอนมากเกินไป และพลังของอิทธิพลพิเศษของความสวยงาม (รวมถึงศิลปะ) ต่อลักษณะทางศีลธรรมของเด็กนั้นถูกประเมินต่ำเกินไป

นี่คือสองขั้วที่ขัดขวางไม่ให้เด็กได้รับประสบการณ์ทางสุนทรียะที่เหมาะสม สิ่งสำคัญคือต้องประสานคุณธรรมและสุนทรียภาพเข้าด้วยกัน

ดังนั้นการพบปะกับชีวิตและศิลปะที่สวยงามทำให้เกิดความรู้สึกสุนทรีย์ในเด็ก ความรู้สึกนี้จะไม่มีวันไร้จุดหมายและว่างเปล่า การมีอิทธิพลต่อความรู้สึกและกระตุ้นพวกเขา ความสวยงามทำให้เกิดความคิดในตัวเด็ก สร้างความสนใจ ในกระบวนการของการรับรู้ทางสุนทรียะ เด็ก ๆ จะทำการสรุปภาพรวมเป็นครั้งแรก เขามีการเปรียบเทียบและเชื่อมโยง ความปรารถนาที่จะค้นหาว่าภาพเพลงบอกอะไรทำให้เด็ก ๆ มองสีและเส้นอย่างใกล้ชิดฟังเสียงดนตรีและบทกวี เด็กจะค่อย ๆ พัฒนาความสนใจในการฟังและการสังเกตด้วยสายตา ธรรมชาติในชีวิตประจำวันยังให้เหตุผลแก่เด็กในการสังเกตต่างๆ

ค่อยๆ รับรู้เสียงในการผสมผสานต่างๆ สัมผัสในบทกวี ลายเส้น สีและรูปทรงในภาพวาด ซึมซับความรู้สึกต่างๆ จากความงามของธรรมชาติ เด็กเรียนรู้ที่จะจับวิธีการแสดงออกทางศิลปะในเนื้อหาของงาน ตัวอย่างเช่น เขาตั้งข้อสังเกตว่าท่วงทำนองการเต้นรำที่ร่าเริงส่วนใหญ่มักจะสอดคล้องกับจังหวะที่รวดเร็ว เสียงดัง จังหวะที่เร่าร้อน ว่าในเทพนิยายมีคำที่สวยงามและมีความหมายและคำพูดเดียวกันซ้ำหลาย ๆ ครั้ง ("... และขนมปังม้วนต่อไป"); ในภาพที่สื่อถึงภาพของป่าทึบสีเข้มที่ครอบงำ ฯลฯ

เด็ก ๆ เริ่มสังเกตเห็นความเชื่อมโยงบางอย่างระหว่างความเป็นจริงรอบตัวกับศิลปะที่สะท้อนให้เห็น สำหรับพวกเขาแล้ว นี่เป็นการค้นพบที่สนุกสนานและไม่ธรรมดาอยู่แล้ว หลังจากฟังเพลง นิทาน ดูรูปภาพ เด็ก ๆ จำได้อย่างชัดเจนว่าเหตุการณ์ที่คล้ายกันเกิดขึ้นกับพวกเขา พวกเขาเห็นหรือได้ยินสิ่งเดียวกันในชีวิต

ทัศนศิลป์ ดนตรี นิทานและบทกวี ตลอดจนปรากฏการณ์ทางธรรมชาติ สิ่งของรอบตัวเด็ก ทำให้เกิดการแสดงออกที่หลากหลายและน่าสนใจหากผู้ใหญ่กระตุ้นให้เด็กทำเช่นนั้น

เด็กๆ ยังสังเกตวิธีการแสดงออกในงานดนตรี บทกวี และวิธีการนำเสนอในภาพวาด ในประติมากรรม ในของเล่นศิลปะ เด็กมักจะสนใจเนื้อหาของเพลง รูปภาพ และสามารถสรุปสั้นๆ เด็ก ๆ สามารถชื่นชมคุณภาพของการแสดงเพลง การวาดภาพ การอ่านแบบแสดงออกของเพื่อน ๆ ของพวกเขาได้ แต่ก่อนอื่น พวกเขาเข้าใจสัญญาณที่ชัดเจนและชัดเจนที่สุด

โดยธรรมชาติแล้ว การประเมินของเด็กจะกระจัดกระจาย ค่อนข้างผิวเผิน แต่มีอารมณ์มาก ไม่มีข้อจำกัด หุนหันพลันแล่น "ลักษณะทางสุนทรียศาสตร์" ปรากฏขึ้นตั้งแต่เด็ก แต่ใน เด็กก่อนวัยเรียนที่อายุน้อยกว่าพวกเขามักจะมั่นใจในธรรมชาติ ("ฉันมีชุดสวย") บางครั้งก็มีการแสดงทัศนคติที่เลือกสรร ("เพิ่มเติม" - พวกเขาขอให้เล่นเทพนิยายเพลงซ้ำ) ในตอนท้าย วัยก่อนเรียนแรงจูงใจ, การเปรียบเทียบปรากฏขึ้น, เด็ก ๆ สามารถระบุสัญญาณต่าง ๆ ได้อย่างอิสระ, ใช้การแสดงออกเป็นรูปเป็นร่าง

ด้วยปฏิสัมพันธ์ของการรับรู้ทางประสาทสัมผัส อารมณ์ คำพูด ประสบการณ์ด้านสุนทรียศาสตร์ของเด็กจึงสมบูรณ์และหลากหลาย เกิดเป็นรสศิลป์

พื้นฐานของความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะคือการรับรู้ทางศิลปะ ช่วยให้บุคคลเข้าสู่โลกแห่งวัฒนธรรมศิลปะช่วยให้คุณสร้างผลงานศิลปะใหม่ตามโลกทัศน์ของคุณเอง ในวรรณกรรมทางวิทยาศาสตร์ การรับรู้ทางศิลปะหมายถึงการก่อตัวขึ้นในใจของแต่ละบุคคลของภาพสีทางอารมณ์ของโลก ซึ่งมีความหมายทางจิตวิญญาณและแสดงออกผ่านงานศิลปะ

การพัฒนาการรับรู้ทางศิลปะสามารถเริ่มดำเนินการได้ตั้งแต่อายุก่อนวัยเรียน ในสาขาการศึกษา "การพัฒนาทางศิลปะและสุนทรียภาพ" ของโปรแกรม "วัยเด็ก" สำหรับเด็กวัยก่อนวัยเรียนระดับสูงมีการกำหนดงานในการพัฒนาการรับรู้ทางศิลปะซึ่งดูเหมือนว่าจำเป็นต้องเพิ่มความสนใจในงานศิลปะพื้นบ้านและศิลปะมืออาชีพและ สร้างประสบการณ์ในการรับรู้ผลงานศิลปะประเภทและประเภทต่าง ๆ เพื่อส่งเสริมการพัฒนาวิธีการแสดงออกทางศิลปกรรม พัฒนาการรับรู้ทางศิลปะความสามารถในการตรวจสอบงานศิลปะและวัตถุของโลกรอบตัวอย่างระมัดระวังอย่างสม่ำเสมอ เปรียบเทียบสิ่งที่คุณเห็นกับประสบการณ์ของคุณเอง เพื่อสร้างการแสดงโดยเป็นรูปเป็นร่างของวัตถุและปรากฏการณ์ของโลกและพัฒนาความสามารถในการพรรณนาวัตถุและปรากฏการณ์อย่างง่ายในกิจกรรมของตนเอง การรับรู้ทางศิลปะที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดกำลังพัฒนาในด้านวิจิตรศิลป์

นอกจากนี้จากการวิจัยพบว่าการพัฒนาการรับรู้ทางศิลปะเกิดขึ้นบนพื้นฐานของประสบการณ์ความคิดสร้างสรรค์ของตนเองและการสร้างภาพเป็นประเภทของความคิดสร้างสรรค์ที่เด็กก่อนวัยเรียนมีความกระตือรือร้นมากที่สุด ดังนั้นวัยก่อนเรียนจึงเป็นที่นิยมมากที่สุดสำหรับการพัฒนาการรับรู้ทางศิลปะ การพัฒนาความสามารถในการรับรู้ทางศิลปะของเด็กได้รับการพิจารณาในผลงานทางวิทยาศาสตร์ของครูหลายคนเช่น N.V. ฟรอสต์, เอ.เอ. Melik-Pashaev, T.N. โทมินะ ทีวี Kalinina และอื่น ๆ ความจำเป็นในการรักษาและพัฒนาอารมณ์ความรู้สึกของการรับรู้โดยตรงของเด็กโดยเฉพาะอย่างยิ่ง

อย่างไรก็ตาม เมื่อแนะนำเด็กให้รู้จักงานศิลปะ ครูจะให้ความสำคัญกับองค์ประกอบเนื้อหาของภาพมากขึ้น ในขณะที่วิธีการแสดงออกที่ศิลปินใช้ไม่ได้กลายเป็นเป้าหมายของการรับรู้เสมอไป ดังนั้นจึงให้ความสนใจเป็นพิเศษในการค้นหาเงื่อนไขการสอนเพื่อพัฒนาการรับรู้ทางศิลปะในเด็กก่อนวัยเรียนตอนกลางในกระบวนการทำความคุ้นเคยกับงานศิลปะ

ปัจจุบันบทบาทของครูในฐานะผู้ถ่ายทอดวัฒนธรรมทางศิลปะเพิ่มมากขึ้น ปัญหานี้สะท้อนให้เห็นในการศึกษาโดย N.I. สมาคอฟสกายา. ผู้เขียนถือว่าความพร้อมของครูที่จะใช้การศึกษาและการศึกษาด้านศิลปะและสุนทรียภาพเป็นเงื่อนไขที่สำคัญที่สุดในการพัฒนาการรับรู้ทางศิลปะของเด็กก่อนวัยเรียน ครูควรเข้าใจถึงความสำคัญและความจำเป็นในการทำความคุ้นเคยกับงานศิลปะของเด็กก่อนวัยเรียนความสามารถในการเชี่ยวชาญวิธีการในการทำความคุ้นเคยกับเด็ก ๆ กับงานศิลปะและจัดเตรียมเงื่อนไขที่เอื้ออำนวยต่อการแก้ปัญหาการพัฒนาศิลปะและสุนทรียภาพของนักเรียน ในขณะเดียวกันก็ให้ความสนใจเป็นพิเศษกับเงื่อนไขการสอนเช่นการจัดสภาพแวดล้อมทางศิลปะและสุนทรียศาสตร์ในพื้นที่การศึกษาซึ่งได้รับการเสริมคุณค่าโดยการบูรณาการพื้นที่การศึกษา ดังนั้น การทำงานเกี่ยวกับการพัฒนาการรับรู้ทางศิลปะของเด็กควรเริ่มต้นด้วยการสร้างสภาพแวดล้อมทางศิลปะด้วยการจัดแกลเลอรีขนาดเล็ก

แกลเลอรี่ขนาดเล็กสามารถอุทิศให้กับผลงานของศิลปินที่มีชื่อเสียงเท่านั้น สามารถจัดแกลเลอรีความคิดสร้างสรรค์ของเด็กก่อนวัยเรียนในกลุ่มได้ ซึ่งจะทำให้เด็กรู้สึกถึงคุณค่าของความพยายามในการสร้างภาพวาด ความสำคัญต่อผู้อื่น และจะเป็นแรงกระตุ้นสำหรับความคิดสร้างสรรค์ต่อไป ในห้องกลุ่มของโรงเรียนอนุบาลควรกำหนดสถานที่สำหรับวางภาพเหมือนของศิลปินที่มีชื่อเสียง สารานุกรมศิลปะ หนังสือเกี่ยวกับวิจิตรศิลป์ การทำสำเนาภาพเขียน ซึ่งเด็ก ๆ ควรเข้าได้ฟรี ขอแนะนำให้อัปเดตเนื้อหาเป็นระยะ ตัวอย่างเช่น คุณสามารถปฏิบัติตามหลักการของฤดูกาลหรือการวางแผนตามธีมของกลุ่ม เมื่อเลือกการทำสำเนาจำเป็นต้องให้ความสนใจกับเทคนิคต่าง ๆ ที่ศิลปินใช้เมื่อสร้างภาพซึ่งจะช่วยให้เด็กก่อนวัยเรียนเห็นภาพที่หลากหลายของวัตถุและปรากฏการณ์ต่าง ๆ ของโลกรอบตัวพวกเขา นอกจากนี้ เมื่อสังเกตสภาพอากาศในแต่ละวัน ให้ค้นหาภาพสะท้อนของสภาพอากาศที่คล้ายคลึงกันในการจำลองของศิลปิน

วิธีการและโปรแกรมส่วนใหญ่เน้นย้ำถึงความจำเป็นในการเรียนรู้ความหมายของภาษาศิลปะ ดังนั้นในกระบวนการจัดกิจกรรมการมองเห็นของเด็ก ๆ จึงจำเป็นต้องให้ความสนใจกับความเป็นไปได้ในการแสดงออกของภาษาวิจิตรศิลป์: ตัวเลือกเส้น (ตรง, หยัก, หัก); ตัวเลือกสี (อุ่น - เย็น, แสง - มืด); คุณสมบัติจังหวะ (สี เส้น จุด จังหวะ); คุณสมบัติการฟักไข่ ("ตรง", "รัศมี"); คุณสมบัติของจุด, รูปร่าง, มวล, สีที่แตกต่างกัน

สิ่งสำคัญคือต้องแนะนำเด็ก ๆ ให้รู้จักกับเทคนิคการทำงานกับวัสดุศิลปะ: ดินสอสีและดินสอสีเทียน (ฟักด้วยการเปลี่ยนแปลงของแรงกดบนดินสอ (ดินสอสี) และทิศทางของจังหวะ) gouache ("ยืด" งานพู่กัน); สีน้ำ ("ยืด", "ดิบ") ผลลัพธ์ที่ดีในการเรียนรู้สีในฐานะภาษาของวิจิตรศิลป์คือการทดลองกับสี (เชื้อเชิญให้เด็ก ๆ ได้รับสีใหม่หรือเฉดสีโดยอิสระโดยการผสมสี)

เมื่อจัดกิจกรรมการศึกษาโดยตรงโดยครูจำเป็นต้องคำนึงถึงหลักการของการเรียนรู้องค์ประกอบของศิลปะอย่างค่อยเป็นค่อยไป ในกระบวนการรับรู้งานศิลปะของเด็ก ๆ จำเป็นต้องส่งเสริมการรับรู้ถึงประสบการณ์ของตนเองเป็นเนื้อหาหลักของงาน (ตัวอย่างเช่น ในกระบวนการทำความรู้จักกับงานศิลปะ เด็ก ๆ สามารถได้รับเชิญให้เข้าร่วมทางจิตใจ กลายเป็นผู้มีส่วนร่วมในเนื้อเรื่องของภาพ) สิ่งสำคัญคือครูต้องแสดงทัศนคติทางอารมณ์ต่อภาพที่รับรู้โดยตัวอย่างของเขาซึ่งจะทำให้เกิดผลกระทบของ "การติดเชื้อทางอารมณ์" ในเด็กและจะนำไปสู่การกระตุ้นการรับรู้ของเด็ก ขอแนะนำให้พาเด็ก ๆ ไปประเมินตัวละครที่ปรากฎในภาพ ใช้การสนทนากับคำถามที่เป็นปัญหาได้อย่างมีประสิทธิภาพ คำถามจะช่วยให้เด็กเข้าใจใบหน้าที่แท้จริงของตัวละครที่ปรากฎ แรงจูงใจของพฤติกรรมของพวกเขา ในเงื่อนไขของกิจกรรมการมองเห็นที่เป็นอิสระ สิ่งสำคัญคือต้องช่วยให้เด็กเรียนรู้ภาษาของวิจิตรศิลป์ ด้วยเหตุนี้จึงเป็นไปได้ที่จะจัดการทดลองด้วยสี: รับเฉดสีใหม่, สีผสม, ฯลฯ การพัฒนาการรับรู้ทางศิลปะของเด็ก ๆ จะได้รับการอำนวยความสะดวกโดยการพัฒนาแบบฝึกหัดเกม "ใครคือใคร?", "คิดถึงภูมิทัศน์ ", "หยิบจานสี", "รูปร่างอยู่ที่ไหน " ฯลฯ เด็ก ๆ จะสามารถรวบรวมความรู้ที่ได้รับก่อนหน้านี้ได้อย่างน่าตื่นเต้นสำหรับพวกเขา

ดังนั้นความสำเร็จในการพัฒนาการรับรู้ทางศิลปะในเด็กก่อนวัยเรียนตอนกลางในกระบวนการทำความคุ้นเคยกับงานศิลปะสามารถมั่นใจได้โดยการดำเนินการตามเงื่อนไขการสอนต่อไปนี้:

ความพร้อมของครูปฐมวัยในการพัฒนาการรับรู้ทางศิลปะของเด็กก่อนวัยเรียน

จัดเตรียมสภาพแวดล้อมการพัฒนาที่สวยงามในโรงเรียนอนุบาล สถาบันการศึกษาและในครอบครัว

ความสัมพันธ์ของกิจกรรมการศึกษาโดยตรงกับการทดลองและความคิดสร้างสรรค์ที่เป็นอิสระของเด็ก

บรรณานุกรม.

1. วัยเด็ก: โปรแกรมการศึกษาที่เป็นแบบอย่างสำหรับการศึกษาก่อนวัยเรียน [ข้อความ] / T.I. Babaeva [ฉันดร.]. - เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก: Dettvo-Press, 2014 - 352 น.

2. คาลินินา ทีวี เทคโนโลยีการสอนเพื่อพัฒนาการรับรู้ทางศิลปะของเด็กอายุ 6-7 ปี โดยอิงจากการผสมผสานองค์ประกอบของภาษาวิจิตรศิลป์ / T.V. Kalinina [ทรัพยากรอิเล็กทรอนิกส์]. – โหมดการเข้าถึง: http://nauka‐pedagogika.com

3. Melik-Pashaev A.A. ศิลปินในเด็กทุกคน เป้าหมายและวิธีการเรียนศิลปศึกษา [ข้อความ] / อ. เมลิค-ปาชาเยฟ. – ม.: การตรัสรู้, 2551. – 175 น.

4. โมรอซ เอ็น.วี. การรับรู้ศิลปะเป็นพื้นฐานในการสร้างวัฒนธรรมทางศิลปะของแต่ละบุคคล / N.V. Frost [ทรัพยากรอิเล็กทรอนิกส์] / โหมดการเข้าถึง: http://academicon.ru

5. สมาคอฟสกายา เอ็น.ไอ. การพัฒนาการรับรู้ทางศิลปะของนักเรียนวิทยาลัยการสอนในเงื่อนไขของการมีปฏิสัมพันธ์ของศิลปะ / R.I. Smakovskaya [ทรัพยากรอิเล็กทรอนิกส์] - โหมดการเข้าถึง: http://nauka‐pedagogika.com

6. โทมินะ ที.เอ็น. การพัฒนาการรับรู้ทางศิลปะในเด็กวัยก่อนเรียนตอนปลายเมื่อทำความคุ้นเคยกับงานจิตรกรรม / T.N. Tomina [ทรัพยากรอิเล็กทรอนิกส์] - โหมดการเข้าถึง: http://festival.1september.ru